No es berdad: Dijimos adios antes de decir hola

"Era tan "George Harrison" que ni siquiera me parezco a mi mismo en esta foto, ala "Abbey Road""

Se fue Richard Wright de la manera más inesperada. No es que lo pensara mucho pero suponía que podría ser inmortal como mis papas o, como a ellos, le daba por lo menos 30 años. Lo que es un decir porque supongo que yo me iría primero. La cosa es que pensaba que todavía podría haber una nueva reunión de Pink Floyd, digamos 10 años después de la última en el Live 8 del 2005.

No me considero fan de Pink Floyd, no soy fan de nada en realidad aunque si podría ser fan de cualquier persona, de cualquier ser anónimo, de hecho, lo he sido. Sin embargo, en los últimos años le tuve bastante aprecio a la banda. Yo no me hago fan de los músicos o artistas sino que me encariño con ellos y eso fue lo que me pasó con Pink Floyd. Y el responsable de eso es Richard Wright, mejor dicho, una canción suya. La historia es esta: En mis ya lejanos días dorados en una casa en Villa, Chorrillos, mi viejo amigo Mañuco me pasó una grabación viejita en casette del disco "Atom Heart Mother" exhortándome a que lo escuchara. Mañuco tiene, me parece, un exquisito gusto musical a tal punto que creo que lo peor que escucha es Pink Floyd. Así que había que hacerle caso. No obstante, él quería que escuchara la suite que da nombre al disco; la escuché pero me interesó más lo que viene después, las canciones que forman la cara B del antiguo disco. Los tres temas, compuestos por un miembro distinto de la banda, me gustaron mucho pero la segunda canción, compuesta y cantada por Wright llamada "Summer of 68'" ME ENCANTO. No soy bueno describiendo canciones y me parece una perdida de tiempo hacerlas pero tanto esa canción como la de Waters y la de David Gizmo que venía después no tienen nada que ver con esa idea de Pink Floyd como una banda progresiva o barroca; son lánguidas, sí, pero no tienen esa cosa de "difícil de escuchar" o "muy complejas" asociadas al llamado rock "progresivo", sino que son simples canciones pop, bonitas canciones. Wright cantaba con esa voz que yo imaginaba de un Syd Barrett noqueado por el ácido en medio de una ensoñación y tocaba el piano con una tristeza contenida por la ilusión de la esperanza que es lo que nos suele mantener vivos a la mayoría. Era y es una canción muy hermosa, una de mis favoritas. Una canción perfecta para despertar, como de mañana triste que hay que sobrellevar porque todavía nos espera un día largo. Antes de esa canción yo hablaba pestes de Pink Floyd y recuerdo conversaciones por teléfono donde le decía a alguien muy hermoso, que seguro no entendía nada, que los Pink Floyd eran una sarta de aburridos; en seguimiento del sambenito de la década de 1990 (o de antes) que proclamaba eso ("vacuidad barroca" o algo así), aunque también me preguntaba cuál era la provocación del punk si sus canciones eran agradables y que la verdadera provocación estaba en Frank Zappa y su música incomprensible (en esa época traté de comprenderla hasta que me aburrí, pero algo se me quedó). De pronto escucho "Summer of 68'" y descubro que no, que Pink Floyd podía hacer cosas hermosas, que podían hacer muchas cosas porque después de escuchar esa canción quise escuchar más y más y así descubrí que Pink Floyd es la banda por excelencia para decir que sus fans exageran pero sus detractores también y por mucho; que decir que Pink Floyd es un grupo progresivo es decir nada porque ellos eran diferentes en cada disco, a veces, en cada canción. El que tengan una suite instrumental que ocupa la mitad de uno de sus discos no convierte a ese disco en progresivo o pomposo porque ¿qué haces con los bonitos y sencillos temas pop que ocupan la otra mitad? Además, el tema instrumental es una especie de experimento que quizás no ligó pero experimento al fin (lo mismo va para el último tema del disco "Alan's psychedelic breakfast")

"¿Te gustaría decir algo antes de irte?
Quizas te importará dejar en claro exactamente lo que sientes
dijimos "adios" antes de decir "hola"
Dificilmente te gusto, no me debería importar
Nos encontramos hace seis horas
la música estaba muy alta
En tu cama gané un día pero perdí un maldito año
ahora me gustaría saber...
... cómo te sientes..."

La letra en inglés y una traducción más completa en castellano aquí. También incluye una explicación del tema que por momentos me parece innecesaria. Digo, ¿si no ha sido establecido así qué interesa saber si eso en verdad ocurrió? Por supuesto, a menos que se trate de un texto absurdo. Sin embargo, recuerdo la canción "Guts" de John Cale que en su primera línea dice algo así como que el vecino se tiró a su mujer y recuerdo también que se suele decir que ese "vecino" fue Kevin Ayers y que eso sucedió en el famoso concierto del Rainbow de Londres en 1974 donde también participaron Nico y Eno. ¿Por qué no me molesta eso? ¿Será porque es una verdad establecida ya?

De cualquier forma, aquella frase "dijimos 'adios' antes de decir 'hola'" la consideré una especie de descripción de mi forma de relacionarme con la gente, decir 'adios' antes de decir 'hola'. A pesar de eso, aunque hasta hoy hace buen tiempo que no escuchaba "Summer of 68'", desde que la conocí siempre la he sentido como una canción para días malos, para "elevar" el espíritu en esos días. Quizás eso se deba al crescendo de la canción que está muy bien hasta antes de que empiece la segunda parte instrumental porque cuando viene ésta tiene una carga dramática muy fuerte que me hace pensar que es cierto que es una canción bonita pero también lo es que es una canción defectuosa. No importa, siempre me han gustado las cosas y las personas así: Bonitas y defectuosas.

Y para quienes nos gusta forzar las cosas, pensar que la vida puede ser bastante simple, de acción y reacción, curioso que la canción de Waters que antecede a la de Wright, con quien tenía sus rollos, diga: "Si fuera un buen hombre hablaría más seguido contigo" y la que sigue, la de David Gizmo, implore: "Canta para mí".

Canta para mí, Richard Wright.

La foto la escaneé de un suplemento sobre la historia del rock publicado en 1990 con una revista que se llamaba "Ciencia" o algo así.
No me acordaba el dato del año del Live 8 y fue algo triste leer la actualización del artículo en wikipedia que decía "... la última vez que tocaron juntos" y que se refiera a algo que no va a suceder más.

Enlaces:
Richard Wright comenta los discos que le gustan
Una entrevista de 1996 que cubre bastantes cosas
La misma entrevista traducida al castellano
Otra entrevista del mismo año: "El hecho de que la gente aún nos conozca es, en mi opinión, el resultado de nuestra música y del gran dinero que corre en la industria musical hoy. La gente que controla la industria son contadores que reciclan todo en nuevos paquetes nostálgicos, y todo lo demás, para hacer más dinero"
(un tipo lúcido, supongo)

Rick Wright recordado por tirios y troyanos:
Aquí me enteré de la noticia, a mi también me gusta "Remember a day"
Un sitio enlazado en el blog anterior
Un homenaje silencioso
Uno breve pero directo
Creía que él no escuchaba rock, debo haber leído mal

Oso Panda y Colectivo Animal

Hay quienes dicen que es el mejor disco del año pasado, ya sabemos que esas son huevadas pero hay también quienes les hacen caso, yo no diría nada si no fuera que me parece de PUTA MADRE. No es rock, es pop pero el calificativo igual se le queda chiquito, es música celestial pero del tipo que le hace decir eso a alguien que piensa que las cosas como de niños son celestiales. Bien Beach Boy la cosa aunque más paja, quiero decir este es un beach boy con paja, más precisamente, un beach boy que se corre la paja (pensando en ti, seguramente) pero qué chucha, bien paja.

¿De qué chucha hablo? Del disco de Panda Bear uno de los integrantes de Animal Collective que se encuentra para su descarga con otros discos aquí (la fuente del enlace me parece que es ésta Radio online, muchas gracias a ellos):
Es un directorio así que no muerde, o sea es como que le dices a alguien que no conoces para bailar y te dice: Por supuesto, Off course, my horse.

Allí también está el disco de Animal Collective qué también está BIEN PAJA, aunque es un poquito más agresivo. No sé cuál de los dos me gusta más. El de Animal tiene cosas lindísimas aunque creo que allí se nota la paja más: las ojeras, las manos pegajosas, la puerta del baño cerrada un ratazo, manchas en los calzoncillos o el que se la corre te la suelta en la cara, te la chorrea toda y te dice que nunca la había visto tan hermosa.

La persona más linda que se ha visto en la vida, ese es el disco de Panda Bear (sí, bueno, ella también se corre la paja... o se la va a correr). No sé, yo conociendo a alguien así o del tipo del disco de Animal Collective (y que ella piense lo mismo de mí) pues sería feliz.

Fab 1, 2, 3, 4: Voy a hacer un viaje sentimental

Probablemente Ringo ya se la olía cuando poco antes de la separación oficial de los Beatles lanzó su primer disco solista. Fue el último de los Beatles en publicar un disco a su nombre. Ocurrió así porque a partir de 1970 repitió ritualmente los hechos trascendentales de su vida. Al ser el último que entró a la banda tenía que ser también el último en dejarla. Sin embargo, como el final ya era inminente, en cierta forma su primer disco puede considerarse como el primer disco solista de un ex Beatle. Por supuesto, por el tipo de canciones que Ringo grabó y el por el estilo de las mismas, el disco en realidad no cuenta o cuenta muy poco (como piensa alguna gente del rol de Ringo dentro de los Beatles), es más, para el mismo Ringo es así.

