La Berdad Berdadera

Nadie en casa

2011-01-11T00:50:00.005-05:00

Tengo un pequeño libro negro con mis poemas en él
Tengo una maleta con un cepillo de dientes y un peine dentro
cuando soy buen perro ellos, algunas veces, me arrojan un hueso en ella,
tengo ligas sujetándome los zapatos,
tengo esas manos azules hinchadas.
Tengo trece canales de mierda para elegir en la tele,

Tengo luz eléctrica,

tengo una segunda visión,
tengo sorprendentes
poderes
de observación,
y así es como sé
cuando trato de llegar a ti
a través del teléfono,
que no habrá nadie en casa.

Tengo la obligatoria permanente de Hendrix,
y el inevitable pinchazo ardiendo,
delante de mi camisa favorita de satén,
tengo manchas de nicotina en los dedos,
tengo una cuchara de plata en una cadena,
tengo un gran piano para sostener mis restos mortales,

Tengo salvajes ojos penetrantes,
y una fuerte urgencia de volar,
pero no tengo adónde ir
(ir, ir, ir, ir, ir...)

oooohhhh, cariño, cuando levanto el teléfono,
aún no hay nadie en casa.

Tengo un par de botas Gohills,
y las raíces marchitas

Esta es mi versión de la letra hecha con ayuda de 2 fuentes distintas: Una más fiel al traductor de google (sobre todo por lo de la permanente de Hendrix) y otra más atenta a los detalles. Ambas versiones se complementan.

Bailarina fuera de control

2010-11-14T00:10:00.007-05:00

Desde ayer en la noche casi no he podido dejar de escuchar esa canción de The Ocean Blue, "Ballerina Out of Control", me gustaría poner su video, que en su sencillez expresa muy bien lo que pienso es esta canción, pero los de warner bros. no dejan; los ventanales, la calidez que los traspasa, la banda tocando en una sala de ensayos de baile donde no hay más que ellos, sus instrumentos y la bailarina del título que se mueve entre todos como parte de esa calidez que llega desde los ventanales y acaricia... ah, y los espejos y la barra de baile; pero también hay vulgaridad allí: La banda haciendo como que toca, como que canta, los movimientos en cámara lenta, el tecladista bailando, la canción que en el fondo no es la gran cosa, hay muchas mejores que ella ¿Qué es esto? La vida, sí, hay mejores, no todos los días se escala el Everest o algunos de los 8 miles, quizás nunca, pero es lo que tengo y está bien; hay allí buenos momentos, mejores momentos que nunca pasaron pero allí están, una reunión con amigos, una caminata nocturna, un patio enorme vacío, un momento que podría ser éste, que tal vez es éste, que es éste porque no hay nada más que este momento.

Y la esperanza.

"Ballerina Out of Control" forma parte del segundo disco de The Ocean Blue, Cerulean; he escuchado el disco hoy pero no me ha gustado; tampoco el siguiente "Beneath the Rhythm and Sound", cortesía éste de un post inexistente de este blog; sé que The Ocean Blue estuvo en Lima, los videos al respecto se encuentran en Youtube.

Música de supermercado 4

2010-11-02T23:38:00.002-05:00

Esto fue la semana pasada, he debido poner otras entradas como éstas pero hay canciones de los ochentas que mi desorejera me hace relacionar con XTC, Oingo Bongo o The Korgis en sus momentos más movidos (perdonaran este tacu tacu musical); sin embargo, la setentera "I'd love to change to world" de Ten Years After por supuesto que la reconocí.

Música de supermercado 3

2010-10-10T23:12:00.002-05:00

Al principio pensé que iba a escuchar "Where the streets have no name" de U2 pero era el comienzo de "While you see a chance" de Steve Winwood; luego vino "Heart of glass" de Blondie, lo que no tiene nada de extraño, y, finalmente, "Raspberry beret" de Prince... y qué bueno porque es una de las cuantitas que me gustan del "geniecillo de Minneapolis", más precisamente, fue la primera que me hizo pensar, años ha, que la música de Prince podía ser interesante... todo esto mientras escogía panes, buscaba una bolsa de arroz de 5 kg y seleccionaba una papaya pequeña que mi mamá me había pedido.

Hace bastante tiempo: The Beatles 1963-1964

2010-09-15T02:31:00.000-05:00

Please, Please Me, (1963): El primer disco

Ya había comentado aquí sobre lo que me parecía el "Please please me": La primera canción ("I saw her standing there") y la última ("Twist and shout") son dos de mis canciones favoritas y picos en la carrera de los Beatles. Hasta el Revolver (1966) no encuentro un comienzo y un final que me guste tanto como el de este album. El medio del disco está muy bien también: La canción que da título al album, que en su momento me gustó muchísimo, y "P.S. I love you", cantada muy "caballerosamente" por Paul, muy bonita ("Love me do" pasa piola). Con eso ya sería suficiente y aunque hay canciones de las que paso de largo ("Boys" y "Baby it's you" sobre todo) siempre ocurre que a esas les siguen canciones que me gustan: "Ask my why" y "Do you want to know a secret". El principio del disco no sólo lo disfruto mucho por "I saw her standing there" sino también por la corta "Misery" y especialmente por la repetitiva "Anna (go to him)" donde se nota lo paradójico de la voz del primer John Lennon, que sufre por la perdida y a la vez espeta a quien debería escucharlo que se largue (te entiendo, John Lennon); en conjunto, las tres últimas me gustan muchísimo menos que las tres del inicio pero "Twist and shout" es una de las interpretaciones de Lennon que más me fascinan. Me encanta la mezcla de fuerza y debilidad en la voz de John, que por ese entonces podía ser al mismo tiempo llorona, dolorosa, y gritona, molesta, y que en esta canción se muestra plenamente. Cuando Lennon canta eso de: "You know you twist, little girl, You know you twist so fine, Come on and twist a little closer, now, And let me know that you're mine" me parece que se produce eso que yo he denominado, cretinamente, uno de los grandes momentos de la música, "un instante único e irrepetible" (aunque allí ocurre dos veces, je), la voz de John Lennon que casi se quiebra, está al borde del abismo, pero no, sigue allí, incólume.

Por la época del "Please Please Me" salieron tres singles, dos de ellos con canciones ya incluídas en el album (aunque con una pequeña diferencia en el caso de "Love me do", no sólo por el baterista cambiado sino por la mezcla de las voces que suenan más fuerte en el single, especialmente la voz de John Lennon). El tercero incluía a las muy simpáticas "From me to you" y "Thank you girl", ésta última una de mis primeras canciones favoritas de los Beatles. Este fue el primer gran single de canciones sueltas del grupo, quiero decir, el primero de los que más me gustaron.

With The Beatles, (1963): El segundo primer disco

En su momento llegué a detestar este disco, fuera de su extraordinaria carátula; es que ninguna de las canciones de éste se puede comparar a las del disco anterior: "It won't be long" no es "I saw her standing there" (más bien es otro juego de palabras como "Please please me": "I won't be long 'til i belong to you") y a "Money", aunque parece más amenazadora y trabajada que "Twist and shout", la encuentro fría en comparación, controlada, a pesar de algún grito por lo bajo de John Lennon clamando que quiere ser libre. Mi canción favorita del disco está justo al lado de la que supongo es la más considerada en general: "All my loving" (mi favorita es "All i've got to do" de John Lennon, otro de los buenos momentos sensibles de John), nunca me ha gustado esa canción de Paul. Los covers en su mayoría están simpáticos (el único que no me gusta es o era una de las canciones favoritas de mi amigo Cocochoa: "Till there was you", un bolero más ortodoxo que "P.S. I love you"). Simpática también es para mí la primera composición de George Harrison, "Don't bother me", una canción que da la apariencia de haber salido sin querer queriendo y que después de las canciones que están muy bien es el tipo de canciones de George que disfruto más. La gracia de este disco creo está en que al final ninguna canción destaca demasiado sobre las demás, no hay picos como en el primer disco o acaso no son tan pronunciados, así que, quizás porque aquí empezaron las "experimentaciones", tengo la sensación de que cada canción forma parte de un todo: El disco en conjunto. Es lo que yo llamo (no sé si sólo yo, en realidad) un álbum sobrio, sin estridencias, en el que las partes forman un bloque compacto. Los discos de los Beatles o tienen la estructura del Please Please Me (un conjunto de grandes canciones puestas en sitios estratégicos) o la de éste. De hecho, la mayoría siguen el modelo del primer disco, los que se parecen a éste son pocos pero son los discos que cierran las dos etapas más notorias en la carrera de los Beatles; éste es muchísimo menor respecto a esos dos, sin embargo, vistas las cosas así, es un gran paso en su discografía.

Probablemente, la causa por la que las canciones de este disco no sean tan espectaculares como las del primero sea que esas canciones fueron dejadas para los singles: "She loves you" y "I want to hold your hand", canciones símbolo del nacimiento de la beatlemanía. Le tengo más cariño a "She loves you" ("con un amor como ese sabes que seguro deberías estar feliz", hay algo cínico en esa frase, me parece) pero estoy saturado de ambas, me quedo con sus muy bonitas caras B: "I'll get you" y "This boy", aunque esto es decir poco, "I'll get you" tiene un ritmo que la hace para mí una de mis preferidas de la primera parte de la carrera de The Beatles y "This boy" es otra emotiva interpretación de John Lennon al estilo de "Anna (go to him)".

A hard day's night (1964): La consagración

No sé bien por qué nunca me ha gustado mucho este album, tal vez porque comienza mucho mejor de lo que acaba. "I'll be back" tiene un muy buen principio, suena algo misteriosa, incluso podría decir "madura" pero las estrofas (la canción, tal como "She loves you" empieza por el coro) la desinflan. Quizás sea la primera de las grandes canciones defectuosas de los Beatles. Otra defectuosa, por la subida de tono, pero más grande que sus problemas es la madurísima "And I love her", una de esas canciones que al principio odiaba, por su seriedad, y que ahora me encantan. Me fascina la indiferencia con la que Paul canta, eso de "Y la amo", McCartney lo suelta como quien dice "Hoy no hace ni calor ni frío". Es un bolero indiferente; inusual. La música y lo cantado por Paul suenan como esculpidas en piedra: Pueden ser frías, incluso vacías, pero estarán allí para siempre ("Un amor como el nuestro podría no morir nunca, siempre y cuando te tenga cerca de mí"... uhmmm, eso me suena conocido). Del resto del disco rescato las simpatiquísimas "I Should Have Known Better", esta vez con la voz alegre y llorona de John Lennon (y su armónica) e "If I fell", canciones que en su momento he querido mucho y que si me alejo un poco de ellas vuelvo a quererlas en el reencuentro; también rescato a las tres primeras de la antigua cara B: la enérgica y sinuosa "Anytime at all"; la rápida y otra vez con la especial voz de John,"I'll cry instead"; y la madura, otra vez de Paul, "Things we said today", aunque algo en ésta no termina de cuajar, creo que el coro, que no está mal, no está a la altura, gran altura, de las estrofas. Tanto en la antigua Cara A como en la antigua Cara B las canciones número 4 respectivas son un bajón respecto a la anterior: De "When I get home" no tengo nada que decir pero "I'm happy just to dance with you" está en algo, es una hija de "All my loving" que me gusta más que la madre. Respecto a las dos canciones más populares de este disco, "Can't buy my love" nunca me ha gustado (si hay algo más aparte de la rítmica interpretación vocal de Paul, avísenme), aunque me interesa como respuesta temática a "Money", así que soy yo, y "A hard day's night", con el tiempo me ha dejado de interesar, ah sí, el riff inicial, perfecto, y el riff final, sin sarcasmos e ironías, debe ser uno de los grandes momentos del rock, digo, seguro que cuando Jim McGuinn escuchó eso por primera vez encontró el sonido que buscaba para su banda "The Byrds". Y sí, "A hard day's night" es el único disco en la discografía de The Beatles en que todas las canciones son de Lennon/McCartney

Al contrario de lo que sucedió con el disco anterior las canciones que fueron lanzadas como single y no incluídas en este disco no tienen la fuerza de las principales de "A hard day's night"; no me refiero a fuerza vocal porque "Long tall Sally" es una muestra de que Paul también podía gritar, si bien sus gritos son más de euforia que de dolor o de molestia como en el caso de John; del extended play (¿Maxi single?) de aquel mismo nombre, mi preferida con el tiempo ha terminado por ser "I call your name", aunque no tiene la energía de "Anytime at all" si cuenta con la sinuosidad que me gusta de ésta canción.

Hace bastante tiempo

2010-09-14T23:10:00.004-05:00

Hace bastante tiempo que quería escribir un texto aquí donde comentase mis impresiones sobre los discos de los Beatles, en textos que no fuesen demasiado largos, pero como no me gusta hacer las cosas por obligación y lo que en principio fue un gusto empezaba a ser aquello pues lo dejé de lado. He decidido hacerlo ¿ahora? porque explicar mis ideas a grandes rasgos sobre esos discos me permitirá exponer aquellas sobre otros discos de los que quisiera hablar ahora pero que no lo hago porque me siento obligado a hacerlo. Uhmmm... (psicopatologías mías).

Antes de hablar de los Beatles debo decir esto: El primer disco que quise escuchar fue el primero de los Hombres G porque allí estaba "Venezia" y me encantaba (todavía me gusta), pensaba que el resto de canciones del disco me gustaría de la misma manera; no obstante, mi primer artista favorito fue Phil Collins; yo tenía 7 u 8 años, era la época de "No Jacket Required", veo en wikipedia que es de 1985 así que debía tener 9 años; había escuchado "Don't lose my number", "You can't hurry love" e "Ilegal Alien" (no sabía que era de Genesis y tampoco que tenía una letra muy idiota) y quizás pensaba "qué bueno que es este Phil Collins". Nunca, sin embargo, llegué a escuchar el primer disco de Hombres G ni ningún disco de Phil Collins, salvo recopilatorios.

Por supuesto, el primer disco que escuché fue el "Thriller" de Michael Jackson, ¿cómo casi todo el mundo?, en una edición pirata que mi mamá adquirió, en su primera y única vez que se compró un casette o un disco (no sé si antes, en la época del vinilo, lo hacía pero después nunca); yo, bastante inocente, no tenía idea de que era un casette pirata, de esos que venían con el cartoncito de Sony donde uno podía anotar los títulos de las canciones y en los que esos casettes tenían impresos los títulos de las canciones en letras de color azul, lo recuerdo bien, al punto que cuando vi un casette original creía que el que había en mi casa era el "verdadero", mismo Paco Yunque cuando dice que su mamá tiene plata sólo porque alguna vez vió monedas en sus manos; y eso a pesar de que el casette tenía canciones de otra gente, la única que recuerdo ahora es "Give me back my man" de B'52's, que en ese entonces odiaba (nunca tanto) y ahora escucho con aprecio, de hecho me trae un poco de vuelta lo feliz de esa época.

Continúo: Unos años después descubrí el primer disco que consideré mi favorito (y había escuchado): El primero de Soda Stereo. Lo escuché algunos años después de su lanzamiento, en la época del disco "Signos", y si bien me gustaban varias canciones de este último y de "Nada personal", de esos tres el primero era el que me gustaba más, el único que entendía, por así decirlo. La cosa iba más o menos así hasta que escuché a los Beatles.

Ya conocía a los Beatles por esa serie de dibujos animados que transmitía por aquí Panamericana TV en la década de 1980; los dibujos me parecían entretenidos pero detestaba cada vez que había un momento musical; es que, no sé si hasta hoy pero le tengo alergia a los musicales, es decir, esas películas donde la acción transcurre hablada sin música hasta que te zampan una canción. Así que más o menos hacia fines de esa década parecía claro que no me atraía la música de los Beatles. Recuerdo que una noche en uno de esos sábados feísimos de mi primera adolescencia yo estaba con mis hermanos en una de las habitaciones de la casa, quizás era en el segundo piso, de pronto desde el primero llegó esa música: No recuerdo si fue "Please, Please me" o "Twist and shout" pero hizo por un instante que mi sábado hasta ese momento lo viera como feísimo para así diferenciarlo de lo maravilloso que me pareció lo que estaba escuchando, una especie de príncipe azul, una especie de amor, no lo sé, yo era pobre y de pronto no más... el gran y maravilloso sueño. Me fascinó. Un tío mío tenía una copia gastadísima del "Please, please me" y, no sé por qué, lo estaba escuchando con mi papá en ese momento. No estoy seguro pero con el tiempo he creído que así empezó todo. Los discos de los Beatles los escuché en orden porque, como he dicho antes, un amigo de mi hermano mayor le prestó quincenalmente y en orden las reediciones en casete de los discos oficiales que habían sido reeditadas junto con las primeras ediciones en cd, así que no voy a decir "éste es el primer disco o el segundo que escuché" cuando hable de cada uno. Lo último que voy a decir aquí es que, si bien los discos los escuché en orden, el "desorden" ocurrió cuando mi papá nos fue regalando (un regalo suyo y de mi mamá, aunque mi papá los traía) los casettes a mí y mis hermanos. Mi papá trabajaba dibujando planos de construcción y los casettes nos lo traía envueltos en el papel de los planos. Era emocionante abrir esos paquetes de a veces dos, tres o cuatros casettes juntos; el primero, que me regalaron una navidad, sólo a mí, fue el primer volumen de los Past Masters, sin embargo, tengo más presente el "Beatles for sale" como el primer casette de los Beatles que nos trajo mi papá, algo que siempre tengo y voy a tener que agradecer. Gracias mamá, gracias papá.

Pregunta acerca del sentido de la vida

2010-07-26T17:17:00.002-05:00

¿Por qué "Elegantly wasted" (1997) no aparece en "The best of INXS" (2002)?

Más música de supermercado

2010-04-25T15:59:00.002-05:00

Hoy fue el turno de "White light/White heat" en la versión de Lou Reed en Rock'n'roll Animal. Parece que a alguien le gusta el Lou.
Y ayer mientras caminaba por la calle ví bajar de un micro a alguien con un polo gastadazo con la portada de "One size fits all" de Frank Zappa y The Mothers of the invention.

Este es un texto y ésta de abajo, una foto

2010-03-28T22:01:00.015-05:00

Estaba buscando otra cosa y de casualidad me encontré con la letra de esta canción ("Signed curtain") de Bob Wayito (conocido fuera de mi cabeza como Robert Wyatt). La canción ya me gustaba pero sin saber que era aquella leí la primera línea y me fascinó/me fascina porque tiene la clase de humor que me gusta. Es decir, áquel de las cosas obvias que, sin embargo, necesitan de una mirada profunda para ser descubiertas. Para qué tanto palabreo, me parece una canción extraordinaria, así sin hacer muchos aspavientos se ha convertido en mi canción favorita, es grandísima, contiene su propia historia (Wyatt y su voz pequeñita y los ojos cerrados ofreciendo esta canción a alguien como quien está a centimetros años luz del sujeto de su afecto y le alcanza arrastra algo lentamente, como quien parece no querer la cosa pero que sí, sí, la quiere, la desea, más que a nada en ese momento) e inclusive esta historia, la de este instante. Me he tomado el trabajo/libertad de traducir la letra e incluso le he hecho algunas correcciones a la transcripción de la letra en inglés que también incluyo. Parece que Bob Wayito estaba leyendo a Jorge Eduardo Eielson en sus días en Matching Mole (1972).

Cortina firmada/señalada

Esta es la primera estrofa
Esta es la primera estrofa
Esta es la primera estrofa
la primera la primera
Y esta es la primera estrofa
la primera
primera primera
Y esta es la primera estrofa la primera
Esta es la primera estrofa

Y este es el coro
O quizas sea un puente
O solo otra parte
de la cancion que estoy cantando

Y esta es la segunda estrofa
O podria ser la ultima estrofa
Y esta es la segunda estrofa
segunda estrofa
segunda estrofa
O podria ser la ultima estrofa
ultima estrofa
Y esta es la segunda estrofa
Es probablemente la ultima

Y este es el coro
O quizas sea un puente
O solo
otro
cambio
de tono,
No importa
No hace daño
Solo significa que yo
he perdido la fe en esta canción
porque no me ayuda
a alcanzarte

Signed Curtain

This is the first verse
This is the first verse
This is the first verse
the first the first
And this is the first verse
the first
first first
And this is the first verse the first
This is the first verse

And this is the chorus
Or perhaps it's a bridge
Or just another part
of the song that I'm singing

And this is the second verse
Or it could be the last verse
And this is the second verse
second verse
second verse
Or it could be the last verse
last verse
And this is the second verse
Or it's probably the last one

And this is the chorus
Or perhaps it's a bridge
Or just an
other
key
change
Never mind
It doesn't hurt
It only means that I
lost faith in this song
'Cause it won't help me
reach you...

Caja de Metal

2010-03-21T23:14:00.004-05:00

Ayer tuve en mis manos por un momento la primera edición en vinilo de "Metal Box" de PIL (Public Image Ltd.). La estaban vendiendo en una tienda de discos usados en Miraflores; no recuerdo el precio ahora, si pienso que es mucho pues es mucho, si no, pues tanto no es pero no sé (como es usual). Parecía una de esas cajas que se usan para guardar cintas de cine, el metal se veía algo opaco y estaba oxidado en algunas partes. Si tuviera tocadiscos seguro pensaría más en serio en adquirirlo, así que sólo me interesa como curiosidad. Por supuesto, me refiero a eso que vi en la tienda porque el disco en sí (digo "disco" porque el tiempo total de duración de los discos originales - 3 maxi singles - por poco excede los 60 minutos así que fácil entra en un solo disco compacto), el disco en sí es uno de los pocos que considero de mis favoritos, quizás de los 4 o 5 que tengo en un pedestal (alguna característica en común deben tener esos discos de la que ahora no tengo ganas de hablar).

La imagen la tome de este sitio, era la más parecida a la caja que vi en la tienda aunque la de la foto algún brillo parece tener. Por cierto, buscando información sobre "Metal Box" me enteré que el año pasado salió una versión remasterizada que reproduce en tamaño CD, creo, la edición original (hasta ahora en disco compacto sólo había salido en la versión de la segunda edición del disco llamada muy convenientemente "Second Edition", ja), lo gracioso, por decir algo, es que también, al igual que la edición original, se han dispuesto las canciones en tres discos... compactos y, claro, se vende al precio de tres (o más) discos compactos, cosas de la Imagen Pública Ltda.

Indochine / Indochina

2010-02-20T23:05:00.009-05:00

Le había perdido el rastro a Indochine (o Indochina) hace años; era uno de esos grupos o artistas de los que me había olvidado más que nada porque me distraje con otras cosas. Sin embargo, un día hace algunos años estaba viendo una serie por el cable y cuando pasaron a la publicidad, como era un canal que acostumbraba a programar videos de música durante los comerciales, pusieron el video de una canción algo pegajosa e interesante. De pronto apareció el nombre de Indochine y el título de la canción: "Alice et June". Casi inmediatamente busqué el disco del mismo nombre en la web y así fui recordando mi viejo gusto por albumes como "Au Zenith" y el "7000 danses" que fueron los discos de la época del furor de Indochine en el Perú. Busque también estos discos, sin embargo, si bien encontré el "Alice et June" rápidamente, no fue sencillo ubicar esos álbumes, de hecho recién he encontrado una versión de "7000 danses" con una calidad más que aceptable de mp3.

No creo estar en la capacidad de recomendar alguno de los discos de Indochine porque cada vez que pongo un disco que contiene los albumes mencionados y otros, como el favorito de los fans "Paradize", pues lo escucho de manera aleatoria. Lo que puedo decir es que me doy cuenta que la banda sigue produciendo buenas melodías new wave como las que están en "Au Zenith" ("Canary Bay", "Tercer Sexo" y su versión de "L'opportuniste", originalmente cantada por Jacques Dutronc en la década de 1960, son mis favoritas de ese album ) y "7000 danses" (como mi favorita de siempre "La Chevauchée Des Champs de Blé" o "La cabalgata por los campos de trigo"). Por ejemplo, "Alice et June", que sí he escuchado completo, aunque es un album desigual tiene muy buenas canciones como la que da título al disco o "Starlight" o "Pink Water" cantada a duo con el cantante de Placebo, Brian Molko. Todas están a la altura de aquellas canciones que me gustaron y me gustan tanto, aunque pueden ser diferentes y eso es porque Indochine o Nicola Sirkis, el único que queda de los miembros originales, ha sabido captar las nuevas tendencias y así darle a su música un sonido contemporáneo (en sus peores casos saturado). El año pasado publicaron "La Republique des Meteors" y también iban por ese camino.

A diferencia de otras bandas, Indochine no ha publicado un compilado definitivo, tal vez los llamados "Birthday Album", así que lo mejor es ir directamente por los álbumes mencionados. Sin embargo, un disco como "Unita" puede suplir la ausencia de archivos mp3 de calidad aceptable de los primeros discos de la banda. También es útil para dar cuenta de lo buenas que son las versiones aparecidas en el disco del Zenith (quizás la única que prefiero en su versión original es la de "Tes Yeux Noirs" porque la que que está en "Au Zenith" no es muy diferente). Además incluye una versión distinta, por ser algo más rápida y corta (no incluye las frases iniciales de la original esas que dicen "A 4 mains on les retient, A 4 mains prends mon chemin, A 4 mains on les retient, à 4 mains"), y que tengo la impresión de que es más conocida, de "La Chevauchée Des Champs de Blé". Y también sirve para encontrar canciones de discos que no se encuentran como "Le Baiser" o de discos que se encuentran en archivos de calidad de mp3 menor como el algo célebre por aquí "Un jour dans notre vie".

Ese disco merece una mención especial no sólo por tener un tema muy divertido como "Savour le rouge" sino también por una canción como "Bienvenue Chez Les Nus" que muestra un genuino aprecio por el Perú, a pesar de su título que puede generar confusión (algo así como "Bienvenida de los desnudos") y que tiene un coro muy pegajoso con frases como "Hola Hola Lima" o "Viva el Perú", aunque las partes habladas parecen haber sido sacadas de alguna otra parte de Sudamérica diferente del Perú. Igual, ojalá que esta banda regrese pronto.

Aquí una interesante crónica sobre la visita de Indochine al Perú. Y aquí las portadas de "Unita", a quien le interese.

El golpe de Peter Gabo

2010-02-08T00:19:00.005-05:00

Este post debi escribirlo el año pasado pero no puedo (¿podía?) con mi dejadez. Después de lo de Miike Snow me provocó escuchar, nuevamente, lo de Peter Gabriel. "Lo de Peter Gabriel" lo conocí también gracias a "elvillano", aunque ese "curso" nunca lo terminé ya que me quedé en el primer y tercer discos de su carrera. A Gabriel, un poco por confianzudo, un poco por joder (a no sé quién, en realidad) se me dió por llamarlo Peter Gabo (si Gabriel García Márquez es Gabo para sus fans enamorados, pues...). Antes de copiarme esos discos de Peter Gabo, "elvillano" ya me había grabado los dos últimos discos de Genesis con áquel de cantante. Ahora escucho estos últimos, mejor dicho, algunas de sus canciones, con algo de aprecio, digo, en su momento no me entusiasmaron mucho. Recuerdo que solía decir que Genesis era un grupo blandengue en comparación a otros grupos de la época relacionados a ese cajón de-sastre que se conoce como rock progresivo (por decir los grupos más o menos conocidos: King Crimson, Yes, Pink Floyd y Van der Graaf Generator y, en menor medida, Emerson, Lake & Palmer). Eso ha cambiado hace algún tiempo, como ya he dicho, aunque, igual, el Genesis con Phil Collins de cantante no me parece despreciable respecto al otro, no obstante debo reconocer que, primero, mis canciones favoritas son de la etapa de Gabriel y, segundo, mi gusto por las canciones de Collins no ha llegado tan lejos como para provocarme escuchar un disco completo de esta etapa del grupo.

Por todo lo que he dicho no debe ser una sorpresa que agregue que Peter Gabo es uno de esos artistas a los que, si bien creo que tiene algunas grandes canciones, pondría en el grupo de músicos que no me parecen la gran cosa. Su trabajo, por ejemplo, en la banda sonora de "La última tentación de Cristo" aunque le encuentro momentos buenísimos (por ejemplo, "With this love"), no me termina de cuadrar del todo. Quizás sea mi estolidez musical o quizás deba escuchar nuevamente ese disco, no lo sé, lo he escuchado varias veces y siempre me parece un disco muy largo. Es posible que algunos de esos temas funcionen mejor separados que juntos, aunque creo que ese no es el asunto, no estoy seguro del todo de cuál sea ese "asunto".

También tengo mis reticencias respecto a su tercer disco, el más alabado de los suyos en Allmusic.com, allí están algunas de mis canciones favoritas (como la extraordinaria "Biko" o "Games without frontiers", que no me canso de escuchar, o la innovadora en ese entonces "Intruder") pero a la vez lo escucho como un producto de su época, lo que en inglés se diría "dated". En cuanto a otro disco aclamado, "So", pues fuera de un par de temas ("In your eyes" y "Red rain") pues el resto no me interesa mucho (sí, "Sledgehammer" y especialmente "Don't give up" con la voz odiosa de Kate Bush).

Respecto al tema visual que tanto le interesa a Mr. Gabo pues yo lo veo más como un lastre que como cualquier otra cosa. Y si no es un lastre pues es algo extramusical. Sus, entonces, innovadores videos para "Sledgehammer" o "Steam" lucen ahora como piezas de museo de la misma manera que sus presentaciones "teatrales" con Genesis. Sus conciertos como artista solista quizás sean espectáculos dignos de verse pero precisamente la gracia de ellos es ésa: Verlos, estar allí. Fuera de ese contexto no hay mucho que pueda decir.

Con este panorama, un compilado como "Hit" es una buena opción para mí. Allí están varios de los temas mencionados (incluso los que no me gustan). Sin embargo, hay un pequeño asunto con este recopilatorio, un par de pequeños asuntos en realidad: Existen dos versiones del disco, una para Estados Unidos y otra para el resto del mundo (en wikipedia le llaman "UK version" pero es la que he visto a la venta aquí en el Perú); en la reseña de Allmusic (repetida para todas las versiones del disco) se quejan de la ausencia de algunas canciones, entre ellas "D.I.Y" del segundo disco de Peter Gabo; hace tiempo que no escucho este disco pero recuerdo que la última vez que lo escuché me gustó, creo que es el disco que más me ha gustado de Mr. Gabo porque lo encontré muy cohesionado, ninguna canción destaca sobre otra (en el buen sentido) y tiene un sonido que no ha envejecido; no es una colección de éxitos, por eso encuentro comprensible que esas canciones no aparezcan en los "greatest hits" o "very best" pues nacieron para estar en ese disco y no en otro.

PERO, resulta que "D.I.Y." sí está en la versión para el resto del mundo de "Hit", el problema es ¿A qué precio? Pues, es uno demasiado grande: ¡La ausencia de una imprescindible (en el caso de la obra de un solo artista si puedo usar esa palabra sin problemas) en la obra de Peter Gabo como "In your eyes"! ¡Uuuyyy! Que "D.I.Y." no esté es subsanable pero que falte "In your eyes" en un disco llamado "Hit" es casi una estafa; la razón es que esta última canción no fue lanzada como single en el Reino Unido pero, yo digo, cualquiera esperaría que "In your eyes" esté de todas maneras en un concierto de Peter Gabriel, no importa en qué parte del mundo sea el concierto; por lo mismo, me parece totalmente comprensible que alguien espere que esa canción esté en el disco, no importa en que parte del mundo lo compre. Lo peor es que el listado de los temas en la parte posterior del disco está dispuesto de tal forma que a simple vista no se puede detectar cuál versión es la que se está comprando... a menos que se conozca cuál es la última canción de cada una: La versión para Estados Unidos termina con "Cloudless" y la del resto del mundo, con la calmada "Washing of the water" que es otro tema exclusivo para esta edición.

Al final si hubieran hecho una versión única con los temas de las dos versiones les hubiera quedado un disco redondo que yo compraría con gusto (allí están la inocente "Solsbury Hill", la vibrante "The rhythm of the heat" o la hermosa "Blood of Eden"... sí, cuántos adjetivos vacíos). A favor de la versión inglesa/resto del mundo debo decir que tiene variedad (casi toda la discografía de Peter Gabo está representada, incluyendo "Passion" la banda sonora de "La última tentación de Cristo") y eso la pone casi por encima de la versión para Estados Unidos, salvo por esa gran ausencia. Es como me decía mi hermano Leonardo respecto a un compilado de Oscar d'León: Un "pirata" lo hubiera hecho mejor.

Peter Gabo ya levantaba el puño en ese entonces

p.s. Creo que no he dado a entender plenamente en este texto lo mucho que me gustan la mayoría de canciones mencionadas y que son la razón por la que le encuentro interés a la obra de Peter Gabriel. "Solsbury hill" me parece una canción precisa para romper lazos con el pasado e iniciar nuevas aventuras, lo que no es poco; en "Intruder" (que no está en ninguna de las versiones de "Hit"), aunque no estoy del todo al tanto de la letra, puedo sentir que Gabriel se mete con convicción tanto en el papel del intruso como en el de aquel que es invadido; "Games without frontiers" con su ritmo ¿funky? es una de mis canciones favoritas y es una sentencia sutil a todos los que hacen la guerra; "Biko", en cambio, contiene una sentencia nada sutil contra aquellos que privan de sus derechos a los demás y es ese momento de los que, con soberbia y engreimiento, llamo uno de los grandes momentos de la música, un instante "único e irrepetible" que sucede cuando Gabriel dice la última frase en inglés de la canción: "And the eyes of the world are watching now... watching now" ("Y los ojos del mundo están mirando ahora... mirando ahora")... ese instante, Gabriel repetiendo "watching now", es una luz en la oscuridad, una señal única de esperanza y es el que hace que no sea ridículo que a continuación, en sus presentaciones en vivo, Gabriel levante el puño para, de esa manera convertir, en algo físico lo que está diciendo (esa imagen, para los distraídos, es la de la portada del compilado), "Biko" es "importante" también porque debido a las características mencionadas y a su incorporación de elementos de la música africana además de la forma en la que es cantada, a la manera de quien se expresa ante una multitud para comunicar algo grave, es una forma diferente de "stadium rock" hasta entonces conocido (en realidad, el tercer disco de Gabriel tiene esta peculiaridad, es un nuevo "rock de estadio", con mensajes y música para grandes masas sin que esto lo haga una cosa grosera o de mal gusto... como versiones anteriores y posteriores del "stadium rock", eso se veía ya desde "Solsbury hill"); "The rhythm of the heat" es la respuesta a la pregunta de si Peter Gabriel podría superar lo hecho en "Biko", ¡por supuesto! es una canción extraordinariamente vibrante, que tiene todas las virtudes de las canciones mencionadas anteriormente, mezcladas y mejoradas: El misterio de "Intruder", el juego y la atemporalidad de "Games without frontiers" y el cuerpo de "Biko" aunque sin la carga emocional de ésta, por lo que la puedo escuchar varias veces seguidas sin cansarme, la idea de la canción es expresar el temor de Carl Jung ante los bailes que vió en su estancia en Africa de los que tenía miedo de participar porque temía "perderse", al final la canción es precisamente una invitación que no se puede rechazar a dejarse llevar, a "perderse" en el ritmo; de canciones como "In your eyes", "The Blood of Eden" o "Washing of the water" tengo que decir que mezclan brillantemente lo íntimo con lo grupal, el confesionario con el sermón en la montaña.

P.S.2 Acabo de ver, vía enlace en wikipedia en el artículo sobre el último disco de Peter Gabo, "Scratch my back", el video en la web de CNN de su versión de "Heroes" del David... lo único que podría decir al respecto es, simplemente, que el tío todavía jala... ja.

I talk to the wind

2010-01-02T14:34:00.002-05:00

Said the straight man to the late man where have you been i've been here and i've been there and i've been in between. I talk to the wind my words are all carried away i talk to the wind the wind does not hear the wind cannot hear. I'm on the outside looking inside what do i see much confusion, disillusion all around me. You don't possess me don't impress me just upset my mind can't instruct me or conduct me just use up my time I talk to the wind my words are all carried away i talk to the wind the wind does not hear the wind cannot hear

El año de "aquí no pasa nada"

2010-01-02T01:34:00.006-05:00

Hoy ha sido un día no importante. El clima me invitó a hacer cosas sin importancia. De hecho eso es lo que hago usualmente pero hoy era el día el que me animaba/desanimaba, el que me movía/inmovilizaba a poner mi atención en aquello que no requiere atención o no la pide.

Cuando no lo tengo claro, lo llamo "mood" y no sé si mi versión de la palabra sea la correcta. No es estar mal, tampoco es estar bien, la esperanza igual está (el hoy es de viernes, si fuera domingo sería diferente). Es cierta consciencia de que cualquier cosa puede pasar pero también la inconsciencia del no saber. Traiciono al sentimiento al intentar hacerlo "corpóreo" con las palabras.

Así que hoy tenía ganas de escuchar la música no importante de gente "importante". Las canciones que quizás estuvieron alguna vez en las listas, que de hecho alguien ama pero que no están en los grandes éxitos o los "very best". Pero tenía que ser tan grande como para que el odio lo alcance, así que nada "cool" por hoy (porque eso siempre es "importante").

Otra traición (esto me suena conocido): La verdad no lo pensé mucho, lo que me sucedió es pensar que el día era perfecto para escuchar "Time waits for no one" de los Stones. No hago nada, no me muevo, pero el tiempo no me espera. No ocurre nada pero sucede mucho. Mi cuerpo está inmóvil pero mi mente está lejos. Soy feliz en este momento en alguna parte, en un recuerdo que está sucediendo ahora, lo estoy viendo: Un departamento, una reunión con algunos amigos, los ojos grandes de alguien que no significa nada para mí y, sin embargo, a través de ellos conecta lugares, personas, sensaciones. Y también estoy caminando en la parte de arriba de la Vía Expresa y escucho los autos pasar por abajo y puedo pensar y sentir que en realidad son las olas del mar las que se suceden.

Dicho de manera cotidiana: Me puse a escuchar el disco que compilé con canciones de los albumes no importantes de los Rolling Stones en la década 1973-1983. Ya había hablado de eso aquí. Hubiera querido subir las versiones remasterizadas a goear pero mi conexión, o no sé qué, no tiene la fuerza suficiente, así que busqué allí las canciones y armé un listado. Los álbumes incluidos son "Goats Head Soup", "It's only Rock'n'Roll", "Black and Blue", "Emotional Rescue" y "Undercover". Repasaré cronológicamente las canciones incluídas (Goear las puso en el orden que se le ocurrió):

De "Goats Head Soup" (1973):

Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker)
Es una hijita de "Sympathy for the Devil" (también tiene coros con "uhuhu"). Es una canción fuerte que debería ser más conocida. Su parte fuerte, además de la voz de Jagger, son los instrumentos de viento de metal (es decir, cosas que suenan trompetas y que no estoy seguro si lo son). Esta la conocí gracias a Doble 9.

Star Star
Otra que debería ser más conocida. Una canción movida y polémica (su título original era "Starfucker" y de hecho eso es lo que dice en el coro, ver wikipedia). Hablando del coro, encuentro un problema allí, creo que lo cortan muy rápido para volverlo a empezar. Les pudo haber quedado mejor. Igual, está muy bien.

(Del Goats Head Soup también estaba en el listado "Angie", que no me canso de escuchar, pero es demasiado conocida, otro día)

Del "It's Only Rock 'n' Roll" (1974):

Till the Next Goodbye
Alguna vez leí en una de esas "Rock de Lux" viejas que tengo que las típicas baladas stone iban por la onda de "Wild horses". No lo decían así pero era algo como "esas canciones tipo "Wild Horses" que también les sale". Tampoco era así creo. Lo que quiero decir es que esta canción forma parte de ese selecto grupo. ¿"Hasta el siguiente adiós"? Adiós es una palabra muy importante, no hay que malgastarla. Mejor es decir nada.

Time Waits for No One
Esta es la estrella de esta selección, o al menos la del día de hoy. Es una canción atípica de los Stones, parece que hubiera sido obra de Mick Taylor porque tiene una cosa como muy preciosa. Tiene un fuerte sentimiento setentero, pero setentero en onda "mood". Yo lo veo así: Un día feriado como éste, caminando por una gran avenida donde hay muchas tiendas y casas comerciales grandes y pequeñas. Todo está cerrado, quizás uno está caminando solo, los barrenderos están de descanso así que los papeles flotan sobre el suelo, entre sus piernas. Hay bastante viento pero a la vez algo de calor. De pronto uno tiene la sensación o la iluminación de que está en el futuro, de que está caminando entre la decadencia del presente que está viendo y viviendo. No es pues el gran momento que parece ser.

En wikipedia le atribuyen un sabor latino al muy bonito solo de guitarra de Mick Taylor, a mí me recuerda por momentos a "Transylvania Boogie" de Frank Zappa. Claro que Taylor resulta ser un Zappa hermoso y "limpio". Por otro lado, la audición de "Dark side of the moon" influyó tanto en el grupo que la canción empieza y termina con los golpes de la batería como contando el tiempo (¿Qué sería, no?).

Dance little sister
Hermanita de "Star Star", como es menor supongo que no tiene las majaderías de su mayor.

(De este disco también está en mi CD la canción que da título al album pero no la pongo aquí por las mismas razones por las que no está Angie)

De "Black and Blue" (1976):

"Memory Motel"
Es una canción larga como una torre de fichas de dominó que en cualquier momento se puede caer y si no lo hace es porque llega Keith Richards a decir eso de "She got a mind of her own, And she use it well...", más hermoso que nunca (bueno, como nunca), las palabras y sus silencios salen como fragancias de su cuerpo, es la belleza de la sinceridad.
No importa que tan mal o que tan no suficientemente mal esté uno , siempre habrá una habitación en el "Memory Motel" esperando. Eso sí, no sé si aguante terremotos.
(Por supuesto, esta canción se hizo algo conocida con la versión que aparece en el disco en vivo "No security" con el sentido acompañamiento de Dave Matthews)

De "Emotional Rescue" (1980):

"Dance, Pt. 1"
Qué canción más divertida. Recontra disco pero mucho más "sucia" que hermanas suyas más populares como "Miss You" o "Emotional Rescue". Esta es la canción que la banda toca cuando ya no da más (la banda no son los stones, sino la banda imaginaria que toca en todas las fiestas de año nuevo donde no se puede pagar por una conocida sino por una cuyo nombre no es algo que se recuerde). Es 1980, el disco está muriendo pero igual hay que seguir bailando. Qué cosa más irresistible. Tiene su cosa de samba también (y de rico funk) y descubro ahora que eso es gracias a la cuíca, instrumento de percusión característico de ese género. La banda ya no puede más, la canción acaba pronto, hasta allí nomás dieron. Seguro la decadencia latente en este tema inspiró a The Kinks para su "Come dancing" donde si es algo que se llega a "tocar".
Me encantaría hacer una canción así.

(en mi compilado incluí la que da título que excluí de este listado ya se sabe por qué, también "She's so cold" que me parece que es más conocida que cualquiera de las mencionadas aquí y "Send it to me" que es más un placer culposo, aunque no últimamente, es por esto último que la dejé de lado).

De "Tattoo You" (1981):

No Use in Crying
¿Qué, "Tattoo You"? Es que no podía dejar de lado a "No Use in Crying" que tiene el espíritu de lo que quise hacer con esta cosa. Lo que otros llamarían adecuadamente "pequeñas gemas" desconocidas. No es que sean mis canciones favoritas de los Stones (aquí hay al menos un par de rellenos) pero me han levantado hoy más de lo que una canción muy importante podría haber hecho, quizás, y no me exigen nada por eso.

("Waiting on a friend" también tiene el espíritu, lo del saxofón es una delicia, pero, ya sabemos que es demasiado conocida para el día de hoy que es viernes)

De "Undercover" (1983):

Too Much Blood
Creo que ha quedado horrible como primera de la lista pero Goear no deja editar nada. Pienso que habrá quien piense que lo horrible es la canción misma. Posiblemente no tiene nada que hacer con el resto de canciones mencionadas; de hecho no la he escuchado como las otras hoy (hoy que es viernes) pero ya, la puse. En otras ocasiones me gusta mucho, mucho más que las canciones a las que les he dedicado menos líneas. Esta va dedicada a quienes amanecieron en la playa esperando el sol y se pelaron (pero no por el sol sino por el día gris). Para este día artificial, esta canción artificial. Me encanta el sonido de la guitarra después de que Jagger dice eso de "Dance Too Much Blood!", tiene una cosa muy acuática y veraniega, artificialmente por supuesto (como todo en esta canción).
El video es para mí un clásico, uno de los primeros videos que recuerdo ¿Acaso el primer video considerado "el más sangriento de la historia"? JA. El realizador se tomó muy en serio el título de la canción (Demasiada sangre). Igual, si la idea era hacer algo inolvidable, lo logró.
Ahora que lo pienso creo que esta canción es perfecta para empezar este artificial cambio de temporada.

Tanto el primer y el último videos son parte de la película "The Room" (2003) de Tommy Wiseau. Un verdadero caso de estudio. Muy inspirador (o, al menos, muy divertido). Mas aquí

Miigue Nieve

2009-12-23T02:21:00.006-05:00

En las últimas semanas estuve metido en este juego que me parece una manera interesante de conocer música nueva para mí: Cada persona escoge una canción de un grupo o cantante de cualquier época; el primer requisito es que la persona que envía la canción piense que los demás no conozcan la canción ni el grupo o cantante; otro requisito es que la canción haya sido editada comercial u oficialmente, el propósito de este requisito es impedir que cualquiera envíe lo que sea que no haya pasado por un filtro que no sea el personal o del grupo de gente que se "arriesgó", si fuera el caso, a editar tal material; hay algún requisito más pero de ése hablaré después. En realidad, no es una canción sino tres; luego de encontrarlas se las envía a una persona que certifica que, al menos ella, no las conoce y las junta con las que los otros participantes han enviado. Una vez que tiene todas les elimina los datos que las identifiquen y las remite por grupos a todos los participantes para que en una semana escojan y asignen puntajes a cada canción según una puntuación basada en la que se usa en el Festival de Eurovisión (la "sede" del juego es el foro del Drink Team, que es principalmente español). Después de eso se clasifican las que tienen mayor puntaje y al final se reune a todas las clasificadas para que en una última votación salga la "ganadora", es decir, la que ha gustado más (que no es lo mismo que decir "la que le gustó a todos" que a veces no es posible).

Lo interesante del concurso, aparte de conocer canciones nuevas, que es lo principal, es que sólo me concentro en la canción y no en tonterías adicionales que preocupan a "lisiados mentales" como yo (en una película argentina un personaje encarnado por uno de los miembros de "Les Luthiers", Marcos Mundstock, creo, dijo que aquellos a los que no les (nos) gusta el jazz son (somos) unos "lisiados mentales", aquí estoy extendiendo el uso del término), por ejemplo, que tal persona que no me cae opina algo de tal canción o si usan demasiado los calificativos "más" o "mejor" para opinar sobre ella o si... etc. En ese juego casi podría decir que no ocurre eso, si me gusta la canción es porque me gusta, nada más.

La canción que más me entusiasmó al principio fue la de un grupo sueco llamado "Miike Snow" llamada Animal, copio y edito lo que comenté en su momento sobre ella:

"El principio más feo, creo; la primera vez cuando lo escuché pensé "otra canción idiota actual que los chicos de los blogs nos urgen a escuchar" pero cuando sonó la voz del clon de Phil Collins (es decir, de Peter Gabriel) la cosa fue mucho mejor; además de eso tiene algo de Men at Work (es decir, The Police) y de Talking Heads (es decir, je, más precisamente "Road to nowhere"), sin embargo, me parece muy original, no obstante que el cantante ha copiado todos los rasgos vocales de Gabriel; me parece irresistible, es Peter Gabriel más divertido y fresco que nunca. El interludio instrumental es lo más bajo de la canción y sólo se salva por esa batería afrobeat (creo) y por el bajo (supongo); el final minimalista me fascina, lo que me hace dudar de si a pesar de todos sus elementos es de la década de 1980 porque finales así no creo que se hicieran en esa década o será mi ignorancia. Me encanta, es mi favorita de lejos, aunque entumezca e insensibilice mis orejas escuchándola otra vez..."

No llegó a clasificar en su grupo y por eso me puse a escuchar la letra y así, al darme cuenta de algunas frases, pude buscar en internet y averiguar cómo se llamaba y quién era su intérprete; ya para ese entonces el chicle empezaba a perder su sabor pero igual lo masticaba. De todas maneras, busqué en la web el disco del que forma parte para ver si encontraba otras gomas de mascar igual de irresistibles... Hallé el disco pero nada como su primera canción. La primera vez que lo escuché me decepcionó; la segunda vez no lo senti tan malo, la canción número dos es un bajón, eso sí; la tercera ha sido la última. Lástima.

Igual, mi opinión es mía así que allí está el enlace para que cada quien se haga la suya.

Música de supermercado

2009-12-20T17:28:00.002-05:00

La semana pasada fui con mi mamá a comprar comida en el supermercado que está cerca a mi casa, mientras estábamos dando vuelta por los estantes escuché que la música de fondo para nuestro paseo por la estantería y el de los demás era "How do you think it feels" del Lou (Reed) y luego "Eight miles high" de The Byrds (Hubiera querido ponerlas en orden diferente pero si debo ser honesto, no sé para qué en realidad, así fue como las pusieron) y no eran versiones muzak sino las que están en los discos "Berlin" y "Fifth dimension" respectivamente.

Hoy volvimos allá con mi mamá. Está vez fue "New York telephone conversation" del mismo Lou. Vaya, ya es bastante que no pongan de fondo villancicos cantados por niños en estas fiestas, pero lo que cuento sí que es una bendición (y rarísimo, ¿no?)

Brian Eno y John Cale, lado equivocado arriba

2009-12-08T21:22:00.005-05:00

La memoria me está fallando (ja, y tengo 33 años) por lo que no recuerdo si mi primera experiencia con Cale "solista" fue como digo en el post anterior o fue la audición del album que hizo con Brian Eno en 1990 llamado "Wrong way up".