Digo que Ringo debió figurarse que se terminaba la más importante etapa en su vida, musical o popularmente hablando, porque con este disco prefiere "escapar" del presente y hacer una regresión para refugiarse en la música favorita de sus padres, que seguramente marcó su infancia y que tal vez "escuchó" cuando estaba en el vientre materno. Se trató de una regresión total: Aunque no he escuchado casi ninguna de las versiones originales de esas canciones supongo que no hay mucha diferencia entre los arreglos de las canciones "originales" y los de las versiones que alguna gente famosa hizo para Ringo. En todo caso, si hay diferencias pienso que la idea del disco es la misma de un grupo de películas cuya idea de realización se puso de "moda" hace unos años: Hazlo exactamente como si fuera algo de "aquella época gloriosa", como si nos hubieramos estancado allí, antes de "corrompernos" con la tecnología, tipo "Down with love" o "Far from heaven". El resultado es lo que superficialmente se podría llamar como música popular de la década de 1950 antes de que el rock existiera (es decir, "standards"). De hecho, el disco pudo haberse llamado: "Ringo antes del rock" : Big bands y otras vainas. Si bien cuenta con los arreglos de gente como Quincy Jones, Maurice Gibb (el "George Harrison" de los Bee Gees, digo, por invisible), Klaus Voorman, George Martin y Paul McCartney (con lo que Ringo se convirtió en el primer Beatle en hacer algo "oficialmente" con McCartney fuera de un disco de los Beatles; el primero y el único también, algo que caracterizaría su carrera solista), la verdad, nada de eso se siente y la mayoría se atiene al libreto. Por eso y a pesar de lo mismo, es un disco cohesionado; aunque tal vez algo tenga que ver el que Martin haya sido el productor y la banda de éste la que toca todos los instrumentos.

La excepción, la minoría, fue el arreglista de la canción que da nombre al disco: Richard Perry. Perry actualiza "Sentimental journey", lo convierte en un tema apto para todos en 1970 y lo aleja de la versión apta para todos en 1945 que cantaba Doris Day (que sí he escuchado). Es una versión que me agrada porque tiene algo como de ensueño, de esa regresión al pasado "feliz" al que Ringo se somete en este disco.

Por eso, su versión de "Sentimental journey" debería haber estado en cualquiera de sus recopilatorios. Lamentablemente, Ringo no lo ha considerado así, ninguna de las versiones de este disco ha aparecido en alguno de ellos. Al menos (y únicamente) debería aparecer esta canción porque está a la altura de lo "mejor" de Ringo y a veces se me ocurre que pudo entrar como relleno en un hipotético disco de los Beatles en 1970. Claro que no hay ninguna forma de que ello ocurriera. En todo caso, si esa canción estuviera en sus recopilatorios no habría razón para comprarse este disco (salvo para completistas).

En lo que Ringo si fue pionero fue en este asunto de grabar un disco de "standards" siendo él una "estrella" de pop rock. Sin proponerselo, otra vez ya estaba siendo primero en algo. Digo, es un decir.

Julio subió el disco hace algún tiempo.
La foto la saqué de una fotocopia de una revista argentina cuyo nombre desconozco y que debió salir publicada antes de 1980. La foto es de 1969.

No es berdad: El fin de semana perdido: May y Yoko

"John was torn between May and Yoko. He wanted both of them, but that was out of the question. May was fun, and pure sexual passion. When he was with her, he was content. Yoko, though, was survival. John occasionally met with her to talk of reconciliation. But every time they got together, she'd play all kinds of freaky emotional games...".

tomado de: Robert Rosen. Nowhere man. The final days of John Lennon. Oakland, CA: Quick American Archives, 2002. p. 95

No es berdad: El fin de semana perdido: Muchos ríos por cruzar

[Actualización 05/10/2008: Supongo que hay algunas cosas que cambiar pero debo decir que el bueno de Lucifernio (¿en ese caso, cómo es, Luzbernio?) me citó aquí]

Como ando en mi fin de semana perdido en una alusión directa al de John Lennon voy a recordar ahora su gran obra de aquella época, así que vamos a hablar de Harry Nilsson. En realidad, de lo que quiero hablar es de su versión de "Many rivers to cross", una canción original de Jimmy Cliff que Nilsson grabó, producido por Lennon, en 1974 o 1975 y que descubrí recién el año pasado. En el foro del drinkteam hace algunos meses descubrí que el bueno de Lucifernio había escrito un comentario sobre el disco, Pussy Cats, que también produjo Lennon, donde está la canción, y quise enter mi cuchara en el asunto:

"Many rivers to cross" es tremenda, me parece que es lo que John Lennon trató de hacer en Walls and Bridges (específicamente en "Nobody loves you") y no logró; seguramente es la canción en la que Nilsson terminó escupiendo sangre porque al final se manda un grito ESTREMECEDOR (ay, John Lennon, como no aprendiste para hacer lo mismo en "Nobody loves you", en todas las versiones sueltas el mismo gritito apagado) y dice algo así como que ya no tiene voz para seguir cantando. A John Lennon le gustó como quedó porque usó el arreglo de cuerdas para "#9 dream".

Después, Jorgeitor sugirió que la versión de The Walkmen del tema era superior y para ello nos pasó la página donde el grupo ha "colgado" las canciones del disco para escuchar en línea

Escuché lo de esa página y de nuevo quise enter mi cucharita:

Yo había escuchado "i just can't sing too fine" y era "i just can't seem to find" y no lo dice sólo en el final también lo dice al principio.

Para que no me pase lo mismo con la canción en sí, he escuchado varias veces las versiones de "Many rivers to cross" de Nilsson y de The Walkmen, una detrás de la otra, y estas son mis conclusiones:

Primero lo más simple, la de The Walkmen es un calco de la de Nilsson. Por cierto, si es que hay alguien que no lo sepa (por aquí no lo creo) la versión de Nilsson tiene muy poco que ver con la original de Jimmy Cliff. El caso de estas tres versiones es muy parecido al de la canción "Hallellujah" que Leonard Cohen compuso, John Cale reescribió y Rufus Wainwright calcó de Cale. Es parecido, pero no idéntico.

Segundo, la instrumentación de The Walkmen suena mejor que la de la original, pero no es que sea muy diferente; sucede que se distingue claramente y por separado cada instrumento; por ejemplo, el hermoso arreglo de cuerdas suena con mucha nitidez. Lo escucho en la versión de The Walkmen y efectivamente me doy cuenta de lo hermoso que es. Claro que eso de la claridad y de la nitidez puede tener que ver con que hay más de treinta años de diferencia en la producción de ambos temas [después Lucifernio me dijo que no necesariamente].

Tercero, el handicap de la instrumentación es el instrumento de sonido bajo, no sé si es un bajo o un trombón que se escucha en la parte que dice "And this loneliness just won`t leave me alone", en la de Nilsson es una parte de mucha fuerza pero en la de The walkmen no se siente o es muy ténue, lástima.

Cuarto, la voz, ay, la voz, ese es otro cantar: La voz del cantante de The Walkmen suena bien, podría decir que canta con convicción y que tiene más técnica para cantar de esa manera que Nilsson. De hecho, su voz suena más "cool" que la de Nilsson [lo que quise decir pero no me atreví es que ahora es mucho más "cool" que alguien suene como borracho que un borracho cantando en aquel entonces]. Sin embargo, cuando escuché la parte de "It`s such a DRAG!", me hizo dudar de que Nilsson gritaba lo de "DRAG!" con más "sentimiento", yo estaba seguro, lo escuché una vez y me di cuenta que no, pero todas las siguientes veces me pareció que Nilsson le ponía más fuerza, claro que eso no es nada. El asunto es el final de la canción; el "quid" de la canción es el final cuando viene la frase "Wandering, I am LOOOOSSST", en ese momento Nilsson se saca el alma del cuerpo, grita hasta expulsar sus entrañas, vomita sus rotas cuerdas vocales y las deja desparramadas sobre el microfono. PERO, no sólo hace eso, y esto es lo maravilloso de su versión, y de la vida en general: Recoge sus cuerdas vocales para hacer un giro melódico en la última línea de la canción. Ese es un instante único e irrepetible, uno de los grandes momentos de la música.

Por supuesto, como único e irrepetible que es, el cantante de The walkmen no puede repetirlo, su LOOOSST es así, chiquito, y lo peor es que ni siquiera hace el giro melódico del final. Ese es un momento pop: Hacerlo de tal forma que pueda ser repetido todas las veces que sea necesario.

A pesar de todo, las dos versiones se complementan bien, sería interesante crear un "Frankenstein" musical con las dos, tal vez ésa sí sería una mejor versión.

Anexos:

Pussy cats subido por Toxin109 a rapidshare (192kbps), tomado de la Escalera al cielo de verdad.
El mismo archivo subido por mí a sharebee hace meses, sólo funcionan los "mirrors" de badongo y megaupload (para los que no gustan de rapidshare)
El bueno de Toxin109 también subió una buena antología hecha por el mismo Nilsson poco antes de morir. Va para quienes no se quieren soplar el Pussy cats.
El video que alguien hizo con la canción, incluye imágenes de Lennon y Nilsson por separado y además fotos relacionadas con los últimos 50 años de la historia de los EEUU.

Many rivers to cro-oss
But I just can`t seem to find, my way over
Wandering, I am lo-ost, as I travel along
The white cliffs of Do-over

Many rivers to cro-oss
And it`s only my will that keeps me alive
Well I`ve been licked, washed up for years
And I merely survived because of my pride

And this loneliness won`t leave me alone
It`s such a drag to be on your ow-own
My woman left me and she didn't say why
Well I guess I have to try-y-y-y-y

Sweet thing

Sweet thing

And this loneliness just won`t leave me alone
You know it's such a drag to be on your own
My woman left me but she didn't say why
So I guess I have to try, try

Many (many), many (many) rivers to cross
(Many rivers to cross) But just where to begin
I`m playing for time
There have been times I found myse-elf sitting in limbo
Alone, alone, for my lifetime

Many rivers to cro-o-oss
But I just can`t seem to find, my way over
Wandering, ¡I am lo-ost! as I travel
alo-ong
The white cliffs of Do-over

Muchos ríos por cruzar
pero no parezco encontrar mi destino final
errante, estoy perdido, como que viajo a lo largo
de las colinas blancas de Dover.

Muchos ríos por cruzar
y es sólo mi voluntad la que me mantiene vivo
bueno, he sido lamido, recapitulado por años
y meramente he sobrevido por mi orgullo.

Y esta desolación no me dejara solo
es un aburrimiento estar solo
mi mujer me dejó pero no me dijo por qué
así que supongo que debo tratar, tratAR

cosa dulce
cosa dulce

Y esta desolación no me dejara solo
es un aburrimiento estar solo
mi mujer me dejó pero no me dijo por qué
así que supongo que debo tratar, tratAR

Muchos (muchos) muchos (muchos) ríos por cruzar (ríos por cruzar)
pero justo donde empiezo
me juego los descuentos
han habido veces que me he encontrado sentado en el limbo
solo, solo, por toda mi vida

Muchos ríos por cruzar
pero no parezco encontrar mi destino final
errante, ¡estoy perdido!, como que
viajo a lo largo
de las colinas blancas de Dover.

Ser "cool", 4

El Beatle más "cool" es George Harrison; John Lennon es "cool" pero de pacotilla y McCartney, depende: Es más "cool" que John Lennon, que ya está muy manoseado, salvo en los entornos "cool" de pacotilla en que es una zapatilla. ¿Ringo? ¿Quién?
Sin embargo, siempre será más "cool" decir que no importa porque en conjunto eran una mierda.

Ser "cool", 3

El disco más "cool" de Talking Heads es el primero, sin discusiones.

Ser "cool", 2

Ahora un ser "cool" de la década de 1980:

"Ni Madonna, ni Michael Jackson, Prince (es "cool")"

Ser "cool", 1

Hoy vamos a empezar con las clases de ser "cool"; la lección de hoy es facilita:

Escuchar a Bob Dylan es "cool".
Escuchar a Leonard Cohen es más "cool".
PERO, no hay nada más "cool" que Nick Drake.

La berdadera historia de John Cale (capítulo 4): Leave me on the Desertshore

Cajamarca, 1532: El lider de los expedicionarios espera la señal del sacerdote para ir al ataque; el sacerdote se encuentra con el Rey Inca a quien le ha entregado la obra sagrada; el Inca mira la funda, al verla recuerda a la legendaria Lady Godiva, desnuda sobre un caballo blanco, piel con piel, vellos sobre vellos, humedades, y tiene una ligera erección. El intérprete, que acompaña al sacerdote, transmite al Rey Inca lo que áquel acaba de decirle acerca de la naturaleza de la obra sagrada. El Inca mira nuevamente la funda y la arroja al suelo. El sacerdote mira la funda dirigirse a tierra pero su mirada se pierde en el camino, precisamente en esa parte que recuerda no era así cuando la vió por primera vez; lo que es ligero para el Inca no lo es pues necesariamente para todos los demás, y le vienen unas ganas de coger, de agarrar, apretar, pero el Inca retrocede. Entonces, el sacerdote grita ¡Dios mío! ¡Dios mío! y algo así como que "la tiene hasta por los suelos" (¿o era "por los cielos"?) que el lider expedicionario entiende como la señal acordada "los libros están por los suelos". Así fue como empezó o terminó todo. Es sabido que los Incas eran seres enormes.

Distinta hubiera sido la historia si en vez de darle el disco "Desertshore", Valverde le daba a Atahualpa el "Indice de mármol" porque la portada de ese disco si habla de la música que cubre. Pero hablar de esas cosas es futil como pensar que hubiera pasado si en vez de españoles hubieran sido ingleses, la historia fue. Salvo que sea para otra cosa.

Igual, la música de Desertshore es mucho más que su portada, lo que es igual a decir nada. Así que, nomás, hay que escuchar el disco. En todo caso, en el foro del drinkteam escribí esto:

"Tras el denso, en principio, "The marble index", Nico, con la colaboración de John Cale (que toca casi todos los instrumentos y co-produce) grabó este bellísimo album que es una especie de cruce entre su primer disco (Chelsea girl) y el segundo; sin los empalagosos arreglos de Tom Wilson y dando una imagen menos dura, Nico entrega un album donde mezcla sus clásicas letanías con hermosas nanas de cuna (su pequeño Ari, incluso, canta uno de los temas) y el resultado es fuera de serie. Nico está allí en toda su extraordinaria fuerza y fragilidad."

(he visto que hay al menos dos (2) enlaces distintos para descargar "The Frozen Borderline" que une a "The marble index" con "Desertshore" más algunos demos menos la versión a capella de Nibelungen, no tiene sentido que suba una más; a es cribir "Frozen borderline" y la partícula rar para hallar el disco en su buscador favorito o a comprarlo, si tienes la plata)
La portada la obtuve aqui

¿Summer of the '69? No, invierno del 69 - Primera parte

Enterados Los Beatles de la apuesta o acuerdo entre algunos escritores latinoamericanos como Julio Cortazar, Gabriel García Márquez, Augusto Roa Bastos y Mario Vargas Llosa (botón derecho del mousy, por favor) sobre escribir una novela dedicada al personaje del dictador y tras el fracaso de las grabaciones del album "Get Back", se entusiasmaron con la idea y decidieron crear su aporte sobre el tema: Un trabajo conceptual sobre el ascenso y caída de un dictador que se llamaría "Everest", una metáfora de los gélidos extremos del poder y de la soledad del dictador.

El ascenso

El album tenía como punto de partida a "Come together", que John le había ofrecido a Timothy Leary para una campaña política que no funcionó. Los Beatles no querían crear un album panfletario, para panfletos suficiente con "Revolution"; así que decidieron que la única canción que tendría alguna relación "real" con el motivo del album sería áquella, todo lo demás estaría sugerido, se movería en el sentido de los acontecimientos sin hablar directamente de ellos. A la larga, la idea se acomodó al tema central y en cierta forma fue premonitoria de algunos regímenes dictatoriales que se han camuflado y se camuflan como democráticos.

"Come together" era entonces el tema de campaña del pseudo democrata que exhortaba a la gente a unirse a su alrededor con el slogan "Todo lo que puedo decirte es que tienes que ser libre" y mostraba veladamente a algunos de los "ilustres" miembros del "partido". A continuación, "Something" de L'Angelo Misterioso planteaba la cuestión desde la perspectiva de los electores: "Algo en su forma de moverse me atrae como nadie... algo en su sonrisa", etc. Luego, en "Maxwell's silver hammer", McCartney proporcionaba la imagen de la violencia subyacente en esta clase de movimientos pseudodemocráticos: Violencia irracional e incomprensible que primero arremetía contra la ciencia y la "cooltura" (Joan "estudiaba" Patafísica), después contra la academia y finalmente, ya con el favor y el fervor de la gente que hace referencia al slogan inicial cuando dice que dejen libre a Maxwell, contra el poder judicial, instituciones todas que eran considerados "monstruos sobrenaturales"; de otra forma no se explica que el personaje al que hace referencia el título de la canción deba ejecutar a sus víctimas con un instrumento de plata; todo en el marco de una melodía de lo más inocente, una de las canciones más violentas en la discografía de los Beatles. En la siguiente canción,"Oh darling", también de McCartney en una de sus interpretaciones más vibrantes, se asume nuevamente la perspectiva del pseudo democrata que, ante los atisbos de violencia, exclama que sería incapaz de hacer daño a sus gobernados y que sin ellos no lo lograría. Ringo remata la faena con su "Octopus' garden" con las vanas promesas de vivir bajo el mar y mirar los "jardines" de los pulpos en un clima de felicidad total: Ese sería el futuro diferente. Una metáfora más de las promesas populistas de los dictadores y de los "dictablandos". Finalmente, con "I want you (she's so heavy)" el punto de vista del pueblo retorna, convencido con las promesas del pseudo democrata y admirando su oposición al "viejo orden", manifestada en "Maxwell's silver hammer", se pliega totalmente a él: NO CIENCIA, NO ESCUELA, NO LEYES. Ello, más la promesa de la felicidad y una así llamada "libertad" los hace regresar a un estado primario: No pueden más que repetir que desean al, podemos llamarlo ahora así, "lider"; todavía pueden intuir que este deseo no es racional pero no importa. El riff final que se repite una y otra vez expresa la marcha del pueblo hacia el nuevo "lider", sin embargo, poco a poco va a ganando una especie de ruido blanco que se infiltra y mezcla con el riff principal hasta que es cortado abruptamente como un prueba de que el "lider" tiene el control total.