"El villano" era un buen tipo que me grabó varios discos de Brian Eno en casette primero y luego en CD; le debo más que las gracias por haberme hecho conocer gran parte de la obra de Eno que es para mí uno de los grandes amores musicales de mi vida (mi primer amor musical fue la música de los Beatles, mi segundo gran amor fue la de Brian Eno). Uno de los últimos casettes que me grabó cuando aparentemente no quedaban ya discos interesantes fue "Wrong way up", un album que no les gusta a algunos (en el artículo que cité de "Rock de Lux" en el post anterior decían que debía tomarse como una "pequeña fiesta" y que en riesgo y atrevimiento "no abunda sino redunda", algo parecido pero dicho de una manera menos memorable lo leí en un artículo sobre Eno en la revista "Caleta") y a otros sí (en Allmusic le ponen 4 estrellitas y media).

No veo mucha TV pero este video es lo único que he visto tanto de Eno como de Cale en MTV, parece un video "made in youtube" pero es el video oficial del single "One love", tiene algo de la ondita de la que fue la portada del disco pero no la horripilancia de ésta (parece que Eno no aguantó la vergüenza e hizo cambiar la portada por la que aparece en el blog citado)

A mí al principio ni me gustó mucho ni me desagradó totalmente, es que tiene canciones agradables que tampoco es que sean la gran cosa ("Lay my love", "One word", "Empty frame" y "Footsteps"), también canciones que están sobre el promedio y que son bien sencillas aunque no sé si esto en el fondo quiere decir que sean simples, pero bonitas bonitas son ("Spinning away" y "The river") y de las otras (Ok, "Cordoba" le gusta a alguna gente, a mí no). Mención especial para ese numerito llamado "Been there, done that" que cuando lo escuchaba al principio imaginaba a Eno y a Cale ensayando pasitos cronometrados de baile a la manera de los Back Street Boys o N'Sync y eso es porque la canción encajaría muy bien entre cualquier canción de esos grupos o de bandas parecidas. ¿Qué quiero decir? No sé bien, quizás de que tiene cierto tipo de diversión y cierto tipo de caracter bailable; es simpática.

Yo ya conocía lo de Eno en ese entonces pero lo de Cale, fuera de The Velvet Underground, casi podría decir que no así que luego de escuchar esa canción pues me quedó la idea de que podía escuchar cualquier cosa de Cale y no me importaría mucho. Digo, mi antiguo amigo César me comentó cuando me prestó el "Paris 1919" que se decepcionó cuando escuchó este disco después de los delirios (digo, es un decir) de The Velvet Underground, como que se había suavizado el Cale; en ese entonces yo ya había escuchado "Been there, done that" y no había pasado nada, así que no tendría problemas con eso, ¿qué hubiera pasado para César si lo siguiente de Cale después de escuchar lo de Velvet hubiera sido esta canción? Nunca lo sabremos, pero para algo tenemos la imaginación... pero no voy a decir nada al respecto que no quiero hacerla larga.

Tanto esta foto como la anterior la "escaneé" de un par de fascículos de "La historia de la música rock" que redactó Jordi Sierra i Fabra a principios de la década de 1980. Los créditos están incluídos en las fotos. La foto de Cale es la que mencioné en el post anterior. Ninguna de las dos tiene nada que ver con la época en que se grabó "Wrong Way Up" y es posible que en la época en que se tomó la foto de Eno, ambos ni se conocieran personalmente.

Ahora, después de ¿tanto? tiempo le tengo aprecio y cariño a este disco, me parece que hay una idea detrás de él y esa es que Cale y Eno seguro dijeron (sobre todo Eno que puede ser tan seriote, involuntariamente): Hagamos un disco sin complicaciones, nada de ideas importantísimas detrás (ja), que sea un album simple (no como mis discos, diría Eno) y que suene moderno y bonito. Y les salió este disco.

La prueba de lo que digo ya ha sido mencionada antes (pero no aquí): Las múltiples veces en que Eno dice la palabra "Yo" y la palabra "amor" en la primera canción "Lay my love", palabritas que el bueno de Eno se había abstenido de decir (por muy manidas creo que decía él) en sus letras sin sentido y también el estilo de "Been there, done that" (no hay video ni archivo en goear, así que hay que bajarse el disco para escucharla nomás). Ah, además, una portada feísima (en su primera edición).

El disco también me agrada porque está bien estructurado, empieza bien con "Lay my love" (una canción que algunos televidentes peruanos reconoceran porque fue usada durante algún tiempo en la publicidad del programa "Vano oficio") y "One word"; tiene sus temas quizás más memorables a la mitad, "Cordoba" que es la principal canción de Cale en el disco y "Spinning away" una canción muy bonita de arreglos muy sencillos, quizás simples, quizás minimalistas (que no es lo mismo) y acaba maravillosamente bien con "The river" mi canción favorita de los últimos años de Eno como principal cantante. Me gusta mucho, es como una canción para el fin del mundo, hasta se me ocurre un video perfecto para ella: Cuando empieza se ve unas bombas atómicas que van cayendo lentamente en el cielo en una imagen que haría referencia a la portada del disco "Yanqui U.X.O" de Godspeed You!, Black Emperor y digamos que esa sería la imagen principal que podría ser alternada por imágenes simpáticas (niños riendo, animalitos, etc.) que nos recordarían todo lo bueno que se iría a la mierda en ese momento. Al final del video las bombas atómicas estarían muy cerca del punto de explosión.

Lo de la "pequeña fiesta" que mencionaban en "Rock de Lux" está relacionado, quizás, al hecho de que Brian Eno no hacía discos de canciones con él como voz cantante y principal (es decir, sin complicaciones, que no cantaba) desde 1977 o 1978; este disco fue una especie de regreso, uno no muy rimbombante que digamos pero regreso al fin, para mí el más interesante de todos sus mentados retornos a la canción (tendría que volver a escuchar a los aburridos, para mí, "Nerve net" y "Another day on Earth" ambos considerados "regresos" en su respectivo momento). Es posible que la idea haya sido esa "ok, voy a cantar pero no hagamos la cosa complicada". Tal vez por eso se dice (¿Quién? ¿Dónde? dirían en wikipedia, pues lo dicen en "Rock de Lux") que es más un disco de Eno que de Cale; debe ser por lo electrónico y lo repetitivo (cosas de Eno); por el lado de Cale es difícil precisar cómo sería o no un disco. De cualquier manera, es otra buena introducción a lo de John Cale, al menos para mí lo fue, no el sentido de querer escuchar más sino en el de, como ya dije, la idea de que cualquier cosa puede venir.

John Cale - Una introducción

2009-10-24T21:53:00.013-05:00

Se supone que este blog iba a contar la berdadera historia de John Cale pero el desgano y la timidez me ganaron así que lo dejé de lado por tiempo indefinido; quizás en otro momento lo pueda continuar pero ahora no (lo que es una buena razón para cambiarle el nombre al blog, aunque no tiene caso); sin embargo, no por ello he dejado de lado su música, a pesar de que sólo hoy, después de mucho tiempo, escuché completamente un par de discos suyos: El calmado pero extraño atardecer llamado "Vintage Violence", bonito es, y el que le sigue, el, grabado junto a Terry Riley, inesperado instrumental "Church of Anthrax" (es que si bien no es lo que se esperaba de ambos está mejor de lo que uno podría esperar cuando lee lo que acabo de escribir y tiene al medio un tema cantado, por si uno esperaba que fuera totalmente instrumental, que inesperadamente no canta Cale y menos Riley). Igual, usualmente, escucho alguna canción suelta de "The Island years" o "Paris 1919".

No iba a hablar de "mi historia" con la música de John Cale pero me reencontré con este video:

No recuerdo qué año fue, quizás más de diez años; sí, el programa de Jools Holland que solían pasar en People & Arts antes de que se convirtiera en lo que sea que es ahora (¿sigue existiendo ese canal?). Fue amor a primera oída. Ya sabía de John Cale, había escuchado su trabajo con The Velvet Underground (¿me quedo con la Velvet sin Cale de la grandiosamente rítmica y exquisitamente cacofónica "What goes on" o con la de Cale en la preciosísima "Stephanie says"? No sé) y leído sobre sus discos solistas en una publicación española de la década de 1970 llamada "Popster", en el número dedicado al "Lou" y a The Velvet Underground, donde calificaban al disco "Paris 1919" de "el más charmantoso" (cito de memoria, le regalé ese número de Popster a mi antiguo amigo César, más fan del Lou que yo) y en un número de 1991, con portada de Nirvana, de la revista Rock de Lux que tenía un artículo relacionado a lo último que había hecho Cale por aquellos años y que revisaba muy brevemente su discografía (por ejemplo, "Vintage violence" "rezuma una especial tristeza"... cito de memoria otra vez y ahora que lo pienso, me sorprende que no dijeran algo especial allí - creo que esa palabra, especial, era la clave del artículo - del cover de "Hallelujah"). Sabía de Cale como quien ahora lee lo que encuentra después de escribir su nombre en el buscador de wikipedia, pero no había escuchado su música para nada y de pronto lo veo en esa sencilla y a la vez emocionante presentación en el Show de Jools Holland, y ya lo dije, fue amor a primera oída.

A veces he dudado si esta "obsesión" por la discografía de John Cale (en mp3 debo reconocer, sería largo explicar por qué no tengo los cuatro o cinco discos de Cale que al menos estoy en la obligación de comprar pero puedo decir que no es tanto un asunto de dinero ni de la "suficiencia" por la "posesión" de archivos mp3, accesibilidad, quizás), digo, he dudado si tiene que ver con mi animadversión hacia algunos entusiasmos provocados por la obra de Lou Reed... algo debe haber. El caso de ambos es parecido al de John Lennon y Paul McCartney, donde la figura de uno ha eclipsado la obra del otro, si bien podría decir (yo) que a su manera particular la obra de ambos está al mismo nivel. Relacionado a esto, o quizás no, sigo con mis recuerdos, están las fotos de ambos que se encontraban en el número dedicado a The Velvet Underground de "La historia de la música rock" (redactada por Jordi Sierra i Fabra a principios de la década de 1980): Reed aparecería en una imagen de su etapa glam o más bien de "terror glam" porque tenía el look de un zombie, con la cara pintada de blanco y los ojos de negro y Cale, en una imagen también setentera pero más casual y mundana: Sudoroso, sosteniendo la viola sobre su cabeza con una expresión de estremecedor cansancio (si es que eso es posible). Lou era la estrella pero Cale era el consejero y el trabajador detrás de la estrella. A favor de Lou voy a decir que si quise conocer a la Velvet después de revisar ese fascículo fue por la inclusión allí, acompañando la oscuridad de su foto, de parte de la letra de "Heroin" (la única vez en que una canción me ha entusiasmado primero por su letra) con la que durante bastante tiempo estuve identificado, quizás todavía: "Porque cuando el caballo empieza a fluir ya no me importan... todos los payasos de esta ciudad y todos los políticos haciendo ruidos insensatos y todo el mundo tratándose de bajar a todos los demás y todos los cadáveres apilados a montones... porque cuando el caballo empieza a fluir ya no me importa nada..."

Me pongo a pensar que le debo el haber escuchado este recopilatorio de John Cale a la misma persona, mi viejo amigo Gustavo, gracias a la que escuché las primeras canciones que conocí de The Velvet Underground en ese compilado buenísimo (uno de mis favoritos, equívocamente subtítulado "words and music by Lou Reed") publicado en 1989 y que durante años fue el más conocido de la banda. Acabo de hacer una búsqueda veloz y por lo poco que he visto nadie ha subido este album últimamente; Curiosamente eso fue lo que me impulsó a subir mi copia de "Close Watch - An introduction to John Cale".

Creí que había leído en este blog que "Close Watch" está centrado en la música que John Cale hizo en el período que va de 1973 a 1975; es decir, las canciones de los discos "Paris 1919" y los que conforman la trilogía "The Island years". Antes de refrendar esto voy a enumerar las características del contenido de este compilado, más que nada es una cosa de datos y también los "nos" respecto a los "sís":

1. Sólo incluye canciones publicadas entre los años 1973 y 1996 inclusive. (Con lo que se descarta las canciones y temas de "Vintage violence", "Church of Antrax" y el instrumental y a ratos orquestal "The Academy in Peril").
2. No incluye instrumentales (y con ello se deja afuera los temas de los dos últimos álbumes mencionados, además de los del también a ratos orquestal "Words for the dying" y los de los varios discos de bandas sonoras en los que Cale ha intervenido).
3. No incluye canciones grabadas después de 1975 y anteriores a 1981. (Y con ello prescinde del EP "Animal Justice", especialmente de "Hedda Gabler", de 1977 y del disco en vivo "Sabotage/Live" de 1979, es decir, la que algunos llaman la época "newyorkina" de John Cale; aaahhhh, también de "Even the cowgirls get the blues", mira tú).
4. No incluye canciones de discos en vivo donde hayan más músicos que el mismo John Cale. (Con lo que se descarta, además de los dos discos mencionados al final del rubro anterior, al "Comes alive" de 1984).
5. No incluye canciones grabadas en un estudio posteriores a 1982 y anteriores a 1996 (con lo que no cuentan las canciones de los discos "Caribbean sunset" de 1983, "Artificial intelligence" de 1985 y "Words for the dying" de 1989, además de las presentes en los discos mencionados en los siguientes rubros).
6. No incluye canciones de discos publicados a nombre de más de una persona que no sean compilados o discos tributo, por ejemplo, discos a duo. Así se descartan las colaboraciones con Lou Reed ("Songs for Drella" tomado de aquí), Brian Eno ("Wrong way up") y Bob Neuwirth ("Last day on Earth", aunque éste se descarta solo). Además del ya eliminado por el rubro 2, "Church of Anthrax".
7. No incluye canciones interpretadas por Cale aparecidas en discos recopilatorios de varios artistas y discos tributo (y que tampoco aparezcan en cualquiera de los discos que no hayan sido descartados hasta ahora). Supongo que esto es lo que explica la sorprendente exclusión de la extraordinaria versión del "Hallelujah" de Leonard Cohen que apareció en el disco tributo "I'm your fan" de 1991 y que algunos prefieren en la versión posterior de Jeff Buckley. ¿Habrá alguna razón más "racional" que ésta? Si alguien sabe me la dice.

Entonces, ¿Qué es lo que sí hay en "Close watch"? ¡Si está clarísimo! ¡JA!. Contiene al menos tres canciones de cada uno de los discos reunidos en el gran catálogo del "Cale Pop", la trilogía "The Island Years": El casi oscuro, casi luminoso "Fear" (1974), el nostálgico "Slow Dazzle" y el cruce de ambos "Helen of Troy" (ambos de 1975); al menos dos canciones de los discos "Paris 1919" (1973), el más resplandeciente de Cale, y "Honi soit" (1981), el primero de sus discos "radiables"... claro, a su estilo, y una canción de los discos "Music for a new society" (1982), una lámpara moviéndose en la penumbra, "Walking on locusts" (1996), lo escuché también hoy pero no sentí nada, y el album en vivo donde Cale toca solo "Fragments of a rainy season" (1992) que hasta ahora no termino de escuchar.

Entonces, es obvio que priman las canciones de la etapa de 1973-1975, la época dorada de la música de John Cale: Allí están la hermosa "Paris 1919" o la impresionante "Fear is a man's best friend" que es mi canción favorita en el rubro de pasar de lo calmado a lo violento, muy hermosa, como también la bellísima "Ship of fools", una de esas canciones de la década de 1970 que aunque muy bonitas tienen algo que anuncia una amenaza, algo que de tan calmado empieza a ponerse tenebroso (además de que en una de sus estrofas tiene escondido un arreglo que quizás fue alguno de los puntos de partida de la extraordinaria "Discreet music" de ENO) y otras que tenían que estar allí porque son canciones "populares" dentro de la obra de Cale: La velvetiana "Gun", la stoniana "Guts", la wilsoniana "Mr. Wilson" (porque está dedicada al odioso ese de Brian Wilson) y la que que da nombre al disco "(I keep a) close watch" que, para mí, está precisamente por eso (no obstante, cuando John Cale dice: "But there's nothing much I can do, because I can't live without you, anyway at all" suena muy creíble). Mención muy aparte para otra de mis favoritas: "Cable Hogue", que tiene la oscuridad, más de atardecer que nocturna, característica de la obra setentera de Cale pero que termina de una manera luminosa (deben ser las notas agudas del final). Es que la música de Cale ha estado signada por una de las características de su primer disco solista, "Vintage Violence" de 1970: Es la música que escucha alguien que mira por la ventana a la gente divirtiéndose afuera quizás en un día soleado, desde una habitación casi a oscuras. O es así como sonaría esa escena. Esto vale para varios de sus discos, salvo para el brillante "Paris 1919" y para el que cierra ese momento, "Music for a new society" de 1982, en el que ya alrededor todo es oscuridad y la única luz es la que da la música en ese disco como una lámpara moviéndose en la penumbra.

La haría ya muy larga si siguiera hablando de lo que está y no está en este disco (ordenado quién sabe bajo qué criterios). Es una buena introducción a esa etapa dorada de John Cale; si a alguien no le gustan las canciones incluídas aquí dudo que le gusten las otras de "The Island years"; la selección de canciones de "Honi soit" está buena también, "Riverbank" pudo haber sido un éxito radial y sonar junto a "Every breath you take" de The Police y "I can't fight this feeling" de REO Speedwagon y "Wilson Jolliet" está presente para demostrarnos que Cale sigue siendo Cale, es decir, grrrr; la canción de "Music for a new society", "If you were still around", debe estar allí (o aquí, no sé) porque es la más desgarradora de ese disco, aunque no sé si la más representativa, una canción idiosincrática de un disco muy idiosincrático. Lo mejor es que hayan puesto la versión en vivo de "Dying on the vine", mucho más emocionante que la versión en estudio del disco "Artificial intelligence" que es más "ambiental". Lo peor es que no haya ninguna canción de "Vintage violence" o la ya mencionada versión de "Hallelujah", al menos por hacer mención a otro de los momentos dorados o prolíficos en la historia musical de John Cale: Los años que van de 1989 a 1993, desde que publicó el alabado por algunos y vilipendiado por otros, "Words for the dying", hasta la reunión final con los integrantes de la formación clásica de The Velvet Underground, pasando por sus álbumes a duo con Lou Reed ("Songs for Drella") y Brian Eno ("Wrong way up"), ambos de 1990 (su segundo 1975) y sus recreaciones de la "Hallelujah" de Leonard Cohen y de algunas de sus propias canciones en el disco en vivo "Fragments of a rainy season" (aunque de éste ya hay una canción, como ya he dicho).

Pero eso no es algo que no se pueda solucionar, por eso en el archivo a descargar he incluido mi canción favorita de ese primer disco de 1970, "Amsterdam"; la versión en estudio de "Dying on the vine"; una versión acústica de "Close Watch" grabada en 1996 para el programa de radio 2 Meter Sessies de Holanda, que es la que más me gusta y, por supuesto, la esperada versión de Hallelujah que fue cambiada en el soundtrack de "Shrek" por una versión al carbón de Rufus Wainwright.

He subido también una versión en FLAC, para los más exigentes, pero sólo incluye "Hallelujah" como bonus.

Mick Jagger y su The very best (flac)

2009-10-13T00:51:00.008-05:00

Ultimamente, se me ha dado por escuchar los discos de los Rolling Stones que salieron bajo el propio sello de la banda a partir de 1971 y que este año han sido re-editados y remasterizados (es decir, la mayoría menos "Exile on main st." que recién saldrá el año que viene, aunque igual, ese disco no me gusta mucho, sí, seguro, soy un idiota); por allí he leído que las remasterizaciones de Abcko están mejor (las de estos discos fueron hechas por encargo de Universal), pero a mí me gusta lo aparatoso así que prefiero éstas a áquellas e incluso a las tan mentadas remasterizaciones de los discos de los Beatles. Los archivos los encontré aquí (hay que buscar bien que por allí están) y en base a escuchar algunos de esos discos me armé algún recopilatorio. Como de lo último de la banda lo que más me gusta es "Sparks will fly" del disco "Voodoo Lounge" no sabía con qué ponerlo porque en los discos posteriores a "Undercover" (1983) no hay algo de ellos que me llame tanto la atención, aunque debo reconocer que el disco "Steel wheels" no está mal; así que busqué el recopilatorio de Mick Jagger ("The very best of Mick Jagger") que tiene varias cosas que me interesan (como, otra de mis favoritas, "Put me in the trash" con la que me identifico y que está a la altura de aquella canción y de las grandes canciones de los Stones de los últimos 30 años). Así que busqué el compilado en flac en la web (las últimas semanas me he pegado también en bajar cosas comprimidas a flac, ya se me pasará) y encontré esta versión de 2 CD pero había que usar el utorrent y pues, qué pesado. Bueno, me bajé el disco original y lo subí a eso que algunos llaman "megamarcha"; los agregados los dejé de lado, no los bajé, quien los quiera que use utorrent; quien quiera como yo el disco original de 1 sólo CD pues allí está el enlace.

Me gustaría agradecer a todos aquellos que suben cosas que me interesan y las publican en taringa; darles puntos y todo eso pero es una vaina. A las justas manejo cuenta en blogger... voy a crearme una cuenta en otro servicio más... lo siento, pero no. Muchas gracias por siempre, aunque vayan sin puntos.

Sinead O'Connor me grita las noticias de las últimas semanas

2009-06-14T23:26:00.010-05:00

en video y en archivo (AVI)

las noticias están salpicadas y regadas por aquí y por allá, de atrás y de adelante.

"Hasta
que la filosofía
que sostiene que hay una raza superior
y otra
inferior
sea final
y permanentemente
desacreditada
y abandonada
en todo lugar sea guerra

Hasta
que no hayan más
ciudadanos de primera o segunda clase
de cualquier nación

Hasta
que el color de la piel de un hombre
no tenga más significancia
que el color de sus ojos
tengo que decir guerra

Que hasta que los derechos humanos básicos
sean en igualdad garantizados para todos
sin considerar raza
diré guerra

Hasta el día
en que el sueño de la paz duradera
ciudadanía mundial
y la regla de la moralidad internacional
permanezcan sólo como una ilusión pasajera para ser cazada
mas nunca obtenida
en todo lugar sea guerra

Hasta
que el innoble e infeliz regimen
que nos sostiene a todos a través de
abuso sexual de niños, SI
abuso sexual de niños, SI
sumisión subhumana
haya sido hundido
y completamente destruído
en todo lugar sea guerra

Guerra en el este
Guerra en el oeste
Guerra al norte
Guerra al sur
hay guerra
y rumores de guerra

Hasta ese día
no habrá continente
que conozca la paz

¡Niños!
¡Niños!

¡LUCHEN!

lo encontramos necesario
sabemos que ganaremos
tenemos confianza
en la victoria
del bien
sobre
el mal

¡LUCHEN CONTRA EL VERDADERO ENEMIGO!"

una explicación

unos mp3 salidos de los videos de youtube y que incluye el que se encuentra en el boxleg "The Black album", aquí o aquí

La letra original en inglés:

"Until
the philosophy,
which holds one race superior
and another
inferior,
is finally
and permanently
discredited
and abandoned,
everywhere is war.

Until
there is no longer
first class or second class citizens
of any nation.

Until
the color of a man's skin
is of no more significance
then the color of his eyes,
I've got to say “war”.

That until the basic human rights,
are equally guaranteed to all,
without regard to race,
I'll say “war”

Until that day
the dream of lasting peace,
world-citizenship
and the rule of international
morality
will remain just a fleeting illusion to be pursued,
but never obtained.
And everywhere is war.

Until
the ignoble and unhappy regime
which holds all of us through,
child-abuse, YEAH,
child-abuse, YEAH,
sub-human bondage
has been toppled,
utterly destroyed,
everywhere is war.

war in the east,
war in the west,
war up north,
war down south,
there is war,
and the rumors of war.

Until that day,
there is no continent,
which will know peace.

CHILDREN,
CHILDREN

FIGHT!

We find it necessary.
we know we will win.
we have confidence
in the victory
of good
over
evil

FIGHT THE REAL ENEMY !"

tomada y arreglada de:
http://www.fathersfate.com.mx/wordpress/2007/01/20/sinead-o-connor-war/
El archivo me lo baje gracias a utorrent, que no sé por qué ya no me permite bajar nada, cosas mías, es de la misma fuente del video en youtube. Gracias a RM, entonces. Bless you, whoever you are...

O N O B O X (Sexta parte): A story (disco 6)

2009-06-14T22:12:00.004-05:00

Disco 6: Una historia (más unos personales bonus tracks)

Con la carpeta de archivos del sexto disco he incluído los siguientes añadidos:
Between the takes: Una pieza que pudo estar en el disco 1 y que apareció como uno de los bonus tracks de la edición remasterizada de "Fly". Un tema fuerte y movido que me remite a proezas de la época como "Why" y "Open your box (Hirake)".
Mrs. Lennon: Esta es la gran ausencia de la caja. Un tema muy calmado, casi una letanía (o lo que yo creo que es eso, que como es usual no puedo definir o me cuesta hacerlo). Una de mis canciones favoritas de Yoko. ¿Por qué? Por esa cosa repetitiva y nebulosa que tiene. Lo repetitivo es la melodía que suena una y otra vez en el piano (que el grupo Big Star tomó prestada para su canción "Holocaust") y lo nebuloso está en el sonido calmado y con eco de la voz de Yoko (además de la letra aunque para mí eso es lo de menos), en general, está en todo el sonido de la canción, como si hubiera sido tocada en un gran salón donde no hay más que Yoko y su piano (aunque hay quienes dicen que el del piano es John Lennon). No hay ninguna razón para no haberla incluído en la caja. La misma Yoko prefiere cambiar de tema cuando se lo pregunta el bueno de Jody Denberg. (Ver las entrevistas de 1992 y 1997, muy ilustrativas).
Air talk: Un tema muy divertido de "Approximately infinite universe". Otro de mis favoritos, de hecho de los reggaes que ha hecho Yoko (un estilo que captó muy bien, en mi opinión) es mi preferido.
Mother of the universe: Una canción emotiva que finaliza el disco publicado seis meses tras la muerte de John Lennon, Season of glass. Algo melodrámatico aunque la letra es como de acción de gracias.

O N O B O X (Quinta parte): No, no, no (disco 5)

2009-06-14T21:59:00.002-05:00

Disco 5: ¡NO! (x 3)

O N O B O X (cuarta parte): Kiss kiss kiss (disco 4)

2009-06-14T21:54:00.002-05:00

Besa, besa, besa

O N O B O X (segunda y tercera partes): New York Rock & Run, Run, Run

2009-05-14T03:01:00.001-05:00

Sigo con la caja Onobox:

Disco 2: New York Rock y Disco 3: Run, Run, Run

Una explicación muy interesante de los discos relacionados con estas dos partes de la caja, aquí.
Yo creía que el doble "Approximately infinite universe" (el tercero de la trilogía de discos dobles en los que participó Yoko... ¡otra trilogía!) podría estar mejor con una reducción de temas pero me doy cuenta que lo disfruto más cuando se trata de dos discos de 11 canciones cada uno que uno sólo de 18, como en esta ocasión, y que no incluye una de mis piezas favoritas del doble. No es una gran ausencia pero le hubiera puesto más dinamismo porque es divertida (hay harto medio tiempo en "New York Rock"). Yoko encontró en el feminismo algo que decir y, por lo que leo en el artículo citado, dice cosas duras. Lo paradójico del asunto es que, imagino, para llegar de manera más clara a sus potenciales oyentes, Yoko amansó su estilo, se domesticó: Los gritos fueron desapareciendo, me parece que sólo hay a lo más dos canciones con sus característicos gritos ("What did I do!" y "Move on fast"); lo demás son los mencionados medios tiempos y algunos "rocks". El estilo a veces es rhythm & blues a su estilo mezclado con la canción comunal de fines de la década de 1960 ("Yang, Yang"), funk (la mencionada "What did I do!"), algo de reggae (la ausente "Air talk"), rock'n'roll (la muy divertida "I Felt Like Smashing My Face In A Clear Glass Window", otra de mis favoritas) y rock a secas (la también mencionada "Move On Fast" y "Peter the dealer" que me recuerda algo a "Cold turkey" de "husband John").

Los medios tiempos son eso, medios tiempos. Temas muy suaves si tienen acompañamiento eléctrico ("Shiranakatta (I Didn't Know)" y "Death of Samantha") o acústicos de piano o guitarra y batería con algún añadido orquestal ("What A Bastard The World Is" y "I Want My Love To Rest Tonight", temas que en un principio son muy parecidos). Eso entre lo que me quiero acordar.

Si bien el "domesticamiento" musical (pero no letrístico) de Yoko respecto a sus anteriores discos es notorio al punto de que puedo imaginarla vestida de blanco moviéndose como Mick Jagger con su banda, también de blanco, en un especial para la televisión cantando "I Felt Like Smashing My Face In A Clear Glass Window" mientras desde la parte de arriba del escenario baja lentamente una inscripción con su nombre en letras enormes y llenas de luces... tengo que reconocer que Yoko se pone en la piel de sus personajes, cree en lo que está diciendo o es buena para hacerme creer eso. Por ejemplo en "What A Bastard The World Is", una canción que va de la desazón, por la indiferencia del marido, a la súplica por el abandono de éste; esos sentimientos y los tránsitos entre ellos suceden de una forma natural y creíble. Se le cree a Yoko cuando dice "¡tú, cerdo, tú, bastardo, tú, deshecho del planeta, tú, bueno para nada!" (al punto que yo creía que se refería a John Lennon y por lo que leo en las notas de la caja "i'm not the only one") y también cuando inmediatamente expresa: "Pero, no te vayas, por favor, no te vayas". Escucho a alguien que en verdad va de la amargura al desamparo, impotencia en suma, eso no es una actuación. Algo que Yoko ya había demostrado en los tempranos días del "Wedding album", pues hay más convicción en los sentimientos mostrados cuando ella dice "John" respecto a John Lennon diciendo "Yoko".

Algo que Yoko no pudo domesticar, quizás por ser imposible, es su voz aniñada. Yo, que no me molesto por eso y que me da igual si es desafinada o no (porque no puedo distinguir la diferencia), le agradezco. Su voz suena precisa en "I Felt Like Smashing My Face In A Clear Glass Window" cuando menciona a su mami y su "daddy". La combinación de su voz de niña y sus inflexiones de voz (por llamarlas de alguna forma) en esta canción me parecen una delicia.

Lo de "Feeling the space" que ocupa el tercer disco de la caja, "Run, Run, Run", es otra cosa. Hace meses que no escucho ese album y lo que recuerdo de él es que me parecía muy aburrido. En Allmusic dicen que la mejor forma de describir la música allí es "molesta". Molestas deben ser las letras pues la música más que molesta me parece sin alma. Predomina el medio tiempo, lo que esencialmente sirve para decir hasta dónde llegó el "domesticamiento" musical de Yoko Ono. El problema no es ése en realidad sino que la banda suena muy cuidada, tan cuidada que no hay ningún riesgo ni urgencia en esas canciones. Quizás éste en las letras pero no hay ninguna conexión entre éstas y la música. Si las letras son el alma de esas canciones, nada en la música nos da una muestra de ello. No hace nada, no provoca nada, es pusilánime, anodina. Es decir, exactamente como yo y con ello me doy cuenta que no me llevaría bien con alguien que sea igual a mí.

Claro que no todo es malo en este disco, "Growing pain" es una de esas canciones bonitas, suaves, que Yoko ya había demostrado que podía hacer en el disco anterior. Sus arreglos orquestales a medio camino entre lo ¿académico? y lo ambient me gustan mucho. Otra que está entre mis favoritas es "She hits back" una canción que suena peligrosamente sexy, así es como debe sonar una asesina sexy cuando se desliza (pues no camina porque no debe hacer ruido). Estas dos canciones son dignas de estar en cualquier "Very best" de Yoko, deberían de estar. Me parecen de lo mejor de ella.

Otra canción que rescato, aunque no me gusta mucho, es "Woman power" que en esta caja aparece con una mezcla diferente que rescata más el trabajo en la guitarra de John Lennon. Tiene un sonido pesado y lento que no ha perdido vigencia y que demuestra que Lennon jamás debió soltar la guitarra; por momentos lo hecho por Lenny Kravitz en su célebre "Are you gonna go my way" me remite a esta canción, aunque ya dije que lo de "Woman power" es pesado y lento.

Curiosamente, esta canción y "She hits back" son las dos únicas de "Feeling the space" donde interviene John Lennon, je, por algo son las más interesantes (junto a "Growing pain", cierto).

Pero, a pesar de todo lo que digo, no es un disco terrible (igual, tan malo tampoco soy), hay algun otro tema simpático como el que da nombre a este disco de la caja, "Run, run, run", una pieza en estilo soul, creo, que incluye ¡coros femeninos! (ay, Yoko, si querías practicar lo que predicabas debiste usar coros masculinos para que sean hombres y no mujeres los que estén detrás tuyo). En general, el disco tiene una cosa medio soul, debe ser por eso también que no me atrae mucho.

Finalmente, saber que los mismos músicos que participaron en este disco fueron quienes acompañaron a John Lennon como músicos de sesión en el album "Mind games" (Yoko menciona esto en las notas del disco) me termina de hacer entender por qué ese disco de John Lennon nunca me ha interesado.

O N O B O X (primera parte): London Jam

2009-05-12T02:30:00.000-05:00

Nunca tuve tiempo para odiar a Yoko Ono, la mujer que "separó a los Beatles" y que además de eso, encima, hacía una "música" horrible. Cuando empecé a tener conciencia de la "música" yo creía que los Beatles todavía existían por lo que uno de mis primeros recuerdos "musicales" fue la canción "Woman" de Los Beatles (¡!). En realidad, no recuerdo eso con mucha claridad aunque si me acuerdo de sorprenderme por saber que se trataba de una canción sólo de John Lennon. El recuerdo que sí tengo más presente es el de John Lennon muerto, no sé si asesinado pero muerto. Para cuándo pude darme cuenta que The Beatles hacía rato que no existían, Yoko Ono se había convertido en la pobre viuda de John Lennon, en parte gracias a la segunda mitad del video de la misma "Woman" (durante un tiempo creí que tenía dos videos, uno con John Lennon y otro donde aparecía Yoko sola, después del asesinato de su esposo).

Poco después de eso, un amigo de mi hermano mayor, el mismo gracias al cual mis hermanos y yo conocimos todos los discos de The Beatles (aquí es como para decir "Que Dios lo bendiga donde esté"), nos regaló una revista que fue publicada en España con motivo del asesinato de John Lennon; allí había una entrevista a Yoko que tenía el título "Al unirme a John el mundo me odió" (una versión editada de la misma aquí), en ella contaba cómo había sido la vida con John en sus ya célebres cinco años de encierro y vida familiar donde ella se encargó de ver los negocios de la pareja. La entrevista tenía información muy interesante pero lo que más llamó mi atención fueron algunos comentarios del entrevistador, Peter Occhiogrosso, en los que decía, por ejemplo, que "Kiss, kiss, kiss", una canción de Yoko incluída en el disco "Double fantasy" estaba haciendo furor en las discotecas o que "Hirake", canción del disco de Yoko del año 1971 "Fly", debería ser escuchada por los fans de los B-52's, grupo a cuyos integrantes por cierto contaba que les preguntó con cierta vergüenza si eran fans de Yoko (tenía miedo de que hablaran pestes de ella o tal vez que ya estuvieran hartos con la comparación, supongo, no recuerdo bien) y que para sorpresa suya le respondieron con entusiasmo que en su ciudad natal solían hacer reuniones donde se pasaban toda la noche escuchando esa música que les encantaba.

No hubo mejor carta de presentación, los B-52's con su "Rock lobster" y su "Party mix" también forman parte de mis primeros buenos recuerdos musicales... con esos comentarios, la música de Yoko Ono no podía ser del todo mala, definitivamente tenía que escuchar esas canciones...

Así que ya que estamos con las cajas, vamos ahora (y en los siguientes días) con la Onobox:

London Jam:
Antes de empezar tengo que hacer una advertencia: No hay en esta caja canciones de Yoko gritando el nombre de John mientras el mencionado hace el "marco musical" a base de feedbacks o acoples. Alguna vez leí en Rock de Lux que la caja era "sólo para valientes"; pues, por el lado de los gritos, por ese lado, no lo es.

El único tema incluído de los tres discos que Yoko "hizo" con John Lennon mientras los Beatles todavía existían (esos que por eufemismo se les dice "experimentales") es una cancioncilla a capella llamada "No bed for beatle John" que suena como se me ocurre que es la música japonesa, al menos en el esbozo de la melodía (siempre he tenido problemas con las definiciones). John la acompaña en la segunda voz en éste tema y creo que, de una forma u otra, en todos los demás temas de este primer disco.

London Jam incluye piezas del "Plastic Ono Band" (POB) de Yoko (John también tiene el suyo, ambos de 1970) y del mencionado "Fly" aunque creo que están puestos en desorden, porque después de "No bed for beatle John" hay un par de temas de "Fly", luego casi todo el "Plastic Ono Band" menos la pieza con el conjunto de Ornette Coleman y, finalmente, otras piezas de "Fly" más algún agregado.

No recuerdo pero en el tiempo en que conocía poco de la música de Yoko, tenía mucho interés en escuchar ese disco de 1970, quizás porque supe que fue grabado en las mismas sesiones que el disco de John (un disco que el bueno de Hugo Salazar en su programa "Cinco Noches" decía que era el mejor de John y si él lo decía, debía serlo, pero que me fue difícil de conseguir en la época de los casetes piratas y de los cds y casetes originales con los precios en las nubes... además, buscarlo en casete original sería igual a buscar discos de John Cale en las discotiendas locales, como buscar al amor de tu vida en el chat) o tal vez porque leí en alguna reseña, en Allmusic, supongo, cuando era un sitio amigable, los adjetivos que pueden atraerme cuando leo un comentario: Brutal, Bestial, una barbaridad. El disco, al menos en su primer tema es así: BESTIAL, BRUTAL, UNA BARBARIDAD... aquí (un comentario de hace un par de años) digo lo mismo que estoy diciendo ahora: "Why", el primer tema de POB es lo más salvaje grabado por un par de Beatles y por cualquier beatle. En la entrevista que le hizo Jann Wenner para la Rolling Stone a fines de 1970, John le dijo que podía hacer aullar a su guitarra, probablemente se refería a lo hecho en esta pieza. No sólo la hace aullar sino que saca chispas de ella. Y Yoko no se queda atrás: Se desespera, se enfurece, gruñe, se rasga las vestiduras y se vuelve una bestia. Lo único que dice en todo el tema es "WHY" ("Por qué") y es suficiente. Tanto ella como John tocan desde sus entrañas y Ringo (Starr) y Klaus Voormann los acompañan a ambos solidamente, toda una pared de sonido producida por el mismo Phil Spector (dizque, aunque por lo visto en "Classic albums", todo indica que nada que ver).

De POB destaca lo que era la primera cara del album, es decir "Why" además de "Why not", un tema medio blues que al principio parece gobernado por los golpes secos de Ringo a la batería y por Yoko que se anima con algunos gritos inofensivos hasta que al final John le pone un poco más de movimiento a la cuestión aunque no por mucho tiempo, y "Greenfield Morning I Pushed An Empty Baby Carriage All Over The City" que es también otro de los grandes temas de Yoko; los gritos son dejados de lado para trabajar más con las texturas de la música, con la forma en la que suena: Primero es algo así como el sonido rítmico de flourescente y después, con la entrada de los sonidos suaves de la batería de Ringo, la guitarra rítmica de John y de la voz de Yoko que va como si recitara un mantra, el tema se convierte en un despertar, el despertar de la ciudad que termina de ser anunciado por el canto de las aves al final del mismo. Me encanta.

Yoko no volvió ni ha vuelto a grabar cosas como esas. Lo de Fly cuando se trata de canciones es a veces puro rock'n'roll ("Midsummer New York" es una variación del "Heartbreak hotel" de Mae Boren Axton, Howard Durden & Mr. Elvis Presley) más rhythm & blues a su estilo ("Mind train", en versión editada en esta caja), en algún caso, muy divertido (la versión definitiva de "Don't Worry Kyoko (Mummy's Only Looking for Her Hand in the Snow)", no es la mejor pieza del disco pero tal vez sea lo más representativo de Yoko por el lado vocal); algunos de estos temas, por su instrumentación, parecen haber sido grabados a fines de la década de 1960. El resto (o casi) es más trabajo con texturas; nada en esos temas suena de manera natural, todo parece que ha pasado previamente por algún procesamiento, así sean los simples rasgueos de la guitarra de John Lennon ("Mind holes"); como si se tratara de un catálogo de ejemplos de las posibilidades del trabajo en el estudio (hay algo de "sonido" electrónico por allí, "The path", un tema que me parece sólo está incluido en esta caja). Más que música interesante, son sonidos interesantes (debe ser que soy más melódico que otra cosa).

Un caso aparte es "Open your box (Hirake)"; un paso adelante (por ser más sofisticado, aunque no necesariamente mejor) respecto a "Why"; esta vez se trata de un tema funk que tiene una letra incipiente (en este disco ya hay algunas frases en las canciones, algo más que decir), es posible que sea uno de los primeros temas feministas de Yoko; se puede tomar como una invitación al (auto)disfrute del cuerpo (femenino) aunque también como una representación de la imposición masculina sobre el mismo; la voz de Yoko va del desvarío a lo amenazador; ya en ese momento tenía el control total de su voz (al menos en el estudio). Supongo que John Lennon es quien toca la guitarra porque está a la altura de las circunstancias, en algún momento uno siente a la guitarra arder en fuego, deshacerse como en una fogata, quizás sea su último gran trabajo guitarrístico. ¿Cuál es la relación con los B-52's? Los ruidos guturales que Ono hace al principio del tema y a lo largo de éste. De hecho esos gritos, que Kate Pierson y Cindy Wilson reproducen muy bien al final de "Rock lobster", no son exclusivos de esta canción sino también de otros temas de esta etapa de Yoko Ono.

[Otro caso aparte es la gran canción ausente de la caja, de eso hablaré en el último de estos textos.]

Yoko sabía muy bien cómo decir las cosas y hacer que suenen... pero todavía le faltaba algo que decir, lo que ¿vulgarmente? se conoce como mensaje; no es que lo necesitara pero por lo hecho después ella creyó que sí...

Cuarenta y dos (42) años de rock nacional... argentino

2008-11-02T19:58:00.005-05:00

Hace algún tiempo, durante algunos meses estuve "bajando" con ayuda del Ares Lite las canciones que conforman la caja de ocho (8) discos "Cuatro décadas de Rock Nacional [Argentino]". Con la ayuda del Ares encontré la mayoría de canciones con una calidad de 320kbps. También encontré alguno que otro blog de Taringa donde mayormente habían enlaces para bajar la caja con archivos con una calidad de 128kbps. Encontré uno donde los archivos de los dos primeros volúmenes (4 discos) estaban a 320kbps y los de los siguientes a 128kbps. Los enlaces a rapidshare en ese blog ya perecieron pero allí está la lista completa de las canciones.

El primer volumen me parece el más interesante; el primer disco tiene clásicos de Los Gatos ("La Balsa", "Viento, dile a la lluvia"), Almendra ("Tema de Pototo (para saber cómo es la soledad)", "Muchacha ojos de papel" y "Rutas argentinas", éste último empieza el segundo disco), el Blues de Manal ("No pibe", "Avellaneda blues") y curiosidades de Miguel Abuelo y Los Abuelos de la Nada (lo curioso es que las únicas canciones del grupo aparecen en este primer volumen de temas de 1966 a 1976, no hay nada de su segunda época en el volumen respectivo). Sin embargo, lo que me parece más interesante de este disco, el gran descubrimiento para mí, han sido las dos canciones de Tanguito ("La princesa dorada" y "Amor de primavera"); la primera tiene un muy bonito entusiasmo y la segunda, una nostalgia triste como un presagio del final de esta gran promesa rota del pop rock en general (también es coautor del tema "La balsa" de Los Gatos).
El segundo disco es el de la consolidación de esta etapa, dominada por los grupos que surgieron tras la disolución de Almendra y especialmente, para mí, por la aparición de Sui Generis. Respecto a lo primero me parece excelente la inclusión de ese clásico del rock (así a secas) que es "Violencia en el parque" de Aquelarre, un hard rock melódico (no soy bueno con las descripciones) buenísimo; en cuanto a lo segundo, se incluye una canción por cada disco en estudio de la banda de Charly García y Nito Mestre: El tema más popular del primer disco ("Canción para mi muerte"), la canción que da nombre al segundo disco ("Confesiones de invierno") que es una magnífica alternativa a haber puesto el conocido "Rasguña las piedras" porque es más atemporal que esta última y es una de las grandes canciones de García y... "El tuerto y los ciegos" (ese de "bienveni-da Casandra..."), una canción muy simpática pero que no me parece la "gran cosa"; debieron poner "El show de los muertos" que es otra de las grandes canciones de Charly García y que fue un muy buen cuadro premonitorio de lo que se vendría en la Republica Argentina con la dictadura militar. Otra canción que no me cuadra mucho es "Rutas argentinas", es simpática, sí, pero hay canciones más fuertes (y adelantadas a su tiempo) de Almendra como "Parvas" o "Aire de amor", deben haberla incluído para decir que fue una fuerte influencia en la canción "Truckin'" de Grateful Dead que me parece salió tiempo después. La que sí me parece excelente que esté (y donde está) es otra canción de Spinetta, "Todas las hojas son del viento", aunque no está precisamente al final del primer volumen casi podría decirse que cierra muy bien esta etapa "dorada" del pop rock argentino con su estilo calmado, folk, y esa especie de toma de conciencia y responsabilidad en su letra. Lo que hay en realidad al final de este primer volumen es la canción "Libre y natural" de una banda llamada "Espíritu" que deja ver hasta que punto era fuerte la influencia del estilo soft de Sui Generis.

El primer disco del volumen 2 es de transición de lo que quedó de esa época de oro hacia lo que la gente de mi generación conoció como pop rock argentino: Allí están los coletazos de los grupos de fines de la década de 1970 aferrados a los estilos previos y que hoy suenan desfasados para su época respecto a lo que ocurría más allá (las cosas de Nito Mestre, por ejemplo, que empezaba a perder la voz) antes de que se conociera la existencia del punk y, posteriormente, de la new wave. En medio de eso, hay todavía cosas interesantes, por ejemplo, otra muy buena canción de la autoría de Luis Alberto Spinetta: "El anillo del Capitán Beto". Es la canción que inicia este volumen; una canción de estilo jazz rock algo pausado que al igual que "Todas las hojas son del viento" parece otra toma de conciencia de que los tiempos están cambiando vertiginosamente y que los sueños e ilusiones de fines de la década de 1960 y principios de la de 1970 se estaban estrellando contra la realidad (sí, la letra es una especie de reescritura de Space Oddity de David Bowie). Había una crisis económica mundial (eso me suena conocido) y buena parte de los países de América del Sur estaban regidos por dictaduras, cada una peor que la otra. En ese sentido, es loable la inclusión de "Canción de Alicia en el país", una canción de Charly García con el supergrupo Serú Girán, que es una de las pocas presentes en el disco que toca el tema de la política aunque de forma velada: "Quizás Alicia este país no estuvo hecho porque sí [...] y es que aquí [...] el trabalenguas traba lenguas y el asesino te asesina y es mucho para tí [...] Un río de cabezas aplastadas por el mismo pie juegan cricket bajo la luna, estamos en la tierra de nadie, pero es mía, los inocentes son los culpables, dice su señoría, el rey de espadas...". La versión que aparece en la caja es en vivo y es muy poderosa, urgente, suena con más fuerza que la versión original (no puedo alabar igual la versión de "Seminaré" que también aparece en vivo, es más fuerte que la original pero la gracia de la original era precisamente su delicadeza) y viene con el detalle de la introducción burlona de Charly García que hace referencia a un "suceso" legendario protagonizado por el músico y productor Billy Bond en 1972 y que es explicado aquí. Es una buena forma de cerrar esa etapa del rock argentino (me he olvidado de mencionar un par de buenos temas de Litto Nebbia: "El otro cambio, los que se fueron" y "Sólo se trata de vivir" que también tienen relación con estrellarse con/aceptar la dura realidad) para continuar con la nueva década y la nueva ola que refrescó la música tal y como la conocimos: Los Violadores (con versiones en vivo de "Represión" y "Uno, dos, ultraviolento"... no me gustan, prefiero las de los discos en estudio), Virus (con su "Wadu-Wadu") y Soda Stereo ("Por qué no puedo ser del Jet Set", yo hubiera preferido "Te hacen falta vitaminas", supongo que la inclusión es para dar muestra de la muy mentada superficialidad de la década de 1980).

El segundo disco de este volumen incluye más temas de estos grupos y aquí esta historia se conecta con mi propia historia pero no voy a hablar de eso porque siempre toco ese tema. Sorprende un poco que no aparezca ningún tema de la época más popular de la carrera de Charly García. No están "No me dejan salir (estoy verde)" ni "Nos siguen pegando abajo" ni los más contextuales "No bombardeen Buenos Aires" ni la hermosa "Los dinosaurios"; a cambio de eso está la graciosa "No llores por mí, Argentina" del disco en vivo de despedida (por entonces) de Serú Girán. Fuera de eso, lo llamativo son las canciones de esa banda marginal llamada SUMO; marginal porque lo suyo no era el punk ni la new wave de las otras bandas sino una No wave mezclada con reggae y otros estilos. La influencia de James Chance se siente; me gusta muchísimo SUMO pero siento que su música suena como si fuera bastante anterior a la época en la que fue publicada, digamos unos cinco años antes. Igual, qué canción increíble que es "Mejor no hablar de ciertas cosas", un verdadero himno desaforado a la noche. Extraordinaria.