En este punto, concluye la antigua cara A del album.

La segunda parte a continuación

La foto es la de la portada de mi disco de vinilo escaneada antes de que se pusiera amarilla porque como un imbecil la puse en mi ventana más de una semana en época de calor.

¿Summer of the '69? No, invierno del 69 - Segunda parte

George tal vez en alguna de las sesiones del album ¿será?

La cima y ¿la caída?

La primera parte, arribita

Cuando se inicia la segunda parte del disco, el lider ya está en el poder tras "un largo y frío invierno" (que representa al antiguo regimen). Es el sol que llega a eliminar la "oscuridad" que ha reinado hasta entonces y "está bien". No resulta casual que la siguiente canción, "Because", se inicie de una manera similar a "I want you (she's so heavy)" pues nuevamente el pueblo está poseído totalmente por la personalidad del lider; no pueden dejar de expresarse de la forma más sencilla posible: Todo ocurre simplemente PORQUE SI. Sin embargo, paradójicamente, "You never give me your money" muestra al lider "real" que empieza a reclamar a quienes nunca le dan su dinero y le entregan "papeles raros" en vez de eso. Con ello no sólo pide el pago de impuestos a quienes de hecho los pagan sino también a aquellos que, como una especie de exoneración, entregan los documentos necesarios para no tener que hacerlo. Al lider no le interesa ya eso pues quiere dinero de todos. No obstante, no va admitir control alguno, no va entregar ningún estado de cuenta, sólo mencionará cómo va la situación porque las investigaciones al respecto le enferman. Tras mencionar esto, el lider recuerda su juventud de despilfarro y la compara con su situación actual: "un dulce sueño que se hizo realidad hoy". La frase final no es clara, hay quienes piensan que la numeración y la mención a los "buenos chicos" que se van al cielo, se refieren a que los jóvenes , siempre los jóvenes, que protestan contra el regimen están siendo asesinados o silenciados, lo que se hace claro con el sonido de los grillos que se escucha al final del tema, pues, fuera de ellos no se escucha más en la noche. Se ha dicho que esta canción refleja también o transparenta la situación del grupo en ese momento, envueltos en discusiones sobre asuntos de dinero y de control sobre los negocios de la banda; fuera de la música, lo que los rodea resulta ser una dictadura, la permanencia en el grupo y todo lo que conlleva (Allen Klein, Apple, las regalías, los fans, etc.) es una dictadura y de continuar así van camino a perder o a olvidarse de su individualidad. "One, two, three, four, five, six, seven" cuenta la canción; siete (seven, 7) han sido los años de la existencia del grupo como tal (incluyendo a Ringo), es decir de 1962 a 1969, y tras "All those years ago" todo lo bueno que podría haber en ellos está muerto (en el cielo y no sólo Paul McCartney).

"You never give me your money", tangencialmente, es la única canción que habla de manera clara de toda la situación y con ella se inicia el potpourri o medley por el que es conocido el disco. Los hechos, pues, se suceden sin pausa: "Sun king" tiene al principio una reminiscencia musical de "Don't let me down" ("no me abandones") quizás como un pedido inconsciente al lider, a quien se le sigue mostrando veneración pero ya sin el entusiasmo presentado en "Here comes the sun", a pesar de que las palabras iniciales son las mismas. El lider se consagra al poder absoluto, es el "Rey sol", y la gente sonrie, la gente dice que es feliz; de las expresiones primarias a las que se había llegado se pasa a la confusión de lenguas, al sinsentido, entonces es cuando el regimen llega a su mayor nivel de depravación: La perversidad, la tacañería, el nepotismo, el robo y finalmente la violación de toda privacidad (representada por el lugar más privado de la casa: El baño). Es la corrupción más absoluta. En este punto se produce otra transparencia con la realidad del grupo porque "She came in through the bathroom window" cuenta algo que efectivamente le ocurrió a Paul McCartney y es una muestra más de esa "dictadura", esta vez de parte de las fans.

La podredumbre del regimen ha ido muy lejos y ya no cuenta con el apoyo del pueblo que ve todo como un mal sueño. Por eso en "Golden slumbers" lo que se quiere es regresar; los padres, en el momento más conmovedor del album, les dicen a sus hijos que los sueños dorados llenaran sus ojos por lo que deben dormir para no vivir más esta pesadilla; a partir de ese momento ya no hay más apoyo al lider al que se le advierte que llevará el gran peso de sus actos por mucho tiempo.

El lider entonces toma la palabra nuevamente para excusarse de participar en las celebraciones hacia su persona porque "su" pueblo lo rechaza. Finalmente, el hartazgo se manifiesta en la pregunta delirante de si el lider va a llegar al extremo de estar en sus "sueños esta noche" para ejercer su control y represión a cada uno de los ciudadanos incluso cuando duermen. La respuesta viene a través de actos y palabras: Los actos se refieren a la ejecución "en la realidad" de un segmento por cada integrante del grupo, lo que representaría la idea de la democracia en igualdad y fraternidad. Las palabras son aquellas con las que "termina" el disco: El amor que tomas es igual al amor que haces. La respuesta está, pues, en el amor (como siempre). Este es el fin.

Pero todavía queda "Her majesty": Se trata de una pieza que se coló al final como un malentendido; también era parte de los temas que daban cuenta de la corrupción del regimen pero fue descartado previamente; en este caso presentaba al lider como un ebrio pederasta . Una viñeta que se corta rápido para no hacer más largo el asunto o porque al igual que la presencia del tema en el album, se trató de un malentendido.

Sobre la portada


Al disco por motivos de comodidad se le dejó de llamar "Everest" para convertirse en "Abbey Road", los estudios donde los Beatles grabaron la mayoría de sus canciones. Abbey Road es también el nombre de la calle que aparece en la portada. El cambio sirvió para demostrar que los hechos de una dictadura pueden ocurrir en cualquier lugar y que no se trata de sucesos extraordinarios (no a la manera de la montaña más alta de la Tierra). Ya que no tuvieron que emplear mucho dinero para movilizarse hacia la locación para la foto de portada, los Beatles trataron de dejar un mensaje claro en ella, que no está relacionado con la muerte de Paul McCartney, a través de su vestimenta: La idea es seguir al lider, John con su traje blanco representa a la Iglesia; Ringo a continuación con terno oscuro, a los empresarios (los white collar); Paul, menos formal y descalzo a la "intelligentsia" que , demagógicamente, muestra que tiene los pies en la tierra; y finalmente, George, vestido de azul, representa a la clase trabajadora y al pueblo en general (los "blue collar" en inglés). El cruce de la calle se hace por un crucero peatonal para dar a entender que lo que prima en una dictadura es el orden. Hay que notar que en vez de ir hacia el horizonte, lo que se aprecia al fondo de la foto, están truncando el camino, lo que transmite que las dictaduras no son un paso hacia el futuro sino uno al costado. La foto incluye también un Volkswagen blanco aparcado que representa al pueblo (Volkswagen significa "carro del pueblo") y sobre éste la célebre placa LMW 281F (no 28IF, como algunos quisieran ver). El significado de ella está en discusión, LMW pueden ser las iniciales de la frase "Leader and Master of the World" o "Lord and Master of the World" y el 281F si sumamos las cifras (2 + 8 + 1 = 2) sería 2F o si consideramos a F también como un número (6), la suma total sería 8, lo que en la numerología representa el Poder. Para la numerología básica específicamente 2 es balance, 8 es poder, 1 es agresión y 6, reacción. Los números pueden representar una sucesión: Al balance (2), le sucede el poder (8), que usa la agresión (1) y entonces crea una reacción (6) que resulta ser una Falta o Falla (F, Fault en inglés). LMW puede ser también una sucesión que representaría el camino de la banda hacia el estrellato: Liverpool, Mainland (el continente, europeo o americano) y the World (el mundo). No hay ningún acuerdo en todo esto y es posible que al final sea sólo un juego para que uno se deje esclavizar por él en la búsqueda de un sentido, como una dictadura.

¿Por qué no se sabe nada de esto?

Porque a fines de ese año, Mario Vargas Llosa publicó la primera de las novelas sobre el dictador, "Conversación en la Catedral", así que ¿ya para qué?

Colofón: Cajón de juguetes

Uno de los amigos de "Stairway to heaven" subió "Last Year" un par de discos con demos y otras tomas del album, éste es el enlace.
Si alguien quiere escuchar el album, busque la versión del Dr. Ebbets en el blog de octaner, pues las versiones oficiales no están remasterizadas hasta ahora.