El volumen 3 nos trae más conocidos (Los Fabulosos Cadillacs, por ejemplo), es una nueva época dorada para el pop rock argentino. Muchos de los temas incluidos en este volumen fueron éxitos en toda la región. Sin embargo, como ocurrió con la primera época de oro con Tanguito, también hay caídos en la batalla por estos años: Federico Moura de Virus, Luca Prodan de SUMO y Miguel Abuelo de Los Abuelos de la Nada (sorprendentemente, no hay ninguna canción de la etapa ochentera de Los Abuelos, como ya lo dije). De los dos primeros están dos de los temas que para mí son de los más emblemáticos del pop rock argentino: "Imágenes paganas" y "Mañana en el abasto". Ambos son temas calmados, de una tristeza muy especial, el primero me gusta pero el segundo es... ¡WAU! probablemente mi canción favorita del pop rock argentino, ¡OJO! es una canción casi ambient, tiene una cosa muy de Brian Eno y cierta reminiscencia del "Atmosphere" de Joy Division (ya sé que éste no es ambient pero el espíritu de la canción de Sumo va por allí). Es un final magistral para una banda magistral; con esa mañana de resaca se cierran los ochentas.

Eso sucede en el disco 1, el disco 2 presenta la consolidación de los grupos que quedaron (Soda Stereo y Los Fabulosos Cadillacs), la aparición de nuevos grupos interesantes (Babasónicos, Los Auténticos Decadentes) y los pasos erráticos de ese genio que alguna vez fue Charly García.

El volumen 4 al igual que el volumen 2 es de transición aunque no ofrece mayores respuestas o claves al respecto. Las carreras de los grupos del periodo anterior continuan ya sea a través de nuevos éxitos o de las carreras solistas de sus principales miembros, continua también la carrera errática de Charly García mientras Spinetta demuestra que él más bien todavía puede producir material muy interesante; está la presencia de la cumbia o bailanta (como le llaman por allá) en la forma de esa bonita canción de "Los Auténticos Decadentes" llamada "El gran señor" y la vigencia del blues con las canciones del fallecido Pappo que cierran los dos últimos discos y esta historia de cuatro décadas de rock argentino.

Ausencias: Entre las que puedo recordar y conozco, la ya mencionada de la segunda etapa de "Los Abuelos de la nada" (¿Lunes por la madrugada? ¿Cosas mías? por no decir las más populares cantadas por Andrés Calamaro); la ausencia del mismo Calamaro también es notoria, aquellos que están hartos de su presencia en los medios pueden darse por satisfechos, su aparición en la caja es casi de pie de página, no hay nada de "Los Rodríguez" ni de sus discos "españoles" (¿será porque son españoles?); otra ausencia notoria, que seguro muchos agradecerán, es la de Fito Paéz, no hay nada de su llamada mejor época (la del disco "Giros") ni de la más popular, más bien se incluye una canción de sus últimos discos; soprende también la ausencia de grupos como "Entre Ríos" y "Miranda" (creo que el último grupo de pop rock argentino exitoso a nivel latinoamericano), algun problema entre discográficas, supongo; por eso resulta que el último volumen como que no se sabe hacia donde apunta.

NOTA: La mayoría de canciones tienen un bitrate de 320kbps, hay una con una calidad de 192kbps ("Ella uso mi cabeza como un revolver" de Soda Stereo) y otra más con un bitrate de 128kbps porque no encontré otra mejor ("4AM" de Babasónicos). Lamentablemente, al final de "El gran señor" hay un chasquido que corresponde al inicio del siguiente tema que me parece no tiene nada que hacer allí.

Phil 2008

2008-10-19T00:46:00.001-05:00

¿Phil Collins? ¿Phil Spector? Ninguno de los dos, empecé a escribir esto a fines de julio de este año (30 de julio, exactamente) respecto a una visita que hice a la Feria del Libro (FIL) que se desarrollaba en ese entonces ¿Noticia vieja? Considerando que cualquier cosa en este blog podría serlo, la respuesta también es no... por allí hay algo de música, por si acaso...

Estuve en la feria del libro el sábado (26 de julio); nada del otro jueves la verdad (¿era sábado, no?). Sin embargo, voy a ir otra vez porque me perdí algunas cosas y porque así de triste es mi vida: Para empezar, qué mal que el kiosco donde cobran los ¡DOS SOLES! esté en un rincón, antes estaba al medio, ahora uno no lo ve y hace el rídiculo porque cree que ha ido en el día gratuito de la feria, se acerca a la puerta y al toque te piden boleto o te mandan a comprarlo al kiosco: ¡Vivazo!, ¡Criollazo!, ¡Te querías colar! Se ve que un sádico ha dispuesto que el kiosco esté escondido para que mucha gente termine humillada así. Segundo: Ya no es un sol ahora es lo dicho: ¡DOS SOLES!; es decir ya no estamos en el sistema solar sino en el de Kriptón, como si fueramos supermanes... cuando somos supermisios, nomás. Antes podías dártelas de generoso e invitar a 5 personas con 5 soles, es decir, lo que te cuesta un menú o un poquito más; ahora ya no se puede, con esos cinco soles sólo se puede invitar a la pareja o al acompañante de turno. Por lo demás, las cosas no estaban muy diferentes. Lo más diferente y lo digo tal vez porque soy muy distraído es que los libros del país invitado, Chile, sí estaban a la venta. Me parece que antes no era así.. lo importante es que ahora sí, excelente. Fuera de eso, nada. Cierta editorial tenía una mesa con ofertas: Llévese el segundo libro con el 40% de descuento. Pensé en llevarme "Flores" de Mario Bellatín; ya que tengo "Damas chinas" y "Shiki Nagaoka..." puedo hacer como que colecciono sus libros, y como la figura sobreprotectora que me acompañaba se interesó por "Ese dedo meñique" de Frieda Holler se me ocurrió que ese podría ser el segundo libro o el primero porque costaba más que "Flores" y el descuento se aplicaba sobre el libro menos caro. Eso lo dejé para después.

Busqué en Santillana y en Planeta "Maldita ternura" de Beto Ortiz y "Muerte en el Pentagonito" de Ricardo Uceda. Mierda, ¿por qué no compré el de Uceda cuando costaba 19 soles? Ahora cuesta entre 20 y 30 y no sé por qué Beto Ortiz dice que su libro está en la sección saldos a 11 soles, nunca lo he visto a ese precio, también está entre 20 y 30. Me segui perdiendo por allí y escuché que se iba a presentar el nuevo libro de Lorenzo Helguero; el sonido del sistema de perifoneo era demasiado alto, un desastre. La sala de conferencias no era grande pero estaba llena, ni modo, igual me quise comprar el libro. Seguí dando vueltas Sólo me compré el disco "Saqra" de Manuelcha Prado que antes lo vendían a 30 y ahora lo venden a 20 y lo último del buen (figurado, je) Lorenzo Helguero publicado por estruendo mudo: Fiesta de promoción; también a 20 soles, precio de feria. El libro es 2 en 1 porque viene con la segunda edición de "El amor en los tiempos del cole".

Antes de seguir hablando de él voy a ir a después y regresar (¿?) al puesto de cierta editorial a comprar la oferta del segundo libro con 40% de descuento. Cogí los dos libros y me acerqué al mostrador donde estaba la caja. Ya me habían dicho el precio de ambos pero siempre me gusta confirmar, trastorno obsesivo-compulsivo, supongo, así que pregunté y me dijeron que el precio del de Holler era igual pero el de Bellatín es más. ¡grrrrrrr! Sí, que es más. ¡grrrrrr! Ah, no que se equivocaron, bueno... bueno ¿y las disculpas? ¿"Perdón por la confusión" o algo así? Nones, ¡grrrrr! Luego explicaron lo del 40 % y era un entrevero en que me enredaron o se enredaron ellos y con ellos a mí. ¡GRRRRRR! A mí esas cosas me paralizan, creía que me estaban engañando, que me estaban viendo la cara de tonto que efectivamente tengo; estaba rojo, mentalmente me había convertido en el nuevo Hulk rojo (me enteré en la Wikipedia de casualidad, no soy "loco comic" pero sí estoy coleccionando los del periódico) y estaba rompiéndolo todo, pero a mí esas cosas me paralizan, así que nada, era Bruce/David Banner contando hasta 10, 20, 1000... Tal vez sea que yo no trato mucho con gente y por lo mismo no sé cómo tratar a la gente mayormente. Yo trato de ser amable, a veces me han dicho que no sueno muy amable pero en verdad trato: digo "por favor", digo "gracias"; a veces se me pasa pero trato. Esa vez hice todo como pensé que debía pero resulta que no sirvió y como mayormente no sé tratar a la gente pues no tenía idea de qué hacer y que, de hacer algo, nada de eso empeorara las cosas (romperlo todo no hubiera mejorado nada), quizás si alzaba la voz hubiera quedado como un malvado y la verdad no me gusta llamar la atención y decir "no, no", seguro otro escándalo. Estaba allí como Hulk/Bruce/David Banner rojo sin poder moverme, sin saber qué decir, por supuesto EXAGERANDOLO TODO, y, de pronto, mi figura sobre protectora que para algo está dice: "Sabes qué, mejor ya no compres nada".

Y nos fuimos.

La gente dirá: Claro, que va a saber tratar a la gente si tiene una fígura sobreprotectora pero no es eso, en verdad no es eso; qué alivio, lo que tenía que decir estaba fuera de mí porque yo estaba fuera de mí, así que mi figura sobreprotectora lo cogió, lo dijo y me dió una ayudita.

Así que ahora con calma puedo regresar al libro de Helguero: No sé si a los demás pero se me ocurre que el libro en cuestión le podría gustar mucho a mi amigo césar. En algún momento que estuve leyendo uno de esos relatos me acordé de algo que dijo en una lista de "literatura", cuando copió unas cosas escritas por unos adolescentes y se preguntaba por qué se perdía "eso" (el escribir como un adolescente sin que nada importe mucho, es decir, sin querer sonar "bonito" o "bien" salvo exclusivamente para la/el destinatario de su mensaje) o algo así. No es que los relatos estén escritos de esa forma, creo, pero la mentalidad va por allí. Me parece que una muestra de eso es que, por momentos, Helguero ha sacrificado lo políticamente correcto por tratar de ser fiel a sus adolescentes (supongo), lo que me parece muy bueno finalmente... ya me estoy sonando los mocos como crítico.

Estas son las tres páginas de uno de los relatos que me pareció entrañable; el final medio que no me cuadra pero no sé, de repente es como lo de "Chelsea hotel # 2" de "Lenny" Cohen que, al principio, el final no me cuadraba (tal vez porque el final tenía que estar en el final, no al principio) y después se me hizo el más adecuado. Por cierto, el promedio de extensión de los relatos es de dos páginas y media así que podría decirse que cada uno es como si fuera una canción de minuto y medio o dos minutos y medio y todo el libro (sólo el de "Fiesta de promoción") un disco de power pop; es decir, no tan fuerte como el punk pero tampoco tan suave como el pop. No sabría con qué disco compararlo, es muy sútil pero también es muy agradable.

Bueno, esa noche, ya en mi casa, no sé por qué se me dió por buscar información sobre Van Halen. No es que sea fan del grupo o que me interese demasiado (aunque el compilado doble que salió hace un par de años sí lo estuve buscando por esa época) pero no recuerdo por qué busqué en wikipedia sobre Van Halen. No es de mis grupos favoritos pero los miembros de la formación clásica de la banda me caen bien. Eddie Van Halen con todas esas sonrisas en el video de Jump me pareció, cuando lo vi allí, el guitarrista más carismático de todo el universo. No me gusta decir eso de "más" o "mejor" pero yo veía o veo ese video y pienso "qué carismático este tipo". como si fuera una verdad indudable. Justo leía información sobre esa canción, cuyo estilo fue una de las causas de la ruptura del grupo, y me enteré, según wikipedia, que David Lee Roth dirigió el video. Vaya. Así que me pasé a leer la biografía de Roth, que también me parece o parecía muy carismático, cambiarlo por cualquiera no fue una buena idea, y en la sección curiosidades encontré la cita de algo que siempre pensé era otro de mis mondegreens:
"Is this what you wanted, Sammy Hagar, Sammy Hagar, is this what you wanted, man"

Entonces, resulta que a veces si entiendo lo que dicen las canciones y resulta también que yo que nunca supe de quién era la frase de esa canción que me agradó en su momento y que todavía me gusta se llama precisamente "Van Halen" y es del grupo noventero Nerf Herder (a 128kbps, salvo "Van Halen", mmm). ¿Qué tiene que ver todo esto con el libro de Helguero? Pues, puedo identificar el espíritu adolescente del disco con el del libro. Más precisamente, el del fan protagonista de la canción "Van Halen" que piensa que el primer disco de la banda es el "maldito mejor disco que tuvo", que el disco "1984" es su disco favorito y que la banda se jodió cuando Sammy Hagar se volvió su "front man". Una parte del libro es así, aunque debo decir o aclarar que tampoco el disco es la gran cosa, me gusta pero me parece que para ser lo que es está bien, quizás por eso sea que me gusta. El libro también me parece que tiene eso. Claro que (yo digo "Claro" o "algo así" tantas veces que parece que estuviera haciéndole publicidad a alguna compañía) lo de Nerf Herder es la parte epidérmica del libro; la más profunda y sensible está ligada a la obra de un artista cuyos discos estuve escuchando también por esa época: Daniel Johnston. Más precisamente, estuve escuchando el disco que cité aquí y que me parece también tiene un espíritu adolescente, como todo lo de Daniel Johnston, no importa la edad que tenga ("Smells like teen spirit", je, pero no el desodorante "Teen spirit").

[Lo siguiente lo escribí en plan jodidito, al final sólo soy yo]

La verdad también es que no sé por qué le estoy haciendo campaña al libro. Lo compré el día en que Helguero estuvo en la feria; justo cuando estaba firmando libros. Claro que yo fui cuando la feria ya estaba en el cierre del día (era domingo 27 al día siguiente era feriado, nacional no sé por qué miércoles la feria no cerraba más tarde), tal vez fui el último que compró el libro ese día y también el último tipo al que Helguero tuvo que firmarle el libro. Creo que ya se iba a ir y de pronto me aparecí por un costado para que me lo firme. Sin que yo escuchara como que dijo en silencio: "¡puta madre!" con la boca cerrada; "¿Cómo te llamas?" preguntó y yo le dije "Bruno, ¿y tú?". Firmó nomás y mientras firmaba le dije que me había encantado "Boletos". Eso era cierto, no he leído "Boletos" completo pero sí algunos textos de allí y me gustan no como esa vez hace casi 15 años en que le dije a Iván Thays: "ah, tú eres el de "Las fotografías de Frances Farmer" como si estuviera reconociendo a un actor de tv y el me dijo "sí" y nada más y después me estuve quejando de que no me haya dicho nada pero ¿qué me iba a decir? si yo no le había comentado el libro porque no lo había leído. ¡Qué huevón, qué esperaba yo, que me diga "gracias, por reconocerme", si no había leído su libro!. Con Helguero fue igualito, pero yo sí había leído esos textos (además, el libro de Thays ya lo leí, uno de los cuentos de aquel libro me gusta). "Ah ya" me dijo y en silencio y con la boca cerrada "pasa nomás". Así que pase nomás... hacia la salida; "qué malagracia" dijo mi figura sobre protectora siempre protegiéndome mientras pueda (¿o fue "qué seco es"?). Por eso pedir que te firmen libros es una vaina, creo que es una mariconada total ¿no? (ja, ja, quién lo dice). No sé, mucha vaina, así que, César, el libro me lo firmas antes y sin que yo te lo pida ¿ya? (Helguero podría decir "estaba cansado, oe, no jodas")

Al principio no entendí lo que decía pero después vi eso de "un gran abrazo" y me emocioné; regresé al stand de estruendo mudo donde Helguero se preparaba para soltar un último súspiro, lo atrape de costado, incliné mi cabeza y lo abracé. Creo que lo dejé traumado.

¡Mentira! Helguero no es tan gordito, ja, ja (ésta parte de aquí se supone que sólo la entienden quienes han hablado conmigo durante un buen tiempo). Para que no se piense que sólo quiero joder, cito esta entrevista cortita que también me parece entrañable: Admitir que le gustaban Hombres G, El Tri y sus vanos intentos de tocar un instrumento.

p.d.1 (Gracias, mamá).
p.d.2 Fui la siguiente semana, compré un par de libros que casi no he abierto así que mejor no digo cuáles son. Tenía ganas de comprarme el tercer tomo de las "Memorias del fuego" de Eduardo Galeano (ya sé que no es "cool" pero hay que tratar de leer todas las opiniones que se puedan) pero estaba caro, más de 50 soles (algo así como 25 dólares). Aquí su "neoliberal" favorito diría que estos "caviares" a la hora de escribir son bien rojos pero a la hora de cobrar son recontra capitalistas. Bien carolino el libro, ¿cómo las grandes mayorías podríamos acceder a él?
p.d.3 El otro lado del libro ("El amor en los tiempos del cole") casi no lo he tocado, debe ser por eso que siempre me olvido de prestárselo a César. mmm, debería regalarle un ejemplar nomás.
p.d.4 Ella dice: Por eso (TODO) y por ese último párrafo, yo JAMAS voy a volver contigo. Apuesto que si yo hubiera estado contigo toda la Feria se te hubiera venido encima ante ese mostrador. Patético.

Yendo en moto con Chimo Bayo (JA, JA)

2008-10-13T03:45:00.003-05:00

Como me da flojera escribir sobre un disco que es bastante grande para mí, voy a editar un mensaje que nunca envié (noooo, los patetismos ya los dejé de lado, digo, al menos los personales):

Con extasi, con extano... con exta señorita me caso yo

El otro día en una reunión, es decir, hace mucho tiempo, dije que "Disco bar" de Patricio Suárez Vértiz era una buena canción (es decir, que me gusta, porque eso de establecer qué es bueno y qué malo no es mi nota) y me miraron con cara de "Ay, qué estúpido eres" o algo así. Seguro ahora ocurrirá lo mismo cuando diga que me encanta este super éxito de Chimo Bayo de 1991. Recién me enteré que esta canción, conocida como "Extasi, extano" o "Extasy, extano" o "Esta sí, esta no", se llama en realidad "Así me gusta a mí"; también me enteré de que Chimo Bayo había sido corredor de motocross antes de dedicarse a ser DJ. Lo que sí sabia es que hay quienes en su patria siempre que pueden hablan pestes de él (¡ya ven que en todas partes se cuecen arverjas!).

Que Bayo haya sido motociclista es un dato muy interesante porque me parece que el ritmo de este tema tiene mucho que ver con el "ritmo" de un viaje en motocicleta. La canción es un viaje en moto por una carretera en medio de la noche, una oda a la velocidad. Por supuesto, hay una separación del tiempo y el tempo en el tema porque es un viaje a través de miles de kilometros aunque uno sólo se haya movido en el medio metro cuadrado invadido en la pista de baile. Aquí es que entra lo de "extasi extano" porque es muy fácil alucinar que uno está yendo a toda velocidad en la moto pero en cámara lenta, ralentizado, con el viento acariciando nuestro casco. En medio de la noche pues, de alguna forma, hay una cosa nocturna en el tema, o mejor dicho, de luz artificial, imagino que eso son las permanentes notas "agudas" en la canción.

El tema-viaje en motocicleta comienza con el calentamiento de la moto y arranca varias veces con los sonidos del motor detenidos por los constantes movimientos en los manubrios del timón que son las distintas exclamaciones de Chimo Bayo: ¡JUA!, ¡JU-JA! y finalmente "¡EEEEE, JUA!" que inicia la canción propiamente dicha con esa onomatopeya del sonido del arranque que es "chiquidamtededudamdamdedededam...", algo así como un "supercalifragilisticuespialidoso" de los noventa (no pude escribirlo a la primera vez). Después de eso la canción seguirá, nosotros seguiremos, de acuerdo a las curvas y "accidentes" en el camino, a los cambios de velocidad (las notas "graves") y a la pericia del conductor que nos hace sentir, a pesar de la velocidad, que vamos muy confortables en los brazos del aire. Así, cuando llega la parte instrumental, pasamos por túneles con luces incandescentes a los lados, al principio cortos, después más largos, aunque eso es un decir porque nos sentimos muy bien dentro de ellos, con la visión de las luces sucediéndose sobre la máscara oscura de nuestro casco. Es pura energía pero la sensación de la cámara lenta lo convierte a su vez en una caricia constante.

Noche, luces, cambios de velocidad, energía, caricias, extasis... es obvio que el tema más que discotequero es en sí mismo una discoteca andante y la muchedumbre que grita al final el coro es el calor, el roce de los cuerpos y el sudor disperso en la pista de baile, caliente, frío "... llegado el final, las reglas desaparecen, y el documento sonoro no puede más que registrar un repentino estallido de volumen e imaginar el sudor goteando [...] Un sudor con el que se ha forjado la historia del rock." La cita es de una reseña de Jordi Sierra i Fabra a la gran versión en vivo de Here Tis' de The Yardbirds (¿?), habrá quienes piensen que es un sacrilegio citarla aquí pero creo que se aplica, además tenía que decir que la idea del sudor no era original mía. Claro que, si esto último suena muy drámatico allí están esos aparentes "no no no no no" que son puro sintetizador (a la "el perro" de "El baile de los que sobran") a los que responden los ¿reales? "sí sí sí" para bajar el tono. El viaje sigue, el calor de la muchedumbre es el de los miles de kilometros recorridos, ese sudor del que ya he hablado, y para no pensarlo demasiado el final llega así, de repente... como la muerte.

Enlaces

Una entrevista a Chimo Bayo de principios del 2007 de la Televisión de Cataluña. Es un resumen de su trayectoria; en todo caso, dice lo que me interesa, por ejemplo, el origen de aquella "onomatopeya". Una frase citable: "Yo no sé si antes se drogaban más o menos, lo que está claro es que si antes se drogaban las drogas eran mejores" .

Un video bien artesanal de "Así me gusta a mí", ojo a uno de los comentarios que dice que el autor de la música es Germán Bou (esto es lo que faltaba decir en aquella entrevista a Chimo Bayo), esa información es confirmada en este foro. Ummm, sería bueno que hubiera una fuente "oficial" donde se pueda encontra más sobre esto. En todo caso, más información sobre Germán Bou en esta web, en la sección "Nosotros" hay una breve descripción de su carrera y una pequeña pero muy interesante muestra de su trabajo.

Una medio sobria biografía musical de Chimo Bayo. En el mismo sitio (pero en otra página, por supuesto), una verdadera reseña. Allí también explican el origen de la "onomatopeya" y tocan el tema de la "letra" de la que yo no he hablado porque a mí las letras de las canciones no me interesan mucho. Siempre que me parezca buena la música (ya dije, es decir, que me guste), lo demás es accesorio. Sólo me fijo en las letras si la canción me gusta muchísimo (igual, me puedo imaginar lo que dice, para algo sirven los mondegreens). Si la letra es "profunda", qué bueno, si no, como en este caso, no me interesa. Enito dice o decía que las letras para él no eran importantes y que por eso muchas de sus canciones de decir, pues, nada. Yo pienso igual. Si no quieres ponerte "cool" y citar a Brian Eno, puedes citarme a mí que soy nadie.

Y, bueno, pues, el video de "Disco bar" de Patricio Suarez Vertiz para terminar de ponerme sacrílego.

No es berdad: Col... Corazón, voy volando hacia el sur... Silvania, Cocó Ciëlo, otra gente y yo

2008-10-05T01:38:00.009-05:00

Veo que en el blog Barrunto han puesto el video de "Solineide" de Silvania como un homenaje a Cocó Ciëlo, asesinado hace una semana. Me sorprendió mucho la muerte de Cocó (perdón por la confianza) porque por lo poco que sabía de él me daba impresión de que era una persona con muchísima vida, de esas que uno piensa que vivirán por mucho tiempo porque no hay fuerza que fuera a detenerlos. Algo sabía de su vida aunque era una figura lejana para mí. Lejana más que nada por el tiempo y los recuerdos: A mediados de la década de 1990, escribí un mensaje de queja al correo de la ¿extinta? revista "Flecha en el Azul"por el mal sonido de un casette de Rafo Raez que vino con la revista; me respondió muy amablemente el hermano ¿mayor? ¿menor? del director o editor de la revista y me dijo que me lo cambiaría. Tras el trueque, empezamos a intercambiar mensajes sobre diversos temas; fue muy divertido, era un chico muy agradable. Como yo le conté que me gustaba/me gusta muchísimo lo de Brian Eno, me habló un poco de Silvania, me dijo que podría agradarme y se ofreció a grabarme en unos casettes los discos que tenía, que eran todos en aquel entonces.

Los escuché en orden; al principio lo que más me agradó fue lo de "Delay tambor" porque era una cosa repetitiva y me gustan las cosas así. Este chico me dijo que prefería lo primero que hicieron, el EP "Miel nube hiel", pero a mí no me llamó la atención. Sin embargo, después "Delay tambor" me dejó de gustar y lo de "Miel nube hiel" consiguió llamar mi atención aunque como sabía que ese material era una especie de "isla" en la producción de Silvania no ahonde en eso, por lo que recuerdo, esa vez que me gustó aquel disco fue también la última vez que escuché a Silvania y cualquier cosa de Cocó Ciëlo. Paralelamente, mi comunicación con aquel chico empezó a hacerse más escasa; conocí a quien fue/es el amor de mi vida, que curiosamente había sido muy amiga de él en otro tiempo y, sin darme cuenta, me distancié de un montón de cosas.