La foto de George Harrison es el "escaneo" de la fotocopia de una revista argentina que no sé cómo se llamaba. Sé que la foto es de 1969 pero no sé nada más. De la misma revista es la foto que está aquí

Dos minutos de silencio por la hojita del calendario que tiraste a la basura: La trilogía ociosa 1968-69

NOTA: Tuve que eliminar todos "mis" enlaces porque mierdafire los eliminó todos

Versión Single (radio edit)

El primero que vino con la intención de hacer una trilogía de "soy un artista y hago lo que me da la gana" fue Frank Zappa; por supuesto yo hablo dentro del rock o el pop, ya sabemos que en estos "géneros" los "artistas" (o sus fans) se proclaman en ser primeros en algo que, en general, seguramente otro hizo hace décadas o siglos. ¿Por qué una trilogía? Porque no hay nada más artístico que una trilogía; alguna vez leí en una vieja Rock de Lux, respecto a unos discos del Lou, que en otras épocas, cualquier artista que se precie de serlo, legaba al mundo una trilogía; se citaba ejemplos como la "Trilogía de la vida" de Pasolini, la "Trilogía de la caballería" de John Ford y la "Trilogía de la incomunicación" de Ingmar Bergman (ches, no he visto ninguna de esas); así que sigo esa idea porque me parece simpática, supongo que mi educación cristiano católica tiene que ver. Así que Frank Zappa fue quien primero lo intentó: Después de ese disco burlón y muy disfrutable llamado "We're only in it for the money" (no voy a poner enlaces aquí porque me da flojera subir los discos y, sobre todo, porque si copias el título entre comillas y la ¿palabra? RAR seguro vas a encontrar el enlace al disco que alguien subió mucho antes de lo que yo hubiera pensado no hacerlo) hizo un disco solo, es decir sin los Mothers of Invention o, mejor dicho, a su nombre, e instrumental llamado "Lumpy Gravy"; o sea, para quienes esperaban un nuevo WOIIFTM (por sus iniciales), lo siento pero "soy un artista y hago lo que me da la gana", claro que "Lumpy Gravy" tan tan alejado de WOIIFTM no está. El primer tema de la "suite" de la que fue la "cara A" es muy divertido y de hecho hay un tema de aquel disco en versión instrumental en éste.

Zappa continuó su "trilogía" con "Cruising with Ruben and the Jets", esta vez con el apoyo de los Mothers of Invention; este disco sí es considerado una especie de alejamiento respecto a WOIIFTM porque se trataba de un conjunto de canciones doo-wop. Todo iba muy bien hasta allí, Zappa ya había publicado tres discos en un año (ésta era la trilogía que necesitaba), así que podía parar la mano un poco. Entonces, mientras eso ocurría, el pesado de Bob Dylan publicó un nuevo disco en abril de 1969: "Nashville Skyline" (horrible, no me gusta) donde canta con voz nasal, distinta. mmm, su disco de FINES DE 1967, "John Wesley Harding" (bonito, sí me gusta, me encanta, uno de mis favoritos) fue el primero grabado después de su accidente en moto y también era distinto, ya eran dos y había comenzado antes. PERO, además, el pesado de John Lennon y la odiosa esa de la Yoko Ono (en aquel entonces no tan odiosa, supongo) a fines de 1968 y, al ratito nomás, en mayo de 1969 había publicado una serie de discos (eran dos, todavía) que llevaban al extremo el concepto de la trilogía, hacían lo que les daba la gana y eran bastante obvios a diferencia de los de Dylan y Zappa. Dylan ya le había ganado con lo del disco doble (SI, EL PRIMERO QUE PUBLICO UN DISCO DOBLE EN EL MUNDO DEL ROCK & POP FUE DYLAN, NO ZAPPA), odioso, pero, un momento, Zappa tenía su trilogía con los Mothers of Invention (1966-68), mmm, claro que Dylan tenía su trilogía rockera (1965-66), AAAAHHHH y su trilogía de cantautor folk que se inició con "The Freewheelin'" (el primero no cuenta porque la mayoría de canciones no es de Dylan) y con concluyó con "Another side..." entre 1963 y 1964. GRRRR! Con estos hechos en mente, a Zappa no le quedo otra salida más que razonablemente decir: ¡Ah, no, ya no quiero hacer nada!

Así, facilito nomás, John y Yoko concluyeron su trilogía "soy un artista y hago lo que me da la gana" con "The Wedding album" antes que los otros. El tío Bob ya tenía suficientes trilogías pero una más no le iba a hacer daño, así que concluyó la suya poco tiempo después con su muy criticado, a mí no me desagrada, "Self portrait".

Claro que luego vino "New morning" que creó la trilogía de la tranquilidad con "John Wesley Harding" y "Nashville Skyline", pero esa ya es otra historia. Aquí ya hay demasiados datos y esa no es la nota.

Versión demo

Estoy aburrido y como estoy aburrido voy a poner los enlaces para que el que quiera se baje los tres discos que "hizo" John Lennon con Yoko Ono antes de que los Beatles terminaran de separarse; se suponía que iba a dar 120 golpes a la barra espaciadora como una representación visual a manera de "cover" del "tema" Two minutes silence que está en el segundo disco, pero no tengo ganas.

Hace algunos meses ofrecí, bajo el alias de Masked and Anonymous, los enlaces en la web Stairway to heaven además de una breve explicación, en inglés (deficiente, supongo):

también está Some time in NYC por ahí pero de ése hablaré, si tengo ganas, más adelante.
(de hecho el único que funciona ahora es el de la versión en studio de Some time in NYC)

1968 Unfinished Music No.1 - Two Virgins

Como digo en Stairway to heaven, es una pieza más coherente que RevolutionN°9 pero creo que ésta última suena más "musical". Durante los primeros minutos la unidad la otorga una tonada silbada que no tiene nada de especial. Debe ser la clase de discos que vale la pena de tener en vinilo (contra el CD) aunque nunca se lo escuche.

1969 Unfinished Music No.2 - Life With The Lions
Un disco conchudazo. Seguramente en el primer tema, que ocupaba toda la cara A del disco hay algo que escuchar entre los acoples de Lennon y los gritos de Ono pero los siguientes deben ser de los rellenos más descarados que se hayan hecho. Lea la reseña en Allmusic y averigüe por qué o "escúchelo", si eso es posible. Dos minutos de silencio por la muerte de la música que es este disco. "Música" interminable de escuchar.
El enlace es al blog de Julio porque yo nunca he tenido suerte con los archivos que he subido de este disco.

1969 The Wedding Album
Fuera de lo "musical" de éste podría decirse lo mismo que del primero. Se podría hacer, si es que no se ha hecho ya, todo un ensayo sobre el primer "tema" (John & Yoko) . Algo así como que para el ser enamorado lo único que vale la pena expresar es el nombre del sujeto de nuestro afecto... por más de 20 minutos sin pestañear. Todo un souvenir.

Mejor información en wikipedia pero más interesante sobre estos y otros discos de los Beatles, juntos y por separado, aquí

Como no tenía ganas de colgar fotos que cualquiera podría encontrar en la web gracias al buscador de imágenes de su preferencia, he "escaneado" parte de un afiche que vino con una revista que fue lanzada en España poco tiempo después del asesinato de John Lennon. Ya está viejita la foto.

¿De qué tengo ganas? Ahorita, de nada en realidad.

Antes de que la falange nos devore

Uno de mis capítulos favoritos de Aeon Flux (una de mis series animadas favoritas, supongo que en youtube se podrá ver, me da flojera buscar) y que suelo citar cada cierto tiempo (¡mentira! creo que sólo lo he citado un par de veces) es uno en el que Aeon entra a una especie de base de Trevor Goodchild donde un científico medio moribundo, que Trevor retiene no sé de qué manera, ha desarrollado un organismo que recuerdo en el doblaje llamaban "La falange"; este organismo se expande y comienza a absorverlo todo, lo único que puede detenerlo es una especie de bastón que al juntarse con una llave disuelve al organismo, una gelatina "líquida" que desintegra todo lo inerte y a los organismos vivos deja en estado de suspensión. Aeon va con la "novia" del científico a rescatarlo, creo que llegan a estar en la plataforma de salida pero, me parece, por una torpeza de ella, no tienen el bastón o la llave, así que tiene que regresar; Trevor Goodchild ya está allí y acepta el abandono del lugar; se ofrece a esperar a Aeon pero mientras ella regresa, el científico muere y como las salidas sólo pueden ser por pares, creo o estoy inventando, le dice a la novia que ya no pueden esperar y que Aeon se quede "a su suerte". Cuando Aeon regresa la "falange" ya ha invadido casi todo; Aeon tiene que hacer hasta los malabares que nunca quiso hacer para llegar a la parte alta del recinto donde la falange aun no ha llegado, se cuelga de una baranda, tiene la llave pero no el bastón, creo, la cosa es que lo que no tiene está cerca pero no al alcance de sus manos; mas, la falange no piensa ni tiene sentimientos así que rapidito nomás llega hastra allí, sin embargo, no es aquella bajo sus pies sino una parte de ella que surge de la parte superior (tal vez lo esté confundiendo todo e Aeon se resbaló o la baranda se rompió cuando trató de alcanzar el bastón) que deshace la baranda y deja caer a Aeon hacia la falange principal donde queda suspendida, aun viva como para ver que la llave y el bastón estuvieron a punto de juntarse ante sus ojos. Estuvieron, ya dije.

Me gusta citar ese capítulo por eso último, por las oportunidades que pierdo y que espero que el "destino" recupere por mí vanamente; aunque ahora lo menciono por lo que me está pasando con mediafire que está que me borra los archivos no sé porqué. Es decir, como aquella "falange" lo está deshaciendo todo. Sin embargo, supongo que mediafire está funcionando conmigo, y con toda la gente a la que le pasa lo mismo, de idéntica manera a la mía cuando me bajo esos archivos sin preguntarle al artista si me los puedo bajar. Así que pase lo que tenga que pasar.

Supongo que es el adios para volver a subir archivos a mediafire porque está borrando todo lo nuevo. Como me gusta decir: Fue bueno mientras duró.