Igual, alguien debería reeditar todos esos discos por aquí. ¿Se conseguirá el "Solineide says" en galerías? En todo caso, encontré para descarga ese primer ep en este blog:

Vuelvo al principio, escucho otra vez "Solineide" y es MUY HERMOSA. Es muy triste que uno de sus creadores no pueda estar más con nosotros.

"...Col... Corazón, voy volando hacia el sur, Col... Corazón, voy volando hacia el sur, Col... Corazón, voy volando hacia el sur..."

Ahora Cocó vuela y canta, sólo me queda citar un fragmento de aquel poema de Luis Hernández:

Como cuando vivías
cantarás.
Aunque no vuelvas.
.
.
.

No es berdad: Dijimos adios antes de decir hola

2008-09-17T01:22:00.009-05:00

"Era tan "George Harrison" que ni siquiera me parezco a mi mismo en esta foto, ala "Abbey Road""

Se fue Richard Wright de la manera más inesperada. No es que lo pensara mucho pero suponía que podría ser inmortal como mis papas o, como a ellos, le daba por lo menos 30 años. Lo que es un decir porque supongo que yo me iría primero. La cosa es que pensaba que todavía podría haber una nueva reunión de Pink Floyd, digamos 10 años después de la última en el Live 8 del 2005.

No me considero fan de Pink Floyd, no soy fan de nada en realidad aunque si podría ser fan de cualquier persona, de cualquier ser anónimo, de hecho, lo he sido. Sin embargo, en los últimos años le tuve bastante aprecio a la banda. Yo no me hago fan de los músicos o artistas sino que me encariño con ellos y eso fue lo que me pasó con Pink Floyd. Y el responsable de eso es Richard Wright, mejor dicho, una canción suya. La historia es esta: En mis ya lejanos días dorados en una casa en Villa, Chorrillos, mi viejo amigo Mañuco me pasó una grabación viejita en casette del disco "Atom Heart Mother" exhortándome a que lo escuchara. Mañuco tiene, me parece, un exquisito gusto musical a tal punto que creo que lo peor que escucha es Pink Floyd. Así que había que hacerle caso. No obstante, él quería que escuchara la suite que da nombre al disco; la escuché pero me interesó más lo que viene después, las canciones que forman la cara B del antiguo disco. Los tres temas, compuestos por un miembro distinto de la banda, me gustaron mucho pero la segunda canción, compuesta y cantada por Wright llamada "Summer of 68'" ME ENCANTO. No soy bueno describiendo canciones y me parece una perdida de tiempo hacerlas pero tanto esa canción como la de Waters y la de David Gizmo que venía después no tienen nada que ver con esa idea de Pink Floyd como una banda progresiva o barroca; son lánguidas, sí, pero no tienen esa cosa de "difícil de escuchar" o "muy complejas" asociadas al llamado rock "progresivo", sino que son simples canciones pop, bonitas canciones. Wright cantaba con esa voz que yo imaginaba de un Syd Barrett noqueado por el ácido en medio de una ensoñación y tocaba el piano con una tristeza contenida por la ilusión de la esperanza que es lo que nos suele mantener vivos a la mayoría. Era y es una canción muy hermosa, una de mis favoritas. Una canción perfecta para despertar, como de mañana triste que hay que sobrellevar porque todavía nos espera un día largo. Antes de esa canción yo hablaba pestes de Pink Floyd y recuerdo conversaciones por teléfono donde le decía a alguien muy hermoso, que seguro no entendía nada, que los Pink Floyd eran una sarta de aburridos; en seguimiento del sambenito de la década de 1990 (o de antes) que proclamaba eso ("vacuidad barroca" o algo así), aunque también me preguntaba cuál era la provocación del punk si sus canciones eran agradables y que la verdadera provocación estaba en Frank Zappa y su música incomprensible (en esa época traté de comprenderla hasta que me aburrí, pero algo se me quedó). De pronto escucho "Summer of 68'" y descubro que no, que Pink Floyd podía hacer cosas hermosas, que podían hacer muchas cosas porque después de escuchar esa canción quise escuchar más y más y así descubrí que Pink Floyd es la banda por excelencia para decir que sus fans exageran pero sus detractores también y por mucho; que decir que Pink Floyd es un grupo progresivo es decir nada porque ellos eran diferentes en cada disco, a veces, en cada canción. El que tengan una suite instrumental que ocupa la mitad de uno de sus discos no convierte a ese disco en progresivo o pomposo porque ¿qué haces con los bonitos y sencillos temas pop que ocupan la otra mitad? Además, el tema instrumental es una especie de experimento que quizás no ligó pero experimento al fin (lo mismo va para el último tema del disco "Alan's psychedelic breakfast")

"¿Te gustaría decir algo antes de irte?
Quizas te importará dejar en claro exactamente lo que sientes
dijimos "adios" antes de decir "hola"
Dificilmente te gusto, no me debería importar
Nos encontramos hace seis horas
la música estaba muy alta
En tu cama gané un día pero perdí un maldito año
ahora me gustaría saber...
... cómo te sientes..."

La letra en inglés y una traducción más completa en castellano aquí. También incluye una explicación del tema que por momentos me parece innecesaria. Digo, ¿si no ha sido establecido así qué interesa saber si eso en verdad ocurrió? Por supuesto, a menos que se trate de un texto absurdo. Sin embargo, recuerdo la canción "Guts" de John Cale que en su primera línea dice algo así como que el vecino se tiró a su mujer y recuerdo también que se suele decir que ese "vecino" fue Kevin Ayers y que eso sucedió en el famoso concierto del Rainbow de Londres en 1974 donde también participaron Nico y Eno. ¿Por qué no me molesta eso? ¿Será porque es una verdad establecida ya?

De cualquier forma, aquella frase "dijimos 'adios' antes de decir 'hola'" la consideré una especie de descripción de mi forma de relacionarme con la gente, decir 'adios' antes de decir 'hola'. A pesar de eso, aunque hasta hoy hace buen tiempo que no escuchaba "Summer of 68'", desde que la conocí siempre la he sentido como una canción para días malos, para "elevar" el espíritu en esos días. Quizás eso se deba al crescendo de la canción que está muy bien hasta antes de que empiece la segunda parte instrumental porque cuando viene ésta tiene una carga dramática muy fuerte que me hace pensar que es cierto que es una canción bonita pero también lo es que es una canción defectuosa. No importa, siempre me han gustado las cosas y las personas así: Bonitas y defectuosas.

Y para quienes nos gusta forzar las cosas, pensar que la vida puede ser bastante simple, de acción y reacción, curioso que la canción de Waters que antecede a la de Wright, con quien tenía sus rollos, diga: "Si fuera un buen hombre hablaría más seguido contigo" y la que sigue, la de David Gizmo, implore: "Canta para mí".

Canta para mí, Richard Wright.

La foto la escaneé de un suplemento sobre la historia del rock publicado en 1990 con una revista que se llamaba "Ciencia" o algo así.
No me acordaba el dato del año del Live 8 y fue algo triste leer la actualización del artículo en wikipedia que decía "... la última vez que tocaron juntos" y que se refiera a algo que no va a suceder más.

Enlaces:
Richard Wright comenta los discos que le gustan
Una entrevista de 1996 que cubre bastantes cosas
La misma entrevista traducida al castellano
Otra entrevista del mismo año: "El hecho de que la gente aún nos conozca es, en mi opinión, el resultado de nuestra música y del gran dinero que corre en la industria musical hoy. La gente que controla la industria son contadores que reciclan todo en nuevos paquetes nostálgicos, y todo lo demás, para hacer más dinero"
(un tipo lúcido, supongo)

Rick Wright recordado por tirios y troyanos:
Aquí me enteré de la noticia, a mi también me gusta "Remember a day"
Un sitio enlazado en el blog anterior
Un homenaje silencioso
Uno breve pero directo
Creía que él no escuchaba rock, debo haber leído mal

Oso Panda y Colectivo Animal

2008-08-26T00:00:00.008-05:00

Hay quienes dicen que es el mejor disco del año pasado, ya sabemos que esas son huevadas pero hay también quienes les hacen caso, yo no diría nada si no fuera que me parece de PUTA MADRE. No es rock, es pop pero el calificativo igual se le queda chiquito, es música celestial pero del tipo que le hace decir eso a alguien que piensa que las cosas como de niños son celestiales. Bien Beach Boy la cosa aunque más paja, quiero decir este es un beach boy con paja, más precisamente, un beach boy que se corre la paja (pensando en ti, seguramente) pero qué chucha, bien paja.

¿De qué chucha hablo? Del disco de Panda Bear uno de los integrantes de Animal Collective que se encuentra para su descarga con otros discos aquí (la fuente del enlace me parece que es ésta Radio online, muchas gracias a ellos):
Es un directorio así que no muerde, o sea es como que le dices a alguien que no conoces para bailar y te dice: Por supuesto, Off course, my horse.

Allí también está el disco de Animal Collective qué también está BIEN PAJA, aunque es un poquito más agresivo. No sé cuál de los dos me gusta más. El de Animal tiene cosas lindísimas aunque creo que allí se nota la paja más: las ojeras, las manos pegajosas, la puerta del baño cerrada un ratazo, manchas en los calzoncillos o el que se la corre te la suelta en la cara, te la chorrea toda y te dice que nunca la había visto tan hermosa.

La persona más linda que se ha visto en la vida, ese es el disco de Panda Bear (sí, bueno, ella también se corre la paja... o se la va a correr). No sé, yo conociendo a alguien así o del tipo del disco de Animal Collective (y que ella piense lo mismo de mí) pues sería feliz.

Fab 1, 2, 3, 4: Voy a hacer un viaje sentimental

2008-08-12T01:51:00.004-05:00

Probablemente Ringo ya se la olía cuando poco antes de la separación oficial de los Beatles lanzó su primer disco solista. Fue el último de los Beatles en publicar un disco a su nombre. Ocurrió así porque a partir de 1970 repitió ritualmente los hechos trascendentales de su vida. Al ser el último que entró a la banda tenía que ser también el último en dejarla. Sin embargo, como el final ya era inminente, en cierta forma su primer disco puede considerarse como el primer disco solista de un ex Beatle. Por supuesto, por el tipo de canciones que Ringo grabó y el por el estilo de las mismas, el disco en realidad no cuenta o cuenta muy poco (como piensa alguna gente del rol de Ringo dentro de los Beatles), es más, para el mismo Ringo es así.

Digo que Ringo debió figurarse que se terminaba la más importante etapa en su vida, musical o popularmente hablando, porque con este disco prefiere "escapar" del presente y hacer una regresión para refugiarse en la música favorita de sus padres, que seguramente marcó su infancia y que tal vez "escuchó" cuando estaba en el vientre materno. Se trató de una regresión total: Aunque no he escuchado casi ninguna de las versiones originales de esas canciones supongo que no hay mucha diferencia entre los arreglos de las canciones "originales" y los de las versiones que alguna gente famosa hizo para Ringo. En todo caso, si hay diferencias pienso que la idea del disco es la misma de un grupo de películas cuya idea de realización se puso de "moda" hace unos años: Hazlo exactamente como si fuera algo de "aquella época gloriosa", como si nos hubieramos estancado allí, antes de "corrompernos" con la tecnología, tipo "Down with love" o "Far from heaven". El resultado es lo que superficialmente se podría llamar como música popular de la década de 1950 antes de que el rock existiera (es decir, "standards"). De hecho, el disco pudo haberse llamado: "Ringo antes del rock" : Big bands y otras vainas. Si bien cuenta con los arreglos de gente como Quincy Jones, Maurice Gibb (el "George Harrison" de los Bee Gees, digo, por invisible), Klaus Voorman, George Martin y Paul McCartney (con lo que Ringo se convirtió en el primer Beatle en hacer algo "oficialmente" con McCartney fuera de un disco de los Beatles; el primero y el único también, algo que caracterizaría su carrera solista), la verdad, nada de eso se siente y la mayoría se atiene al libreto. Por eso y a pesar de lo mismo, es un disco cohesionado; aunque tal vez algo tenga que ver el que Martin haya sido el productor y la banda de éste la que toca todos los instrumentos.

La excepción, la minoría, fue el arreglista de la canción que da nombre al disco: Richard Perry. Perry actualiza "Sentimental journey", lo convierte en un tema apto para todos en 1970 y lo aleja de la versión apta para todos en 1945 que cantaba Doris Day (que sí he escuchado). Es una versión que me agrada porque tiene algo como de ensueño, de esa regresión al pasado "feliz" al que Ringo se somete en este disco.

Por eso, su versión de "Sentimental journey" debería haber estado en cualquiera de sus recopilatorios. Lamentablemente, Ringo no lo ha considerado así, ninguna de las versiones de este disco ha aparecido en alguno de ellos. Al menos (y únicamente) debería aparecer esta canción porque está a la altura de lo "mejor" de Ringo y a veces se me ocurre que pudo entrar como relleno en un hipotético disco de los Beatles en 1970. Claro que no hay ninguna forma de que ello ocurriera. En todo caso, si esa canción estuviera en sus recopilatorios no habría razón para comprarse este disco (salvo para completistas).

En lo que Ringo si fue pionero fue en este asunto de grabar un disco de "standards" siendo él una "estrella" de pop rock. Sin proponerselo, otra vez ya estaba siendo primero en algo. Digo, es un decir.

Julio subió el disco hace algún tiempo.
La foto la saqué de una fotocopia de una revista argentina cuyo nombre desconozco y que debió salir publicada antes de 1980. La foto es de 1969.

No es berdad: El fin de semana perdido: May y Yoko

2008-06-01T14:25:00.002-05:00

"John was torn between May and Yoko. He wanted both of them, but that was out of the question. May was fun, and pure sexual passion. When he was with her, he was content. Yoko, though, was survival. John occasionally met with her to talk of reconciliation. But every time they got together, she'd play all kinds of freaky emotional games...".

tomado de: Robert Rosen. Nowhere man. The final days of John Lennon. Oakland, CA: Quick American Archives, 2002. p. 95

No es berdad: El fin de semana perdido: Muchos ríos por cruzar

2008-05-28T01:42:00.008-05:00

[Actualización 05/10/2008: Supongo que hay algunas cosas que cambiar pero debo decir que el bueno de Lucifernio (¿en ese caso, cómo es, Luzbernio?) me citó aquí]

Como ando en mi fin de semana perdido en una alusión directa al de John Lennon voy a recordar ahora su gran obra de aquella época, así que vamos a hablar de Harry Nilsson. En realidad, de lo que quiero hablar es de su versión de "Many rivers to cross", una canción original de Jimmy Cliff que Nilsson grabó, producido por Lennon, en 1974 o 1975 y que descubrí recién el año pasado. En el foro del drinkteam hace algunos meses descubrí que el bueno de Lucifernio había escrito un comentario sobre el disco, Pussy Cats, que también produjo Lennon, donde está la canción, y quise enter mi cuchara en el asunto:

"Many rivers to cross" es tremenda, me parece que es lo que John Lennon trató de hacer en Walls and Bridges (específicamente en "Nobody loves you") y no logró; seguramente es la canción en la que Nilsson terminó escupiendo sangre porque al final se manda un grito ESTREMECEDOR (ay, John Lennon, como no aprendiste para hacer lo mismo en "Nobody loves you", en todas las versiones sueltas el mismo gritito apagado) y dice algo así como que ya no tiene voz para seguir cantando. A John Lennon le gustó como quedó porque usó el arreglo de cuerdas para "#9 dream".

Después, Jorgeitor sugirió que la versión de The Walkmen del tema era superior y para ello nos pasó la página donde el grupo ha "colgado" las canciones del disco para escuchar en línea

Escuché lo de esa página y de nuevo quise enter mi cucharita:

Yo había escuchado "i just can't sing too fine" y era "i just can't seem to find" y no lo dice sólo en el final también lo dice al principio.

Para que no me pase lo mismo con la canción en sí, he escuchado varias veces las versiones de "Many rivers to cross" de Nilsson y de The Walkmen, una detrás de la otra, y estas son mis conclusiones:

Primero lo más simple, la de The Walkmen es un calco de la de Nilsson. Por cierto, si es que hay alguien que no lo sepa (por aquí no lo creo) la versión de Nilsson tiene muy poco que ver con la original de Jimmy Cliff. El caso de estas tres versiones es muy parecido al de la canción "Hallellujah" que Leonard Cohen compuso, John Cale reescribió y Rufus Wainwright calcó de Cale. Es parecido, pero no idéntico.

Segundo, la instrumentación de The Walkmen suena mejor que la de la original, pero no es que sea muy diferente; sucede que se distingue claramente y por separado cada instrumento; por ejemplo, el hermoso arreglo de cuerdas suena con mucha nitidez. Lo escucho en la versión de The Walkmen y efectivamente me doy cuenta de lo hermoso que es. Claro que eso de la claridad y de la nitidez puede tener que ver con que hay más de treinta años de diferencia en la producción de ambos temas [después Lucifernio me dijo que no necesariamente].

Tercero, el handicap de la instrumentación es el instrumento de sonido bajo, no sé si es un bajo o un trombón que se escucha en la parte que dice "And this loneliness just won`t leave me alone", en la de Nilsson es una parte de mucha fuerza pero en la de The walkmen no se siente o es muy ténue, lástima.

Cuarto, la voz, ay, la voz, ese es otro cantar: La voz del cantante de The Walkmen suena bien, podría decir que canta con convicción y que tiene más técnica para cantar de esa manera que Nilsson. De hecho, su voz suena más "cool" que la de Nilsson [lo que quise decir pero no me atreví es que ahora es mucho más "cool" que alguien suene como borracho que un borracho cantando en aquel entonces]. Sin embargo, cuando escuché la parte de "It`s such a DRAG!", me hizo dudar de que Nilsson gritaba lo de "DRAG!" con más "sentimiento", yo estaba seguro, lo escuché una vez y me di cuenta que no, pero todas las siguientes veces me pareció que Nilsson le ponía más fuerza, claro que eso no es nada. El asunto es el final de la canción; el "quid" de la canción es el final cuando viene la frase "Wandering, I am LOOOOSSST", en ese momento Nilsson se saca el alma del cuerpo, grita hasta expulsar sus entrañas, vomita sus rotas cuerdas vocales y las deja desparramadas sobre el microfono. PERO, no sólo hace eso, y esto es lo maravilloso de su versión, y de la vida en general: Recoge sus cuerdas vocales para hacer un giro melódico en la última línea de la canción. Ese es un instante único e irrepetible, uno de los grandes momentos de la música.

Por supuesto, como único e irrepetible que es, el cantante de The walkmen no puede repetirlo, su LOOOSST es así, chiquito, y lo peor es que ni siquiera hace el giro melódico del final. Ese es un momento pop: Hacerlo de tal forma que pueda ser repetido todas las veces que sea necesario.

A pesar de todo, las dos versiones se complementan bien, sería interesante crear un "Frankenstein" musical con las dos, tal vez ésa sí sería una mejor versión.

Anexos:

Pussy cats subido por Toxin109 a rapidshare (192kbps), tomado de la Escalera al cielo de verdad.
El mismo archivo subido por mí a sharebee hace meses, sólo funcionan los "mirrors" de badongo y megaupload (para los que no gustan de rapidshare)
El bueno de Toxin109 también subió una buena antología hecha por el mismo Nilsson poco antes de morir. Va para quienes no se quieren soplar el Pussy cats.
El video que alguien hizo con la canción, incluye imágenes de Lennon y Nilsson por separado y además fotos relacionadas con los últimos 50 años de la historia de los EEUU.

Many rivers to cro-oss
But I just can`t seem to find, my way over
Wandering, I am lo-ost, as I travel along
The white cliffs of Do-over

Many rivers to cro-oss
And it`s only my will that keeps me alive
Well I`ve been licked, washed up for years
And I merely survived because of my pride

And this loneliness won`t leave me alone
It`s such a drag to be on your ow-own
My woman left me and she didn't say why
Well I guess I have to try-y-y-y-y

Sweet thing

Sweet thing

And this loneliness just won`t leave me alone
You know it's such a drag to be on your own
My woman left me but she didn't say why
So I guess I have to try, try

Many (many), many (many) rivers to cross
(Many rivers to cross) But just where to begin
I`m playing for time
There have been times I found myse-elf sitting in limbo
Alone, alone, for my lifetime

Many rivers to cro-o-oss
But I just can`t seem to find, my way over
Wandering, ¡I am lo-ost! as I travel
alo-ong
The white cliffs of Do-over

Muchos ríos por cruzar
pero no parezco encontrar mi destino final
errante, estoy perdido, como que viajo a lo largo
de las colinas blancas de Dover.

Muchos ríos por cruzar
y es sólo mi voluntad la que me mantiene vivo
bueno, he sido lamido, recapitulado por años
y meramente he sobrevido por mi orgullo.

Y esta desolación no me dejara solo
es un aburrimiento estar solo
mi mujer me dejó pero no me dijo por qué
así que supongo que debo tratar, tratAR

cosa dulce
cosa dulce

Y esta desolación no me dejara solo
es un aburrimiento estar solo
mi mujer me dejó pero no me dijo por qué
así que supongo que debo tratar, tratAR

Muchos (muchos) muchos (muchos) ríos por cruzar (ríos por cruzar)
pero justo donde empiezo
me juego los descuentos
han habido veces que me he encontrado sentado en el limbo
solo, solo, por toda mi vida

Muchos ríos por cruzar
pero no parezco encontrar mi destino final
errante, ¡estoy perdido!, como que
viajo a lo largo
de las colinas blancas de Dover.

Ser "cool", 4

2008-05-22T02:53:00.002-05:00

El Beatle más "cool" es George Harrison; John Lennon es "cool" pero de pacotilla y McCartney, depende: Es más "cool" que John Lennon, que ya está muy manoseado, salvo en los entornos "cool" de pacotilla en que es una zapatilla. ¿Ringo? ¿Quién?
Sin embargo, siempre será más "cool" decir que no importa porque en conjunto eran una mierda.

Ser "cool", 3

2008-05-22T02:52:00.002-05:00

El disco más "cool" de Talking Heads es el primero, sin discusiones.

Ser "cool", 2

2008-04-29T17:12:00.004-05:00

Ahora un ser "cool" de la década de 1980:

"Ni Madonna, ni Michael Jackson, Prince (es "cool")"

Ser "cool", 1

2008-04-29T17:06:00.003-05:00

Hoy vamos a empezar con las clases de ser "cool"; la lección de hoy es facilita:

Escuchar a Bob Dylan es "cool".
Escuchar a Leonard Cohen es más "cool".
PERO, no hay nada más "cool" que Nick Drake.

La berdadera historia de John Cale (capítulo 4): Leave me on the Desertshore

2008-04-20T20:08:00.009-05:00

Cajamarca, 1532: El lider de los expedicionarios espera la señal del sacerdote para ir al ataque; el sacerdote se encuentra con el Rey Inca a quien le ha entregado la obra sagrada; el Inca mira la funda, al verla recuerda a la legendaria Lady Godiva, desnuda sobre un caballo blanco, piel con piel, vellos sobre vellos, humedades, y tiene una ligera erección. El intérprete, que acompaña al sacerdote, transmite al Rey Inca lo que áquel acaba de decirle acerca de la naturaleza de la obra sagrada. El Inca mira nuevamente la funda y la arroja al suelo. El sacerdote mira la funda dirigirse a tierra pero su mirada se pierde en el camino, precisamente en esa parte que recuerda no era así cuando la vió por primera vez; lo que es ligero para el Inca no lo es pues necesariamente para todos los demás, y le vienen unas ganas de coger, de agarrar, apretar, pero el Inca retrocede. Entonces, el sacerdote grita ¡Dios mío! ¡Dios mío! y algo así como que "la tiene hasta por los suelos" (¿o era "por los cielos"?) que el lider expedicionario entiende como la señal acordada "los libros están por los suelos". Así fue como empezó o terminó todo. Es sabido que los Incas eran seres enormes.

Distinta hubiera sido la historia si en vez de darle el disco "Desertshore", Valverde le daba a Atahualpa el "Indice de mármol" porque la portada de ese disco si habla de la música que cubre. Pero hablar de esas cosas es futil como pensar que hubiera pasado si en vez de españoles hubieran sido ingleses, la historia fue. Salvo que sea para otra cosa.

Igual, la música de Desertshore es mucho más que su portada, lo que es igual a decir nada. Así que, nomás, hay que escuchar el disco. En todo caso, en el foro del drinkteam escribí esto:

"Tras el denso, en principio, "The marble index", Nico, con la colaboración de John Cale (que toca casi todos los instrumentos y co-produce) grabó este bellísimo album que es una especie de cruce entre su primer disco (Chelsea girl) y el segundo; sin los empalagosos arreglos de Tom Wilson y dando una imagen menos dura, Nico entrega un album donde mezcla sus clásicas letanías con hermosas nanas de cuna (su pequeño Ari, incluso, canta uno de los temas) y el resultado es fuera de serie. Nico está allí en toda su extraordinaria fuerza y fragilidad."