Falsa alarma de auto (molesta alarma)

"Todo esto me da asco. Un gesto. No volveré a escribir más."
Desde hace años sabía que eso fue lo último que escribió Cesare Pavese en su diario pero me acabo de enterar que entre "asco" y "un gesto", Pavese escribió: Non parole, lo que normalmente es traducido como "No palabras". Digo, ¿no podría ser como en inglés y ser "sin palabras"? Tal vez, debe ser que no he buscado suficiente. La verdad, o no (soy muy flojo para buscar y perdón por el paréntesis pero otra coma ya era demasiado), desde hace tiempo no tengo ganas de escribir, ni de "expresarme" ni nada; no creo haber llegado a lo del asco pero es como si no valiera la pena o que valiera la misma pena que no hacerlo. La idea era que me saliera algo "bonito" de esto pero ya no me ligó; me siento tonto diciéndolo pero es la verdad (¿acaso, eso basta para que sea dicha?) igual, lo voy a dejar aquí porque no tengo otro sitio donde dejarlo o porque soy vanidoso y superficial. Y cínico. BaCínico.

¿Será que simplemente borré la frase "no palabras" de mi memoria? Sospecho que lo hice porque, según yo, si elimino esa frase, la "idem" suena mejor; es que prefiero lo que va en grupos de tres que de cuatro aunque no tengo un ejemplo con qué demostrarlo (ni las ganas de buscarlo). Sin embargo, esa presencia que ausenté tiene sentido en la frase porque es un anuncio de la inutilidad de las palabras, de la desconfianza hacia ellas; "no palabras" es "las palabras no me sirven por eso voy a hacer un gesto" o como otros traducen: Un ademán (no hay palabras en la web para demostrar esto). Pero como todo siempre es más complejo pues resulta que nosotros no sabemos qué gesto es ése, en el papel es un fantasma y los fantasmas en el papel no asustan, a menos que se diga que efectivamente era un fantasma. Quizás el gesto era no escribir más, quizás el diario acababa después del punto tras un gesto. Por lo que recuerdo, Pavese se quitó la vida con pastillas; una muerte lenta y silenciosa, supongo, ¡qué sé yo de la muerte! ¡y de la vida! "No volveré a escribir más" es, entonces, el grito de aquel gesto, el fantasma gritando BUUUUUU y se desvanece, alguien sopla una vela, y se apaga. Aquel personaje Dennis Hopper dice: Now, it's dark.

Now, it's dark.


outtakes: La doble traición, los dobles dos puntos: Del gesto que en el papel como todo fantasma no sostiene nada y la de uno mismo que necesita de las palabras para decir que no sirven. La palabra termina siendo esa madre a la que uno dijo que no volvería jamás y bueno, pues, sí, regresa, le toca la puerta y todo eso. La madre palabra nos recibe bien, no hace escándalo, todo vuelve a estar exactamente igual. Traidor, traidor, maldito traidor...

Qué huevada, lo único que recuerdo de ese libro, y mal, es la última frase; y de hecho, no debo haber leido más de un 1;. Así que estoy hablando huevadas; Y no creo que lo lea en mucho tiempo. ¿Por qué? Porque soy predesdigitador ¿Qué? Ya sé, ya sé, una vez un poeta ya fallecido, también, me dijo ¿Por qué dices predesdigitador cuando quieres decir adivino? ¿No te das cuenta de lo de "digitador"? Las manos... sí, sí, soy adivino.
Mas hubo una época en que se me dió por leer a Pavese; empezaba a ir por la plaza Francia y por Quilca, cuando los vendedores estaban en el boulevard; no me gustó que sacaran a los vendedores de revistas de Wilson, perdí a mi proveedor de fascículos de Historia de la música rock de Jordi Sierra i Fabra, nunca supe a dónde fue; me compré dos libros: El de la colección Brughera en la que venían dos novelas "De tu tierra" (que hay quienes traducen como "Tus paises" porque el original es "Paesi tuoi") y "El camarada", y el de una pequeña colección de Salvat que era la novela "El bello verano". De ellas solia decir el cliché de que eran novelas en las que no pasaba nada pero que en realidad sí pasaba. Ahora diría algo así como que son como, como, como, como, y otro como más por si acaso, cortesía de JB, el imitador, una cosa "ambient" o como el día al amanecer.

El ancho de banda aguanta todo. Now, it's dark.

Well, i'm beginning to see the light, el ruido blanco de una falsa alarma de auto en un amplio estacionamiento de autos casi vacio, que por ser falsa no molesta.

Fab one, two, three, four! - 1969 Plastic Ono Band - Live peace in Toronto

Pero antes John Lennon fue con la Yoko Ono a Toronto a presentarse en un concierto con la primera formación de la Plastic Ono Band con Eric Clapton, Alan White y el "sempiterno" Klaus Voormann. Creo que hace como quince años vi el concierto por TV en un canal de UHF (27 o 33, no recuerdo cuál, era uno que pasaba espectáculos o documentales completos; ahora se diría dvds); ya estaba bastante interesado en los Fab 4 así que me soplé buena parte del concierto. Sin embargo, cuando me interesó de verdad fue cuando conseguí un casete pirata de parte del primer disco de la caja de discos llamada "Lennon"; no venían todas las canciones que debían estar pero si estaban las dos primeras que también son las primeras canciones del disco del concierto: Blue suede shoes y Money. Recuerdo que mi hermano Leonardo, a quien también le gustan los Fab 4 y que estuvo mirando el concierto conmigo, dijo que le gustaba más está versión de Money respecto a la de With the Beatles; es que a él la etapa de 1962-1965 no le "prende" mucho. Yo prefiero la de With the Beatles pero esta versión, y especialmente la de Blue suede shoes, están cantadas, lo siento más que lo pienso, con mucho cinismo. ¿O será que las naúseas, el buitre que se le quería escapar entre los labios, le hizo sonar así? De repente. La cuestión es que me gusta "Blue suede shoes" y más en la parte donde dice "Puedes quemar mi casa, robar mi auto, tomarte mi licor de una vieja jarra de jugo, has lo que quieras, pero ah-ah, querida, suelta mis zapatos, no te atrevas a caminar con mis zapatos de gamuza azul, puedes hacer lo que quieras pero suelta mis zapatos de gamuza azul" .
Sí, señor. ¡Viva la paz!

Live peace in Toronto - primera parte
Live peace in Toronto - segunda parte

Ya habrá tiempo de hablar de Yoko pero esta vez lo suyo es un desastre.
De casualidad encontré está página con información interesante del concierto

No es berdad: Miércoles 11 de julio de 2007: Un nuevo enemigo tú tenías que ser

uuuyyyy, todavía falta.

Actualización 05/10/2008: ¿PARA CUANDO LA REEDICION DE "PASAN LOS DIAS"?

Sindrome de Lima: 15 de abril de 1970

¡SE DISOLVIERON LOS BEATLES!
Se disolvieron los Beatles.
Se disolvieron los Beatles, tengo ganas de llorar.

Siempre quise decir eso. Siempre desde hace algunos años cuando no tengo nada mejor que pensar. Qué malo soy buscando que no encuentro la foto del periódico donde apareció la noticia de Paul que los dejaba.

Fuera de eso, no sé por qué digo aquello y me acuerdo del libro "Vida y muerte de Javier Heraud" que escribió su hermana Cecilia y que fue el primer libro que leí apasionadamente después de ingresar a la universidad años ha. No tengo ahora las palabras precisas para hablar de ese libro que debería conseguir para volver a leerlo; o no leerlo pero tener la libertad de poder hacerlo cuando y como yo quiera. ¿Qué será? Será que cuando leí aquel tomo de las "Poesías completas" editado por Peisa dentro de su "famosa" (es decir popular, pero no ahora ¿entonces?) colección Cultura Peruana, más precisamente y siempre que diga "más precisamente" estaré haciendo referencia a "Exacta dimensión" de Juan Gonzalo Rose (Rose, no Rous como dijo alguien en un concurso de oratoria del colegio) , vuelvo a decir, más precisamente, la sección de las cartas, se me ocurrió que la vida de Javier Heraud hubiera sido muy diferente de haber llegado a escuchar a los Beatles.

Ay, es el síndrome de Lima.

La berdadera historia de John Cale (capítulo 3): Los chiflados

¿Los chiflados? ¿Los tarados?

Arty. Así llamaron Iggy Pop y el resto de la banda a la labor de producción de John Cale y con ello justificaron el hecho de que su primer disco no haya podido captar la fuerza en vivo de la banda. Sin embargo, todo había resultado como ellos lo habían planeado porque lo que querían era un album que desde un principio resumiera la historia de la banda. Para qué esperar que pasen los años, se hagan viejos, aburridos y ya no tuviesen ganas de hacerlo si ahora que eran jóvenes podían hacer un disco que condensara su historia, un trabajo a la vez premonitorio y que les sirviera como un mapa temporal para el futuro.

El primer disco de The Stooges fue eso y la primera prueba es el nombre del disco: The Stooges; ¿qué otro nombre puede tener un disco que cuente la historia de una banda si no es el nombre de la misma banda?.