(he visto que hay al menos dos (2) enlaces distintos para descargar "The Frozen Borderline" que une a "The marble index" con "Desertshore" más algunos demos menos la versión a capella de Nibelungen, no tiene sentido que suba una más; a es cribir "Frozen borderline" y la partícula rar para hallar el disco en su buscador favorito o a comprarlo, si tienes la plata)
La portada la obtuve aqui

¿Summer of the '69? No, invierno del 69 - Primera parte

2008-04-15T19:23:00.006-05:00

Enterados Los Beatles de la apuesta o acuerdo entre algunos escritores latinoamericanos como Julio Cortazar, Gabriel García Márquez, Augusto Roa Bastos y Mario Vargas Llosa (botón derecho del mousy, por favor) sobre escribir una novela dedicada al personaje del dictador y tras el fracaso de las grabaciones del album "Get Back", se entusiasmaron con la idea y decidieron crear su aporte sobre el tema: Un trabajo conceptual sobre el ascenso y caída de un dictador que se llamaría "Everest", una metáfora de los gélidos extremos del poder y de la soledad del dictador.

El ascenso

El album tenía como punto de partida a "Come together", que John le había ofrecido a Timothy Leary para una campaña política que no funcionó. Los Beatles no querían crear un album panfletario, para panfletos suficiente con "Revolution"; así que decidieron que la única canción que tendría alguna relación "real" con el motivo del album sería áquella, todo lo demás estaría sugerido, se movería en el sentido de los acontecimientos sin hablar directamente de ellos. A la larga, la idea se acomodó al tema central y en cierta forma fue premonitoria de algunos regímenes dictatoriales que se han camuflado y se camuflan como democráticos.

"Come together" era entonces el tema de campaña del pseudo democrata que exhortaba a la gente a unirse a su alrededor con el slogan "Todo lo que puedo decirte es que tienes que ser libre" y mostraba veladamente a algunos de los "ilustres" miembros del "partido". A continuación, "Something" de L'Angelo Misterioso planteaba la cuestión desde la perspectiva de los electores: "Algo en su forma de moverse me atrae como nadie... algo en su sonrisa", etc. Luego, en "Maxwell's silver hammer", McCartney proporcionaba la imagen de la violencia subyacente en esta clase de movimientos pseudodemocráticos: Violencia irracional e incomprensible que primero arremetía contra la ciencia y la "cooltura" (Joan "estudiaba" Patafísica), después contra la academia y finalmente, ya con el favor y el fervor de la gente que hace referencia al slogan inicial cuando dice que dejen libre a Maxwell, contra el poder judicial, instituciones todas que eran considerados "monstruos sobrenaturales"; de otra forma no se explica que el personaje al que hace referencia el título de la canción deba ejecutar a sus víctimas con un instrumento de plata; todo en el marco de una melodía de lo más inocente, una de las canciones más violentas en la discografía de los Beatles. En la siguiente canción,"Oh darling", también de McCartney en una de sus interpretaciones más vibrantes, se asume nuevamente la perspectiva del pseudo democrata que, ante los atisbos de violencia, exclama que sería incapaz de hacer daño a sus gobernados y que sin ellos no lo lograría. Ringo remata la faena con su "Octopus' garden" con las vanas promesas de vivir bajo el mar y mirar los "jardines" de los pulpos en un clima de felicidad total: Ese sería el futuro diferente. Una metáfora más de las promesas populistas de los dictadores y de los "dictablandos". Finalmente, con "I want you (she's so heavy)" el punto de vista del pueblo retorna, convencido con las promesas del pseudo democrata y admirando su oposición al "viejo orden", manifestada en "Maxwell's silver hammer", se pliega totalmente a él: NO CIENCIA, NO ESCUELA, NO LEYES. Ello, más la promesa de la felicidad y una así llamada "libertad" los hace regresar a un estado primario: No pueden más que repetir que desean al, podemos llamarlo ahora así, "lider"; todavía pueden intuir que este deseo no es racional pero no importa. El riff final que se repite una y otra vez expresa la marcha del pueblo hacia el nuevo "lider", sin embargo, poco a poco va a ganando una especie de ruido blanco que se infiltra y mezcla con el riff principal hasta que es cortado abruptamente como un prueba de que el "lider" tiene el control total.

En este punto, concluye la antigua cara A del album.

La segunda parte a continuación

La foto es la de la portada de mi disco de vinilo escaneada antes de que se pusiera amarilla porque como un imbecil la puse en mi ventana más de una semana en época de calor.

¿Summer of the '69? No, invierno del 69 - Segunda parte

2008-04-15T19:22:00.001-05:00

George tal vez en alguna de las sesiones del album ¿será?

La cima y ¿la caída?

La primera parte, arribita

Cuando se inicia la segunda parte del disco, el lider ya está en el poder tras "un largo y frío invierno" (que representa al antiguo regimen). Es el sol que llega a eliminar la "oscuridad" que ha reinado hasta entonces y "está bien". No resulta casual que la siguiente canción, "Because", se inicie de una manera similar a "I want you (she's so heavy)" pues nuevamente el pueblo está poseído totalmente por la personalidad del lider; no pueden dejar de expresarse de la forma más sencilla posible: Todo ocurre simplemente PORQUE SI. Sin embargo, paradójicamente, "You never give me your money" muestra al lider "real" que empieza a reclamar a quienes nunca le dan su dinero y le entregan "papeles raros" en vez de eso. Con ello no sólo pide el pago de impuestos a quienes de hecho los pagan sino también a aquellos que, como una especie de exoneración, entregan los documentos necesarios para no tener que hacerlo. Al lider no le interesa ya eso pues quiere dinero de todos. No obstante, no va admitir control alguno, no va entregar ningún estado de cuenta, sólo mencionará cómo va la situación porque las investigaciones al respecto le enferman. Tras mencionar esto, el lider recuerda su juventud de despilfarro y la compara con su situación actual: "un dulce sueño que se hizo realidad hoy". La frase final no es clara, hay quienes piensan que la numeración y la mención a los "buenos chicos" que se van al cielo, se refieren a que los jóvenes , siempre los jóvenes, que protestan contra el regimen están siendo asesinados o silenciados, lo que se hace claro con el sonido de los grillos que se escucha al final del tema, pues, fuera de ellos no se escucha más en la noche. Se ha dicho que esta canción refleja también o transparenta la situación del grupo en ese momento, envueltos en discusiones sobre asuntos de dinero y de control sobre los negocios de la banda; fuera de la música, lo que los rodea resulta ser una dictadura, la permanencia en el grupo y todo lo que conlleva (Allen Klein, Apple, las regalías, los fans, etc.) es una dictadura y de continuar así van camino a perder o a olvidarse de su individualidad. "One, two, three, four, five, six, seven" cuenta la canción; siete (seven, 7) han sido los años de la existencia del grupo como tal (incluyendo a Ringo), es decir de 1962 a 1969, y tras "All those years ago" todo lo bueno que podría haber en ellos está muerto (en el cielo y no sólo Paul McCartney).

"You never give me your money", tangencialmente, es la única canción que habla de manera clara de toda la situación y con ella se inicia el potpourri o medley por el que es conocido el disco. Los hechos, pues, se suceden sin pausa: "Sun king" tiene al principio una reminiscencia musical de "Don't let me down" ("no me abandones") quizás como un pedido inconsciente al lider, a quien se le sigue mostrando veneración pero ya sin el entusiasmo presentado en "Here comes the sun", a pesar de que las palabras iniciales son las mismas. El lider se consagra al poder absoluto, es el "Rey sol", y la gente sonrie, la gente dice que es feliz; de las expresiones primarias a las que se había llegado se pasa a la confusión de lenguas, al sinsentido, entonces es cuando el regimen llega a su mayor nivel de depravación: La perversidad, la tacañería, el nepotismo, el robo y finalmente la violación de toda privacidad (representada por el lugar más privado de la casa: El baño). Es la corrupción más absoluta. En este punto se produce otra transparencia con la realidad del grupo porque "She came in through the bathroom window" cuenta algo que efectivamente le ocurrió a Paul McCartney y es una muestra más de esa "dictadura", esta vez de parte de las fans.

La podredumbre del regimen ha ido muy lejos y ya no cuenta con el apoyo del pueblo que ve todo como un mal sueño. Por eso en "Golden slumbers" lo que se quiere es regresar; los padres, en el momento más conmovedor del album, les dicen a sus hijos que los sueños dorados llenaran sus ojos por lo que deben dormir para no vivir más esta pesadilla; a partir de ese momento ya no hay más apoyo al lider al que se le advierte que llevará el gran peso de sus actos por mucho tiempo.

El lider entonces toma la palabra nuevamente para excusarse de participar en las celebraciones hacia su persona porque "su" pueblo lo rechaza. Finalmente, el hartazgo se manifiesta en la pregunta delirante de si el lider va a llegar al extremo de estar en sus "sueños esta noche" para ejercer su control y represión a cada uno de los ciudadanos incluso cuando duermen. La respuesta viene a través de actos y palabras: Los actos se refieren a la ejecución "en la realidad" de un segmento por cada integrante del grupo, lo que representaría la idea de la democracia en igualdad y fraternidad. Las palabras son aquellas con las que "termina" el disco: El amor que tomas es igual al amor que haces. La respuesta está, pues, en el amor (como siempre). Este es el fin.

Pero todavía queda "Her majesty": Se trata de una pieza que se coló al final como un malentendido; también era parte de los temas que daban cuenta de la corrupción del regimen pero fue descartado previamente; en este caso presentaba al lider como un ebrio pederasta . Una viñeta que se corta rápido para no hacer más largo el asunto o porque al igual que la presencia del tema en el album, se trató de un malentendido.

Sobre la portada

Al disco por motivos de comodidad se le dejó de llamar "Everest" para convertirse en "Abbey Road", los estudios donde los Beatles grabaron la mayoría de sus canciones. Abbey Road es también el nombre de la calle que aparece en la portada. El cambio sirvió para demostrar que los hechos de una dictadura pueden ocurrir en cualquier lugar y que no se trata de sucesos extraordinarios (no a la manera de la montaña más alta de la Tierra). Ya que no tuvieron que emplear mucho dinero para movilizarse hacia la locación para la foto de portada, los Beatles trataron de dejar un mensaje claro en ella, que no está relacionado con la muerte de Paul McCartney, a través de su vestimenta: La idea es seguir al lider, John con su traje blanco representa a la Iglesia; Ringo a continuación con terno oscuro, a los empresarios (los white collar); Paul, menos formal y descalzo a la "intelligentsia" que , demagógicamente, muestra que tiene los pies en la tierra; y finalmente, George, vestido de azul, representa a la clase trabajadora y al pueblo en general (los "blue collar" en inglés). El cruce de la calle se hace por un crucero peatonal para dar a entender que lo que prima en una dictadura es el orden. Hay que notar que en vez de ir hacia el horizonte, lo que se aprecia al fondo de la foto, están truncando el camino, lo que transmite que las dictaduras no son un paso hacia el futuro sino uno al costado. La foto incluye también un Volkswagen blanco aparcado que representa al pueblo (Volkswagen significa "carro del pueblo") y sobre éste la célebre placa LMW 281F (no 28IF, como algunos quisieran ver). El significado de ella está en discusión, LMW pueden ser las iniciales de la frase "Leader and Master of the World" o "Lord and Master of the World" y el 281F si sumamos las cifras (2 + 8 + 1 = 2) sería 2F o si consideramos a F también como un número (6), la suma total sería 8, lo que en la numerología representa el Poder. Para la numerología básica específicamente 2 es balance, 8 es poder, 1 es agresión y 6, reacción. Los números pueden representar una sucesión: Al balance (2), le sucede el poder (8), que usa la agresión (1) y entonces crea una reacción (6) que resulta ser una Falta o Falla (F, Fault en inglés). LMW puede ser también una sucesión que representaría el camino de la banda hacia el estrellato: Liverpool, Mainland (el continente, europeo o americano) y the World (el mundo). No hay ningún acuerdo en todo esto y es posible que al final sea sólo un juego para que uno se deje esclavizar por él en la búsqueda de un sentido, como una dictadura.

¿Por qué no se sabe nada de esto?

Porque a fines de ese año, Mario Vargas Llosa publicó la primera de las novelas sobre el dictador, "Conversación en la Catedral", así que ¿ya para qué?

Colofón: Cajón de juguetes

Uno de los amigos de "Stairway to heaven" subió "Last Year" un par de discos con demos y otras tomas del album, éste es el enlace.
Si alguien quiere escuchar el album, busque la versión del Dr. Ebbets en el blog de octaner, pues las versiones oficiales no están remasterizadas hasta ahora.

La foto de George Harrison es el "escaneo" de la fotocopia de una revista argentina que no sé cómo se llamaba. Sé que la foto es de 1969 pero no sé nada más. De la misma revista es la foto que está aquí

Dos minutos de silencio por la hojita del calendario que tiraste a la basura: La trilogía ociosa 1968-69

2008-03-18T19:27:00.002-05:00

NOTA: Tuve que eliminar todos "mis" enlaces porque mierdafire los eliminó todos

Versión Single (radio edit)

El primero que vino con la intención de hacer una trilogía de "soy un artista y hago lo que me da la gana" fue Frank Zappa; por supuesto yo hablo dentro del rock o el pop, ya sabemos que en estos "géneros" los "artistas" (o sus fans) se proclaman en ser primeros en algo que, en general, seguramente otro hizo hace décadas o siglos. ¿Por qué una trilogía? Porque no hay nada más artístico que una trilogía; alguna vez leí en una vieja Rock de Lux, respecto a unos discos del Lou, que en otras épocas, cualquier artista que se precie de serlo, legaba al mundo una trilogía; se citaba ejemplos como la "Trilogía de la vida" de Pasolini, la "Trilogía de la caballería" de John Ford y la "Trilogía de la incomunicación" de Ingmar Bergman (ches, no he visto ninguna de esas); así que sigo esa idea porque me parece simpática, supongo que mi educación cristiano católica tiene que ver. Así que Frank Zappa fue quien primero lo intentó: Después de ese disco burlón y muy disfrutable llamado "We're only in it for the money" (no voy a poner enlaces aquí porque me da flojera subir los discos y, sobre todo, porque si copias el título entre comillas y la ¿palabra? RAR seguro vas a encontrar el enlace al disco que alguien subió mucho antes de lo que yo hubiera pensado no hacerlo) hizo un disco solo, es decir sin los Mothers of Invention o, mejor dicho, a su nombre, e instrumental llamado "Lumpy Gravy"; o sea, para quienes esperaban un nuevo WOIIFTM (por sus iniciales), lo siento pero "soy un artista y hago lo que me da la gana", claro que "Lumpy Gravy" tan tan alejado de WOIIFTM no está. El primer tema de la "suite" de la que fue la "cara A" es muy divertido y de hecho hay un tema de aquel disco en versión instrumental en éste.

Zappa continuó su "trilogía" con "Cruising with Ruben and the Jets", esta vez con el apoyo de los Mothers of Invention; este disco sí es considerado una especie de alejamiento respecto a WOIIFTM porque se trataba de un conjunto de canciones doo-wop. Todo iba muy bien hasta allí, Zappa ya había publicado tres discos en un año (ésta era la trilogía que necesitaba), así que podía parar la mano un poco. Entonces, mientras eso ocurría, el pesado de Bob Dylan publicó un nuevo disco en abril de 1969: "Nashville Skyline" (horrible, no me gusta) donde canta con voz nasal, distinta. mmm, su disco de FINES DE 1967, "John Wesley Harding" (bonito, sí me gusta, me encanta, uno de mis favoritos) fue el primero grabado después de su accidente en moto y también era distinto, ya eran dos y había comenzado antes. PERO, además, el pesado de John Lennon y la odiosa esa de la Yoko Ono (en aquel entonces no tan odiosa, supongo) a fines de 1968 y, al ratito nomás, en mayo de 1969 había publicado una serie de discos (eran dos, todavía) que llevaban al extremo el concepto de la trilogía, hacían lo que les daba la gana y eran bastante obvios a diferencia de los de Dylan y Zappa. Dylan ya le había ganado con lo del disco doble (SI, EL PRIMERO QUE PUBLICO UN DISCO DOBLE EN EL MUNDO DEL ROCK & POP FUE DYLAN, NO ZAPPA), odioso, pero, un momento, Zappa tenía su trilogía con los Mothers of Invention (1966-68), mmm, claro que Dylan tenía su trilogía rockera (1965-66), AAAAHHHH y su trilogía de cantautor folk que se inició con "The Freewheelin'" (el primero no cuenta porque la mayoría de canciones no es de Dylan) y con concluyó con "Another side..." entre 1963 y 1964. GRRRR! Con estos hechos en mente, a Zappa no le quedo otra salida más que razonablemente decir: ¡Ah, no, ya no quiero hacer nada!

Así, facilito nomás, John y Yoko concluyeron su trilogía "soy un artista y hago lo que me da la gana" con "The Wedding album" antes que los otros. El tío Bob ya tenía suficientes trilogías pero una más no le iba a hacer daño, así que concluyó la suya poco tiempo después con su muy criticado, a mí no me desagrada, "Self portrait".

Claro que luego vino "New morning" que creó la trilogía de la tranquilidad con "John Wesley Harding" y "Nashville Skyline", pero esa ya es otra historia. Aquí ya hay demasiados datos y esa no es la nota.

Versión demo

Estoy aburrido y como estoy aburrido voy a poner los enlaces para que el que quiera se baje los tres discos que "hizo" John Lennon con Yoko Ono antes de que los Beatles terminaran de separarse; se suponía que iba a dar 120 golpes a la barra espaciadora como una representación visual a manera de "cover" del "tema" Two minutes silence que está en el segundo disco, pero no tengo ganas.

Hace algunos meses ofrecí, bajo el alias de Masked and Anonymous, los enlaces en la web Stairway to heaven además de una breve explicación, en inglés (deficiente, supongo):

también está Some time in NYC por ahí pero de ése hablaré, si tengo ganas, más adelante.
(de hecho el único que funciona ahora es el de la versión en studio de Some time in NYC)

1968 Unfinished Music No.1 - Two Virgins

Como digo en Stairway to heaven, es una pieza más coherente que RevolutionN°9 pero creo que ésta última suena más "musical". Durante los primeros minutos la unidad la otorga una tonada silbada que no tiene nada de especial. Debe ser la clase de discos que vale la pena de tener en vinilo (contra el CD) aunque nunca se lo escuche.

1969 Unfinished Music No.2 - Life With The Lions
Un disco conchudazo. Seguramente en el primer tema, que ocupaba toda la cara A del disco hay algo que escuchar entre los acoples de Lennon y los gritos de Ono pero los siguientes deben ser de los rellenos más descarados que se hayan hecho. Lea la reseña en Allmusic y averigüe por qué o "escúchelo", si eso es posible. Dos minutos de silencio por la muerte de la música que es este disco. "Música" interminable de escuchar.
El enlace es al blog de Julio porque yo nunca he tenido suerte con los archivos que he subido de este disco.

1969 The Wedding Album
Fuera de lo "musical" de éste podría decirse lo mismo que del primero. Se podría hacer, si es que no se ha hecho ya, todo un ensayo sobre el primer "tema" (John & Yoko) . Algo así como que para el ser enamorado lo único que vale la pena expresar es el nombre del sujeto de nuestro afecto... por más de 20 minutos sin pestañear. Todo un souvenir.

Mejor información en wikipedia pero más interesante sobre estos y otros discos de los Beatles, juntos y por separado, aquí

Como no tenía ganas de colgar fotos que cualquiera podría encontrar en la web gracias al buscador de imágenes de su preferencia, he "escaneado" parte de un afiche que vino con una revista que fue lanzada en España poco tiempo después del asesinato de John Lennon. Ya está viejita la foto.

¿De qué tengo ganas? Ahorita, de nada en realidad.

Antes de que la falange nos devore

2007-12-02T23:44:00.000-05:00

Uno de mis capítulos favoritos de Aeon Flux (una de mis series animadas favoritas, supongo que en youtube se podrá ver, me da flojera buscar) y que suelo citar cada cierto tiempo (¡mentira! creo que sólo lo he citado un par de veces) es uno en el que Aeon entra a una especie de base de Trevor Goodchild donde un científico medio moribundo, que Trevor retiene no sé de qué manera, ha desarrollado un organismo que recuerdo en el doblaje llamaban "La falange"; este organismo se expande y comienza a absorverlo todo, lo único que puede detenerlo es una especie de bastón que al juntarse con una llave disuelve al organismo, una gelatina "líquida" que desintegra todo lo inerte y a los organismos vivos deja en estado de suspensión. Aeon va con la "novia" del científico a rescatarlo, creo que llegan a estar en la plataforma de salida pero, me parece, por una torpeza de ella, no tienen el bastón o la llave, así que tiene que regresar; Trevor Goodchild ya está allí y acepta el abandono del lugar; se ofrece a esperar a Aeon pero mientras ella regresa, el científico muere y como las salidas sólo pueden ser por pares, creo o estoy inventando, le dice a la novia que ya no pueden esperar y que Aeon se quede "a su suerte". Cuando Aeon regresa la "falange" ya ha invadido casi todo; Aeon tiene que hacer hasta los malabares que nunca quiso hacer para llegar a la parte alta del recinto donde la falange aun no ha llegado, se cuelga de una baranda, tiene la llave pero no el bastón, creo, la cosa es que lo que no tiene está cerca pero no al alcance de sus manos; mas, la falange no piensa ni tiene sentimientos así que rapidito nomás llega hastra allí, sin embargo, no es aquella bajo sus pies sino una parte de ella que surge de la parte superior (tal vez lo esté confundiendo todo e Aeon se resbaló o la baranda se rompió cuando trató de alcanzar el bastón) que deshace la baranda y deja caer a Aeon hacia la falange principal donde queda suspendida, aun viva como para ver que la llave y el bastón estuvieron a punto de juntarse ante sus ojos. Estuvieron, ya dije.

Me gusta citar ese capítulo por eso último, por las oportunidades que pierdo y que espero que el "destino" recupere por mí vanamente; aunque ahora lo menciono por lo que me está pasando con mediafire que está que me borra los archivos no sé porqué. Es decir, como aquella "falange" lo está deshaciendo todo. Sin embargo, supongo que mediafire está funcionando conmigo, y con toda la gente a la que le pasa lo mismo, de idéntica manera a la mía cuando me bajo esos archivos sin preguntarle al artista si me los puedo bajar. Así que pase lo que tenga que pasar.

Supongo que es el adios para volver a subir archivos a mediafire porque está borrando todo lo nuevo. Como me gusta decir: Fue bueno mientras duró.

Falsa alarma de auto (molesta alarma)

2007-11-15T02:35:00.000-05:00

"Todo esto me da asco. Un gesto. No volveré a escribir más."
Desde hace años sabía que eso fue lo último que escribió Cesare Pavese en su diario pero me acabo de enterar que entre "asco" y "un gesto", Pavese escribió: Non parole, lo que normalmente es traducido como "No palabras". Digo, ¿no podría ser como en inglés y ser "sin palabras"? Tal vez, debe ser que no he buscado suficiente. La verdad, o no (soy muy flojo para buscar y perdón por el paréntesis pero otra coma ya era demasiado), desde hace tiempo no tengo ganas de escribir, ni de "expresarme" ni nada; no creo haber llegado a lo del asco pero es como si no valiera la pena o que valiera la misma pena que no hacerlo. La idea era que me saliera algo "bonito" de esto pero ya no me ligó; me siento tonto diciéndolo pero es la verdad (¿acaso, eso basta para que sea dicha?) igual, lo voy a dejar aquí porque no tengo otro sitio donde dejarlo o porque soy vanidoso y superficial. Y cínico. BaCínico.

¿Será que simplemente borré la frase "no palabras" de mi memoria? Sospecho que lo hice porque, según yo, si elimino esa frase, la "idem" suena mejor; es que prefiero lo que va en grupos de tres que de cuatro aunque no tengo un ejemplo con qué demostrarlo (ni las ganas de buscarlo). Sin embargo, esa presencia que ausenté tiene sentido en la frase porque es un anuncio de la inutilidad de las palabras, de la desconfianza hacia ellas; "no palabras" es "las palabras no me sirven por eso voy a hacer un gesto" o como otros traducen: Un ademán (no hay palabras en la web para demostrar esto). Pero como todo siempre es más complejo pues resulta que nosotros no sabemos qué gesto es ése, en el papel es un fantasma y los fantasmas en el papel no asustan, a menos que se diga que efectivamente era un fantasma. Quizás el gesto era no escribir más, quizás el diario acababa después del punto tras un gesto. Por lo que recuerdo, Pavese se quitó la vida con pastillas; una muerte lenta y silenciosa, supongo, ¡qué sé yo de la muerte! ¡y de la vida! "No volveré a escribir más" es, entonces, el grito de aquel gesto, el fantasma gritando BUUUUUU y se desvanece, alguien sopla una vela, y se apaga. Aquel personaje Dennis Hopper dice: Now, it's dark.

Now, it's dark.

outtakes: La doble traición, los dobles dos puntos: Del gesto que en el papel como todo fantasma no sostiene nada y la de uno mismo que necesita de las palabras para decir que no sirven. La palabra termina siendo esa madre a la que uno dijo que no volvería jamás y bueno, pues, sí, regresa, le toca la puerta y todo eso. La madre palabra nos recibe bien, no hace escándalo, todo vuelve a estar exactamente igual. Traidor, traidor, maldito traidor...