El primer tema es la segunda prueba: 1969, el año en que la banda grabó por primera vez, el inicio. Definitivamente, tenían las cosas bastante claras. El segundo tema, I wanna be your dog, la gran canción del disco, representaba su instante de gloria, sus menos de tres minutos de fama (que no fue fama, en realidad). Sabían que eran realmente buenos, por eso presumieron que su momento llegaría casi al inicio, no con el primer album - por eso 1969 no es la mejor canción del disco - sino con el segundo - Funhouse (1970) que, efectivamente, todos reconocen como el mejor disco de la banda. Luego vendría la caída. ¡Dios! Este grupo no sólo fue visionario por la música que hizo sino porque sabía que luego de su segundo disco se iban a venir abajo, por eso el tercer tema, la larga letanía de más de diez minutos ¡se llama WE WILL FALL!

Pero, como estaban seguros de que eran muy buenos se hicieron adictos a la heroína. Mejor dicho, Iggy Pop se hizo adicto a la heroína y luego indujo al menor de los Asheton, el baterista del grupo, al vicio. El grupo se estancó durante, apróximadamente, dos años, tras lo que resurgieron nuevamente con la ayuda de alguien externo, que estaría representado por la aparición de John Cale al final del tema. Eso fue un juego de adivinos: Tenían claro que el que los sacaría del hoyo tendría que ver con John Cale, es decir, Lou Reed, es decir, David Bowie. Bowie les produjo el tercer disco que no es Funhouse, por eso la cuarta canción se llama No fun.

Después, vienen cuatro canciones que no son tan interesantes como las anteriores, aunque tienen su gracia; esas canciones son representaciones de cada una de las cuatro décadas siguientes. Sin embargo, había algo que la banda no sabía o tal vez sí, ¡por eso es que la portada del disco es como es! No era la historia de la banda, ¡ERA LA HISTORIA DE IGGY POP! Los setentas: Real Cool time (los discos más famosos de Iggy: The Idiot y Lust for life), los ochentas: Ann (su canción más popular, Candy, es de 1990 , que matemáticamente forma parte de esa década), los noventas ( Not right, no recuerdo nada relevante de esa década) y el futuro indeterminado: Little doll (Iggy Pop payaseando en los premios MTV de Latinoamérica). ¡WAU! ¡Qué tipos más visionarios! Y quiérase o no, el centro del disco es We will fall que, como ya dije, es el tercer tema (de ocho) lo que explica la desigual producción de la banda y el hecho de que la caída haya sido una constante en su historia.

El problema de la producción de John Cale también estaba incluído. Los más conocidos discos de Iggy Pop y la banda han adolecido de ello. Además del primero, el que les produjo David Bowie, Raw Power, en 1973 y los que produjo el mismo Bowie en Berlin para Iggy hacia finales de los setenta: The idiot y Lust for life. ¿Habrá sido Cale parte de este soberbio plan?

La portada escalonada, ya lo he mencionado, también formaba parte de este plan maestro y de una manera macabra porque indica el orden de las muertes: Dave Alexander murió primero y es el que aparece arriba, tal vez sigan los hermanos Asheton y el último que quede sea Iggy Pop. Aunque, ya sabemos que nada está escrito, como se decían en El Exterminador: El destino lo hacemos nosotros (por eso se hicieron adictos a la heroína, para asegurarse que lo escrito - cantado - se cumpliera).

Y nada fue dejado a la casualidad, si John Cale produjo ese disco fue para que todo el mundo estuviera seguro de la conexión con Velvet Underground, sin importar cuales fuesen los resultados... que es un decir porque ellos ya sabían cuales serían.

Existe una última prueba respecto al caracter premonitorio de este disco y es el nombre con el que figura Iggy Pop en el reverso de la portada: Iggy Stooge. Eso demuestra que la historia de la banda era indesligable a la de Iggy Pop; si la banda se separaba, Iggy Pop seguiría con la historia que ya estaba narrada en ese primer disco. A pesar de que después él haya dicho que eso del nombre fue una idea de Danny Fields que el resto de la banda no aceptó, a raíz de que Fields, según Iggy, encontró a toda una banda que la aceptara: (The) Ramones.

versión deluxe rematerizada disco 1
versión deluxe remasterizada disco 2

Este disco también lo conseguí gracias a mi amigo César Bedón, quien me pasó la versión deluxe y remasterizada.

La berdadera historia de John Cale (capítulo 2): El índice de mármol

El índice de mármol (1968)

Fiesta infantil en el bosque; más precisamente, en la entrada del bosque, donde la vegetación es todo césped y el conjunto de grandes árboles todavía está lejos. Una mesa de madera en el centro de la escena donde se encuentran todos los bocaditos y confites; alrededor las tías y las mamás conversan sentadas sobre bancas tan largas como la mesa, mientras los niños juegan o dan vueltas cerca pero sin aproximarse al bosque 'que puede ser peligroso' o 'cuidadito que ya vas a ver cuando regresemos a la casa'. Deben ser las cuatro de la tarde cuando llegan quienes van a amenizar la fiesta. Ambos están vestidos de negro, se supone que él debería tener un corte de pelo estilo beatle que no le queda nada bien pero vamos a suponer que tiene aquel peinado pero no los bigotes ni la barba que Lou Reed dijo que le daban un aire mefistofélico (¿mefistoqué? preguntó su ocasional interlocutora); examina sólo con movimientos de su cabeza cada uno de los cuadros que forman la escena fuera de la suya: Los niños jugando o dando vueltas, las madres y las tías conversando sobre los traviesos que son sus hijos y la hermosa casa que se vislumbra bajo la loma en que se encuentran; hermosa casa, sí, vaya que lo es. Pero nadie puede saber qué es lo que está mirando exactamente porque oculta sus ojos con unos lentes oscuros o ¿es que aquellas lentes son sus ojos? Carga un violín; en realidad, es una viola pero yo no sé reconocer la diferencia. Una vez que se aburre de mirar dirige su vista hacia su acompañante. Ella no está vestida de negro pero hay algo bastante oscuro en ella que hace díficil no pensar o recordar que negro no era el color de su vestimenta. Igual, no es que sea una mujer muy hermosa pero cuando le pregunten a quienes estuvieron allí, ellas y ellos dirán que lo era. No parece mirar hacia ninguna parte y ahora que lo pienso eso no es lo que importa porque no importa tanto lo que ella mire sino el no poder dejar de mirarla cuando uno se da cuenta de su presencia. Por eso, ella ha bajado un poco su intensidad, está casi transparente, para pasar desapercibida. Supuestamente ella lleva un armonio, sin embargo, nadie la vió cargando nada; el instrumento simplemente apareció allí, delante de ella. Cuando se da cuenta que él la mira, se hace menos transparente, sube un poco su intensidad y mira fijamente a alguna madre que parezca estar aburrida de estar allí. La madre siente un toque helado en su cuerpo y la mira; entonces ella le hace una venia que, sin que estuviera pactado, le indica que van a empezar:

El atardecer ha iniciado: La música de The marble index (a menos que no tengas nada que descargar en rapidshare o que tengas una cuenta premium, o sigues leyendo o vas al último párrafo) es la foto de su portada y su portada es la música del disco. ¿No es una portada maravillosa? Para tenerla como afiche gigante y ponerla frente a nuestra puerta para que cuando la abramos reciba a nuestras visitas. Hablando de eso, si visitan el buen sitio creado en torno a Nico creado, supongo, por un fan francés pero en inglés y acceden a la página sobre este disco se enteraran que si bien Cale no lo produjo, toca casi todos los instrumentos. Eso era parte de un plan en el que John Cale iba a participar en éste y los dos siguientes discos de Nico para convertirla en una artista con trilogía. Como todos sabemos no hay nada más apreciado en el mundo del arte que un artista con trilogía; cuando Lou se enterara se iba a poner como el demonio ¡Cómo era posible que la Nico esa tuviera una trilogía y él no!

(lo que sigue lo puse para completar la idea pero no me gusta mucho)

¿Qué pasó en la fiesta? Lo de la fiesta es en realidad la cara 2 del antiguo disco de vinilo porque la 1 no me gusta mucho; no me gustan dos de los temas que aparecen en el recopilatorio "Classic years": No one is there y Ari's song, que son el tercer y cuarto tema de la cara 1; La cara 2 son él y ella que empiezan a tocar su viola y su armonio respectivamente, ante los niños atentos sentados con las piernas cruzadas sobre el césped para escuchar esa música siniestra que los hipnotiza y las madres se miran unas a otras y se preguntan quién diablos los trajo pero ninguna se anima a moverse y detenerlos; algunos niños se aburren y corren hacia el bosque, o antes de entrar en él, porque están en otra frecuencia (modulada) . El día está más oscuro, unas cuantas luces de la casa a lo lejos están encendidas. Es posible que con la mirada dirigida hacia la casa se haya ido hacia allá todos los participantes de la fiesta y sólo hayan quedado Nico y Cale. Cierran los ojos y aparecen en el centro del bosque para cantar "Frozen warnings", una canción en la que inicialmente parecen dar vueltas tomados de las manos sobre el eje de las puntas de sus pies unidos, John rie, y luego resulta que, cuando se detienen, es el bosque quien da vueltas alrededor de ellos. El último tema, el más "Velvet" de todos, es casi la oscuridad que llega finalmente con el último de los bonus track del cd original: Nibelungen. Si con "Frozen warnings" se nos advierte que estamos bordeando los límites gelidos, en Nibelungen ya estamos allí. El cd original incluía una versión a capella de este tema que es, como ya he dicho, la oscuridad, salvo por los momentos en que la voz de Nico surge como una vela en veloz movimiento. Es una oscuridad tan compacta que pareciera aquella de un encierro en el que, a pesar de ser tal, podemos ver lo que ocurre afuera, no necesariamente con demasiado entusiasmo.