Qué huevada, lo único que recuerdo de ese libro, y mal, es la última frase; y de hecho, no debo haber leido más de un 1;. Así que estoy hablando huevadas; Y no creo que lo lea en mucho tiempo. ¿Por qué? Porque soy predesdigitador ¿Qué? Ya sé, ya sé, una vez un poeta ya fallecido, también, me dijo ¿Por qué dices predesdigitador cuando quieres decir adivino? ¿No te das cuenta de lo de "digitador"? Las manos... sí, sí, soy adivino.
Mas hubo una época en que se me dió por leer a Pavese; empezaba a ir por la plaza Francia y por Quilca, cuando los vendedores estaban en el boulevard; no me gustó que sacaran a los vendedores de revistas de Wilson, perdí a mi proveedor de fascículos de Historia de la música rock de Jordi Sierra i Fabra, nunca supe a dónde fue; me compré dos libros: El de la colección Brughera en la que venían dos novelas "De tu tierra" (que hay quienes traducen como "Tus paises" porque el original es "Paesi tuoi") y "El camarada", y el de una pequeña colección de Salvat que era la novela "El bello verano". De ellas solia decir el cliché de que eran novelas en las que no pasaba nada pero que en realidad sí pasaba. Ahora diría algo así como que son como, como, como, como, y otro como más por si acaso, cortesía de JB, el imitador, una cosa "ambient" o como el día al amanecer.

El ancho de banda aguanta todo. Now, it's dark.

Well, i'm beginning to see the light, el ruido blanco de una falsa alarma de auto en un amplio estacionamiento de autos casi vacio, que por ser falsa no molesta.

Fab one, two, three, four! - 1969 Plastic Ono Band - Live peace in Toronto

2007-06-29T20:59:00.000-05:00

Pero antes John Lennon fue con la Yoko Ono a Toronto a presentarse en un concierto con la primera formación de la Plastic Ono Band con Eric Clapton, Alan White y el "sempiterno" Klaus Voormann. Creo que hace como quince años vi el concierto por TV en un canal de UHF (27 o 33, no recuerdo cuál, era uno que pasaba espectáculos o documentales completos; ahora se diría dvds); ya estaba bastante interesado en los Fab 4 así que me soplé buena parte del concierto. Sin embargo, cuando me interesó de verdad fue cuando conseguí un casete pirata de parte del primer disco de la caja de discos llamada "Lennon"; no venían todas las canciones que debían estar pero si estaban las dos primeras que también son las primeras canciones del disco del concierto: Blue suede shoes y Money. Recuerdo que mi hermano Leonardo, a quien también le gustan los Fab 4 y que estuvo mirando el concierto conmigo, dijo que le gustaba más está versión de Money respecto a la de With the Beatles; es que a él la etapa de 1962-1965 no le "prende" mucho. Yo prefiero la de With the Beatles pero esta versión, y especialmente la de Blue suede shoes, están cantadas, lo siento más que lo pienso, con mucho cinismo. ¿O será que las naúseas, el buitre que se le quería escapar entre los labios, le hizo sonar así? De repente. La cuestión es que me gusta "Blue suede shoes" y más en la parte donde dice "Puedes quemar mi casa, robar mi auto, tomarte mi licor de una vieja jarra de jugo, has lo que quieras, pero ah-ah, querida, suelta mis zapatos, no te atrevas a caminar con mis zapatos de gamuza azul, puedes hacer lo que quieras pero suelta mis zapatos de gamuza azul" .
Sí, señor. ¡Viva la paz!

Live peace in Toronto - primera parte
Live peace in Toronto - segunda parte

Ya habrá tiempo de hablar de Yoko pero esta vez lo suyo es un desastre.
De casualidad encontré está página con información interesante del concierto

No es berdad: Miércoles 11 de julio de 2007: Un nuevo enemigo tú tenías que ser

2007-06-16T05:07:00.002-05:00

uuuyyyy, todavía falta.

Actualización 05/10/2008: ¿PARA CUANDO LA REEDICION DE "PASAN LOS DIAS"?

Sindrome de Lima: 15 de abril de 1970

2007-06-15T04:37:00.000-05:00

¡SE DISOLVIERON LOS BEATLES!
Se disolvieron los Beatles.
Se disolvieron los Beatles, tengo ganas de llorar.

Siempre quise decir eso. Siempre desde hace algunos años cuando no tengo nada mejor que pensar. Qué malo soy buscando que no encuentro la foto del periódico donde apareció la noticia de Paul que los dejaba.

Fuera de eso, no sé por qué digo aquello y me acuerdo del libro "Vida y muerte de Javier Heraud" que escribió su hermana Cecilia y que fue el primer libro que leí apasionadamente después de ingresar a la universidad años ha. No tengo ahora las palabras precisas para hablar de ese libro que debería conseguir para volver a leerlo; o no leerlo pero tener la libertad de poder hacerlo cuando y como yo quiera. ¿Qué será? Será que cuando leí aquel tomo de las "Poesías completas" editado por Peisa dentro de su "famosa" (es decir popular, pero no ahora ¿entonces?) colección Cultura Peruana, más precisamente y siempre que diga "más precisamente" estaré haciendo referencia a "Exacta dimensión" de Juan Gonzalo Rose (Rose, no Rous como dijo alguien en un concurso de oratoria del colegio) , vuelvo a decir, más precisamente, la sección de las cartas, se me ocurrió que la vida de Javier Heraud hubiera sido muy diferente de haber llegado a escuchar a los Beatles.

Ay, es el síndrome de Lima.

La berdadera historia de John Cale (capítulo 3): Los chiflados

2007-05-31T18:32:00.001-05:00

¿Los chiflados? ¿Los tarados?

Arty. Así llamaron Iggy Pop y el resto de la banda a la labor de producción de John Cale y con ello justificaron el hecho de que su primer disco no haya podido captar la fuerza en vivo de la banda. Sin embargo, todo había resultado como ellos lo habían planeado porque lo que querían era un album que desde un principio resumiera la historia de la banda. Para qué esperar que pasen los años, se hagan viejos, aburridos y ya no tuviesen ganas de hacerlo si ahora que eran jóvenes podían hacer un disco que condensara su historia, un trabajo a la vez premonitorio y que les sirviera como un mapa temporal para el futuro.

El primer disco de The Stooges fue eso y la primera prueba es el nombre del disco: The Stooges; ¿qué otro nombre puede tener un disco que cuente la historia de una banda si no es el nombre de la misma banda?.

El primer tema es la segunda prueba: 1969, el año en que la banda grabó por primera vez, el inicio. Definitivamente, tenían las cosas bastante claras. El segundo tema, I wanna be your dog, la gran canción del disco, representaba su instante de gloria, sus menos de tres minutos de fama (que no fue fama, en realidad). Sabían que eran realmente buenos, por eso presumieron que su momento llegaría casi al inicio, no con el primer album - por eso 1969 no es la mejor canción del disco - sino con el segundo - Funhouse (1970) que, efectivamente, todos reconocen como el mejor disco de la banda. Luego vendría la caída. ¡Dios! Este grupo no sólo fue visionario por la música que hizo sino porque sabía que luego de su segundo disco se iban a venir abajo, por eso el tercer tema, la larga letanía de más de diez minutos ¡se llama WE WILL FALL!

Pero, como estaban seguros de que eran muy buenos se hicieron adictos a la heroína. Mejor dicho, Iggy Pop se hizo adicto a la heroína y luego indujo al menor de los Asheton, el baterista del grupo, al vicio. El grupo se estancó durante, apróximadamente, dos años, tras lo que resurgieron nuevamente con la ayuda de alguien externo, que estaría representado por la aparición de John Cale al final del tema. Eso fue un juego de adivinos: Tenían claro que el que los sacaría del hoyo tendría que ver con John Cale, es decir, Lou Reed, es decir, David Bowie. Bowie les produjo el tercer disco que no es Funhouse, por eso la cuarta canción se llama No fun.

Después, vienen cuatro canciones que no son tan interesantes como las anteriores, aunque tienen su gracia; esas canciones son representaciones de cada una de las cuatro décadas siguientes. Sin embargo, había algo que la banda no sabía o tal vez sí, ¡por eso es que la portada del disco es como es! No era la historia de la banda, ¡ERA LA HISTORIA DE IGGY POP! Los setentas: Real Cool time (los discos más famosos de Iggy: The Idiot y Lust for life), los ochentas: Ann (su canción más popular, Candy, es de 1990 , que matemáticamente forma parte de esa década), los noventas ( Not right, no recuerdo nada relevante de esa década) y el futuro indeterminado: Little doll (Iggy Pop payaseando en los premios MTV de Latinoamérica). ¡WAU! ¡Qué tipos más visionarios! Y quiérase o no, el centro del disco es We will fall que, como ya dije, es el tercer tema (de ocho) lo que explica la desigual producción de la banda y el hecho de que la caída haya sido una constante en su historia.

El problema de la producción de John Cale también estaba incluído. Los más conocidos discos de Iggy Pop y la banda han adolecido de ello. Además del primero, el que les produjo David Bowie, Raw Power, en 1973 y los que produjo el mismo Bowie en Berlin para Iggy hacia finales de los setenta: The idiot y Lust for life. ¿Habrá sido Cale parte de este soberbio plan?

La portada escalonada, ya lo he mencionado, también formaba parte de este plan maestro y de una manera macabra porque indica el orden de las muertes: Dave Alexander murió primero y es el que aparece arriba, tal vez sigan los hermanos Asheton y el último que quede sea Iggy Pop. Aunque, ya sabemos que nada está escrito, como se decían en El Exterminador: El destino lo hacemos nosotros (por eso se hicieron adictos a la heroína, para asegurarse que lo escrito - cantado - se cumpliera).

Y nada fue dejado a la casualidad, si John Cale produjo ese disco fue para que todo el mundo estuviera seguro de la conexión con Velvet Underground, sin importar cuales fuesen los resultados... que es un decir porque ellos ya sabían cuales serían.

Existe una última prueba respecto al caracter premonitorio de este disco y es el nombre con el que figura Iggy Pop en el reverso de la portada: Iggy Stooge. Eso demuestra que la historia de la banda era indesligable a la de Iggy Pop; si la banda se separaba, Iggy Pop seguiría con la historia que ya estaba narrada en ese primer disco. A pesar de que después él haya dicho que eso del nombre fue una idea de Danny Fields que el resto de la banda no aceptó, a raíz de que Fields, según Iggy, encontró a toda una banda que la aceptara: (The) Ramones.

versión deluxe rematerizada disco 1
versión deluxe remasterizada disco 2

Este disco también lo conseguí gracias a mi amigo César Bedón, quien me pasó la versión deluxe y remasterizada.

La berdadera historia de John Cale (capítulo 2): El índice de mármol

2007-05-30T18:25:00.002-05:00

El índice de mármol (1968)

Fiesta infantil en el bosque; más precisamente, en la entrada del bosque, donde la vegetación es todo césped y el conjunto de grandes árboles todavía está lejos. Una mesa de madera en el centro de la escena donde se encuentran todos los bocaditos y confites; alrededor las tías y las mamás conversan sentadas sobre bancas tan largas como la mesa, mientras los niños juegan o dan vueltas cerca pero sin aproximarse al bosque 'que puede ser peligroso' o 'cuidadito que ya vas a ver cuando regresemos a la casa'. Deben ser las cuatro de la tarde cuando llegan quienes van a amenizar la fiesta. Ambos están vestidos de negro, se supone que él debería tener un corte de pelo estilo beatle que no le queda nada bien pero vamos a suponer que tiene aquel peinado pero no los bigotes ni la barba que Lou Reed dijo que le daban un aire mefistofélico (¿mefistoqué? preguntó su ocasional interlocutora); examina sólo con movimientos de su cabeza cada uno de los cuadros que forman la escena fuera de la suya: Los niños jugando o dando vueltas, las madres y las tías conversando sobre los traviesos que son sus hijos y la hermosa casa que se vislumbra bajo la loma en que se encuentran; hermosa casa, sí, vaya que lo es. Pero nadie puede saber qué es lo que está mirando exactamente porque oculta sus ojos con unos lentes oscuros o ¿es que aquellas lentes son sus ojos? Carga un violín; en realidad, es una viola pero yo no sé reconocer la diferencia. Una vez que se aburre de mirar dirige su vista hacia su acompañante. Ella no está vestida de negro pero hay algo bastante oscuro en ella que hace díficil no pensar o recordar que negro no era el color de su vestimenta. Igual, no es que sea una mujer muy hermosa pero cuando le pregunten a quienes estuvieron allí, ellas y ellos dirán que lo era. No parece mirar hacia ninguna parte y ahora que lo pienso eso no es lo que importa porque no importa tanto lo que ella mire sino el no poder dejar de mirarla cuando uno se da cuenta de su presencia. Por eso, ella ha bajado un poco su intensidad, está casi transparente, para pasar desapercibida. Supuestamente ella lleva un armonio, sin embargo, nadie la vió cargando nada; el instrumento simplemente apareció allí, delante de ella. Cuando se da cuenta que él la mira, se hace menos transparente, sube un poco su intensidad y mira fijamente a alguna madre que parezca estar aburrida de estar allí. La madre siente un toque helado en su cuerpo y la mira; entonces ella le hace una venia que, sin que estuviera pactado, le indica que van a empezar:

El atardecer ha iniciado: La música de The marble index (a menos que no tengas nada que descargar en rapidshare o que tengas una cuenta premium, o sigues leyendo o vas al último párrafo) es la foto de su portada y su portada es la música del disco. ¿No es una portada maravillosa? Para tenerla como afiche gigante y ponerla frente a nuestra puerta para que cuando la abramos reciba a nuestras visitas. Hablando de eso, si visitan el buen sitio creado en torno a Nico creado, supongo, por un fan francés pero en inglés y acceden a la página sobre este disco se enteraran que si bien Cale no lo produjo, toca casi todos los instrumentos. Eso era parte de un plan en el que John Cale iba a participar en éste y los dos siguientes discos de Nico para convertirla en una artista con trilogía. Como todos sabemos no hay nada más apreciado en el mundo del arte que un artista con trilogía; cuando Lou se enterara se iba a poner como el demonio ¡Cómo era posible que la Nico esa tuviera una trilogía y él no!

(lo que sigue lo puse para completar la idea pero no me gusta mucho)

¿Qué pasó en la fiesta? Lo de la fiesta es en realidad la cara 2 del antiguo disco de vinilo porque la 1 no me gusta mucho; no me gustan dos de los temas que aparecen en el recopilatorio "Classic years": No one is there y Ari's song, que son el tercer y cuarto tema de la cara 1; La cara 2 son él y ella que empiezan a tocar su viola y su armonio respectivamente, ante los niños atentos sentados con las piernas cruzadas sobre el césped para escuchar esa música siniestra que los hipnotiza y las madres se miran unas a otras y se preguntan quién diablos los trajo pero ninguna se anima a moverse y detenerlos; algunos niños se aburren y corren hacia el bosque, o antes de entrar en él, porque están en otra frecuencia (modulada) . El día está más oscuro, unas cuantas luces de la casa a lo lejos están encendidas. Es posible que con la mirada dirigida hacia la casa se haya ido hacia allá todos los participantes de la fiesta y sólo hayan quedado Nico y Cale. Cierran los ojos y aparecen en el centro del bosque para cantar "Frozen warnings", una canción en la que inicialmente parecen dar vueltas tomados de las manos sobre el eje de las puntas de sus pies unidos, John rie, y luego resulta que, cuando se detienen, es el bosque quien da vueltas alrededor de ellos. El último tema, el más "Velvet" de todos, es casi la oscuridad que llega finalmente con el último de los bonus track del cd original: Nibelungen. Si con "Frozen warnings" se nos advierte que estamos bordeando los límites gelidos, en Nibelungen ya estamos allí. El cd original incluía una versión a capella de este tema que es, como ya he dicho, la oscuridad, salvo por los momentos en que la voz de Nico surge como una vela en veloz movimiento. Es una oscuridad tan compacta que pareciera aquella de un encierro en el que, a pesar de ser tal, podemos ver lo que ocurre afuera, no necesariamente con demasiado entusiasmo.

Nota:
Frozen warnings y Nibelungen tienen importancias contradictorias en la reciente reedición en un solo paquete, con el nombre de "Frozen borderline", de "The marble index" y el siguiente disco de Nico "Desertshore": El nombre del disco alude a una frase del primer tema que aparece en tres versiones y lo de Nibelungen... pues, lamentablemente el disco omite la versión a capella y la cambia por una versión con armonio. No entiendo por qué no han incluido las dos versiones y tampoco es que sea dos versiones en una porque me parece que no hay separación de audio por canales. "Frozen Borderline" está dividida en dos partes: Parte 1 y Parte 2.

Fuentes: En un sólo archivo he puesto las ediciones en cd originales de "The marble index" y de "Desertshore" que conseguí gracias a mi amigo César Bedón; las portadas de "The marble index" las conseguí buscando en google; en algún momento hablo de una frecuencia modulada, la idea la tomé de un artículo de la revista español Rock de Lux sobre John Cale. Lo de "Frozen Bordeline" lo encontré de casualidad en la web.
Este artículo lo terminé de redactar el martes 5 de junio de 2007

La berdadera historia de John Cale (capítulo 1): Pale Brown eyes (ya sé que es "blue" ¿no has visto que escribí berdadera?)

2006-08-17T23:17:00.005-05:00

[Se supone que este texto iba a ser publicado en otra parte pero nunca me enteré de que efectivamente fuera así ; redacté éste y otros textos para que el envío a unos amigos de los mp3 de algunas canciones de John Cale se hiciera divertido para todos... A la manera del Sgt. Pepper, dicen que George Harrison o tal vez John Lennon, alguna vez dijeron que si a la gente no le gustaba el disco, al menos podrían entretenerse con su portada]

Capítulo 1: 1968-1969

Lou Reed echó a John Cale de Velvet Underground (VU) en 1968. Se ha dicho varias veces que ello ocurrió por diferencias en sus formas de pensar respecto al rumbo que debía tomar la música de la banda, pero yo sé la verdadera razón, ocultada por más de treinta años debido a su banalidad reñida con la imagen
"maldita" que ha forjado la prensa y los fanáticos del lider de VU: Lou Reed echó a John Cale porque no le gustó su cambio de peinado. Esa es la pura verdad.

Cale en Providence, Long Island, con el "look" que Lou Reed alguna vez llamó "mefistofélico".

En realidad, el cambio de peinado estaba relacionado con un hecho (más) importante: La boda de John Cale con la diseñadora de modas Betsey Johnson. Lou estaba muy celoso, quería a Cale solamente para él, y, como no quería ponerse en evidencia, le echó la culpa al nuevo corte de pelo de John.

Claro que, finalmente, esta modificación sólo empeoró las cosas porque estar molesto con alguien por un cambio de "look" es ridículo (bueno, depende);
por eso es que se inventó, posteriomente, lo de las diferencias de modos de pensar y demás, es decir, algo muy conveniente para todos. A pesar de eso, lo de Lou no era tan exagerado: Ese nuevo peinado no le quedaba bien a Cale. Se veía mucho mejor, más acorde con el estilo de la banda, con su, a decir de Reed en una entrevista, apariencia mefistofélica de 1966 y 1967. El cambio le dió una
apariencia muy inofensiva como para ser miembro de Velvet Underground, el grupo "maldito" neoyorkino; eso Lou no lo soportó... bueno, eso decía... al principio.

[John Cale y Betsey Johnson ¿cuando todo era felicidad?: El día de su boda. Cale no se ve tan mal con el corte de pelo en estas fotos pero no seve nada malo ni "maldito" como para ser un miembro de Velvet Underground, el grupo más maldito de todos los malditos]

Aparte de la prueba definitiva de que a Cale no le sentaba ese "look" - algo que con el tiempo se ha hecho parte de su forma de ser: usar peinados que no le caen para nada - está el hecho de la fría relación entre Reed y Johnson: Lou no la pasaba, era su rival,pues. Lou Reed nunca reveló sus sentimientos hacia John Cale (hay quienes dicen que Lou se lo dijo a John y que por eso fue él quien decidió marcharse; que Lou haya metido el cuentazo de que él lo botó ya es otra cuestión, pero no hay manera de comprobar esos rumores) aunque supo disimularlos muy bien en una de las canciones más celebradas de la banda (ya sin John Cale): Pale blue eyes. Obviamente John Cale no tiene ojos azules, pero si Reed la llamaba Pale brown eyes hubiera sido muy evidente. Se dijo, y se sigue diciendo, que esta canción estaba dedicada a una mujer...¡Mentira! Estaba dedicada a John Cale y hay varias líneas del texto que lo prueban. Toda la canción tiene referencias implícitas a la relación de Lou con John y en ella Reed admite públicamente por primera vez la gran admiración que sentía por Cale ("te tenía como lo más alto, te tenía como TODO, que tuve y no pude conservar") aunque lo veía como un igual ("si pudiera hacer que el mundo fuera puro y extraño como lo veo, te pondría en un espejo, te pondría frente a mí") lo que para el caso de Lou Reed es decir bastante. Pero si hay una estrofa donde la cosa llega casi a revelación es en la última donde Reed dice: Fue bueno para nosotros el ayer y lo volvería a hacer, el hecho de que ESTES CASADO sólo pruebaque eres mi mejor amigo, pero es un verdadero, verdadero pecado. Con esto, Lou Reed admite el amor que sen tía (y seguía sintiendo) por John Cale y que su colaboración en la creación del sonido de Velvet Underground había sido imprescindible. Lamentablemente, los celos le hicieron olvidar esto y se inició una competencia - que continua hasta hoy - entre ambos músicos, de la que nunca se ha hablado pero que yo descubro (y descubriré)para Uds. hoy (y mañana y pasado). Hay una última y extraña prueba: Sterling Morrison (el tipo guapo de VU y uno de los guitarristas del grupo) siempre ha dicho quesi John Cale hubiera estado en la banda cuando hicieron ese tema, no se hubiera grabado como se hizo. Lo raro es que si escuchamos los temas del primer disco de Cale y, sobre todo, el último que aparentemente grabó con VU (Stephanie says) nos damos cuenta de que cualquiera de ellos resulta másinofensivo que Pale blue eyes. Claro, si Cale hubiera estado, el tema no se hubiera hecho tal como se hizo ¡porque estaba dedicado a él! VU no lo hubiera grabado porque la soberbia de Reed no lo hubiera permitido. Morrison sabía esto, por eso se arrepintió de preferir la unión de la banda a dejar que ésta se disolviera con la partida de Cale (Reed dijo: era él o yo). Sin embargo, para evitarse problemas también se cambió el "look", pero de una manera más suave: Se dejó los bigotes antes deque Lou se dec idiera a llenar con él el gran vacío que le dejaba la ausencia de John; ello le quitó todo el atractivo que tenía y, tal vez por esto, la relación entre ambos se resquebrajó hasta hacerse intragable hacia 1970, fecha enque, finalmente, VU se disolvió. Luego de abandonar a VU, John Cale estuvo medio deprimido sin saber que hacer con su vida (es decir, algo así como yo me encuentro ahora, aunque sin ningún Velvet Underground ni nada anterior que se la parezca... qué curioso, escribí esto hace un año y sigo igual). Mientras se le ocurría, o tal vez graciasa esto, se reencontró en 1969 con Nico, a quien Cale, imitando a Reed (en una clara señal de la admiración que le tenía, él también),
ninguneaba en la época en que cantaba algunas canciones con VU. No tengo idea de cómo habrá sido ese reencuentro - me muero de ganas de saberlo - pero generó el deseo de Cale de trabajar con ella en su segundo album, The marble index. Escuchó sus temas y decidió encargarse de los arreglos. De eso hablaré en el siguiente episodio; mientras tanto, copio aquí el enlace al tercer disco de The Velvet Underground, donde está "Pale brown eyes", perdón, "Pale blue eyes", publicado en el foro del Drink team por el generoso k1ko en el subforo de los 1001 discos que hay que escuchar antes de morir basado en el libro de Robert Dimery del mismo nombre.

Lou: No quiero verlos, están horrorosos.
Sterling: Este disco es nuestra mejor presentación
John Cale: Me siento tan "fashion"
Moe: En serio ¿acaso no soy el "chico" más bonito de esta banda?

Fuentes de las fotos: Las dos primeras tuve que escanearlas de un libro, regular nomás, que tengo sobre The Velvet Underground de Jorge Arnaíz y José Luis Mendoza publicado por Càtedra. Esa pared de fondo de artístico de la primera es, en realidad, las letras al trasluz de la pàgina siguiente a la de la fotografía. Las de Cale y Betsey Johnson las encontré ya me olvidé dónde cuando busque imágenes en google relacionadas a los dos (fueron las únicas que encontré). La de la Velvet la saqué del que, me parece es el sitio web más informado sobre John Cale: Fear is a man's best friend. De hecho, me parece que es la única de las tres últimas fotos en las que a Cale no se le ve bien con el peinado ése. Sé que hay otras pero no las encuentro en la web; tendré que pedirle prestado el libro sobre la Velvet a mi gran amigo César Bedón donde hay una foto con un Cale de perfil que con el peinadito parece la imagen de Maria Antonieta antes de ser llevada al cadalso.