Nota:
Frozen warnings y Nibelungen tienen importancias contradictorias en la reciente reedición en un solo paquete, con el nombre de "Frozen borderline", de "The marble index" y el siguiente disco de Nico "Desertshore": El nombre del disco alude a una frase del primer tema que aparece en tres versiones y lo de Nibelungen... pues, lamentablemente el disco omite la versión a capella y la cambia por una versión con armonio. No entiendo por qué no han incluido las dos versiones y tampoco es que sea dos versiones en una porque me parece que no hay separación de audio por canales. "Frozen Borderline" está dividida en dos partes: Parte 1 y Parte 2.

Fuentes: En un sólo archivo he puesto las ediciones en cd originales de "The marble index" y de "Desertshore" que conseguí gracias a mi amigo César Bedón; las portadas de "The marble index" las conseguí buscando en google; en algún momento hablo de una frecuencia modulada, la idea la tomé de un artículo de la revista español Rock de Lux sobre John Cale. Lo de "Frozen Bordeline" lo encontré de casualidad en la web.
Este artículo lo terminé de redactar el martes 5 de junio de 2007

La berdadera historia de John Cale (capítulo 1): Pale Brown eyes (ya sé que es "blue" ¿no has visto que escribí berdadera?)

[Se supone que este texto iba a ser publicado en otra parte pero nunca me enteré de que efectivamente fuera así ; redacté éste y otros textos para que el envío a unos amigos de los mp3 de algunas canciones de John Cale se hiciera divertido para todos... A la manera del Sgt. Pepper, dicen que George Harrison o tal vez John Lennon, alguna vez dijeron que si a la gente no le gustaba el disco, al menos podrían entretenerse con su portada]

Capítulo 1: 1968-1969

Lou Reed echó a John Cale de Velvet Underground (VU) en 1968. Se ha dicho varias veces que ello ocurrió por diferencias en sus formas de pensar respecto al rumbo que debía tomar la música de la banda, pero yo sé la verdadera razón, ocultada por más de treinta años debido a su banalidad reñida con la imagen
"maldita" que ha forjado la prensa y los fanáticos del lider de VU: Lou Reed echó a John Cale porque no le gustó su cambio de peinado. Esa es la pura verdad.

Cale en Providence, Long Island, con el "look" que Lou Reed alguna vez llamó "mefistofélico".

En realidad, el cambio de peinado estaba relacionado con un hecho (más) importante: La boda de John Cale con la diseñadora de modas Betsey Johnson. Lou estaba muy celoso, quería a Cale solamente para él, y, como no quería ponerse en evidencia, le echó la culpa al nuevo corte de pelo de John.

Claro que, finalmente, esta modificación sólo empeoró las cosas porque estar molesto con alguien por un cambio de "look" es ridículo (bueno, depende);
por eso es que se inventó, posteriomente, lo de las diferencias de modos de pensar y demás, es decir, algo muy conveniente para todos. A pesar de eso, lo de Lou no era tan exagerado: Ese nuevo peinado no le quedaba bien a Cale. Se veía mucho mejor, más acorde con el estilo de la banda, con su, a decir de Reed en una entrevista, apariencia mefistofélica de 1966 y 1967. El cambio le dió una
apariencia muy inofensiva como para ser miembro de Velvet Underground, el grupo "maldito" neoyorkino; eso Lou no lo soportó... bueno, eso decía... al principio.

[John Cale y Betsey Johnson ¿cuando todo era felicidad?: El día de su boda. Cale no se ve tan mal con el corte de pelo en estas fotos pero no seve nada malo ni "maldito" como para ser un miembro de Velvet Underground, el grupo más maldito de todos los malditos]

Aparte de la prueba definitiva de que a Cale no le sentaba ese "look" - algo que con el tiempo se ha hecho parte de su forma de ser: usar peinados que no le caen para nada - está el hecho de la fría relación entre Reed y Johnson: Lou no la pasaba, era su rival,pues. Lou Reed nunca reveló sus sentimientos hacia John Cale (hay quienes dicen que Lou se lo dijo a John y que por eso fue él quien decidió marcharse; que Lou haya metido el cuentazo de que él lo botó ya es otra cuestión, pero no hay manera de comprobar esos rumores) aunque supo disimularlos muy bien en una de las canciones más celebradas de la banda (ya sin John Cale): Pale blue eyes. Obviamente John Cale no tiene ojos azules, pero si Reed la llamaba Pale brown eyes hubiera sido muy evidente. Se dijo, y se sigue diciendo, que esta canción estaba dedicada a una mujer...¡Mentira! Estaba dedicada a John Cale y hay varias líneas del texto que lo prueban. Toda la canción tiene referencias implícitas a la relación de Lou con John y en ella Reed admite públicamente por primera vez la gran admiración que sentía por Cale ("te tenía como lo más alto, te tenía como TODO, que tuve y no pude conservar") aunque lo veía como un igual ("si pudiera hacer que el mundo fuera puro y extraño como lo veo, te pondría en un espejo, te pondría frente a mí") lo que para el caso de Lou Reed es decir bastante. Pero si hay una estrofa donde la cosa llega casi a revelación es en la última donde Reed dice: Fue bueno para nosotros el ayer y lo volvería a hacer, el hecho de que ESTES CASADO sólo pruebaque eres mi mejor amigo, pero es un verdadero, verdadero pecado. Con esto, Lou Reed admite el amor que sen tía (y seguía sintiendo) por John Cale y que su colaboración en la creación del sonido de Velvet Underground había sido imprescindible. Lamentablemente, los celos le hicieron olvidar esto y se inició una competencia - que continua hasta hoy - entre ambos músicos, de la que nunca se ha hablado pero que yo descubro (y descubriré)para Uds. hoy (y mañana y pasado). Hay una última y extraña prueba: Sterling Morrison (el tipo guapo de VU y uno de los guitarristas del grupo) siempre ha dicho quesi John Cale hubiera estado en la banda cuando hicieron ese tema, no se hubiera grabado como se hizo. Lo raro es que si escuchamos los temas del primer disco de Cale y, sobre todo, el último que aparentemente grabó con VU (Stephanie says) nos damos cuenta de que cualquiera de ellos resulta másinofensivo que Pale blue eyes. Claro, si Cale hubiera estado, el tema no se hubiera hecho tal como se hizo ¡porque estaba dedicado a él! VU no lo hubiera grabado porque la soberbia de Reed no lo hubiera permitido. Morrison sabía esto, por eso se arrepintió de preferir la unión de la banda a dejar que ésta se disolviera con la partida de Cale (Reed dijo: era él o yo). Sin embargo, para evitarse problemas también se cambió el "look", pero de una manera más suave: Se dejó los bigotes antes deque Lou se dec idiera a llenar con él el gran vacío que le dejaba la ausencia de John; ello le quitó todo el atractivo que tenía y, tal vez por esto, la relación entre ambos se resquebrajó hasta hacerse intragable hacia 1970, fecha enque, finalmente, VU se disolvió. Luego de abandonar a VU, John Cale estuvo medio deprimido sin saber que hacer con su vida (es decir, algo así como yo me encuentro ahora, aunque sin ningún Velvet Underground ni nada anterior que se la parezca... qué curioso, escribí esto hace un año y sigo igual). Mientras se le ocurría, o tal vez graciasa esto, se reencontró en 1969 con Nico, a quien Cale, imitando a Reed (en una clara señal de la admiración que le tenía, él también),
ninguneaba en la época en que cantaba algunas canciones con VU. No tengo idea de cómo habrá sido ese reencuentro - me muero de ganas de saberlo - pero generó el deseo de Cale de trabajar con ella en su segundo album, The marble index. Escuchó sus temas y decidió encargarse de los arreglos. De eso hablaré en el siguiente episodio; mientras tanto, copio aquí el enlace al tercer disco de The Velvet Underground, donde está "Pale brown eyes", perdón, "Pale blue eyes", publicado en el foro del Drink team por el generoso k1ko en el subforo de los 1001 discos que hay que escuchar antes de morir basado en el libro de Robert Dimery del mismo nombre.

Lou: No quiero verlos, están horrorosos.
Sterling: Este disco es nuestra mejor presentación
John Cale: Me siento tan "fashion"
Moe: En serio ¿acaso no soy el "chico" más bonito de esta banda?

Fuentes de las fotos: Las dos primeras tuve que escanearlas de un libro, regular nomás, que tengo sobre The Velvet Underground de Jorge Arnaíz y José Luis Mendoza publicado por Càtedra. Esa pared de fondo de artístico de la primera es, en realidad, las letras al trasluz de la pàgina siguiente a la de la fotografía. Las de Cale y Betsey Johnson las encontré ya me olvidé dónde cuando busque imágenes en google relacionadas a los dos (fueron las únicas que encontré). La de la Velvet la saqué del que, me parece es el sitio web más informado sobre John Cale: Fear is a man's best friend. De hecho, me parece que es la única de las tres últimas fotos en las que a Cale no se le ve bien con el peinado ése. Sé que hay otras pero no las encuentro en la web; tendré que pedirle prestado el libro sobre la Velvet a mi gran amigo César Bedón donde hay una foto con un Cale de perfil que con el peinadito parece la imagen de Maria Antonieta antes de ser llevada al cadalso.