Carta naútica

Escribí hace meses una carta a una revista en respuesta a una columna llena de imprecisiones, como nunca fue respondida o publicada pondré extractos de la misma aquí, con algunas correcciones, y voy a incluir agregados entre corchetes como una especie de nuevo comienzo:

[...]

Antes que nada debo decir que no soy un experto sino un aficionado, mis observaciones están basadas en lo poco que sé y desde eso es que escribo.

[En el artículo se ha elaborado] una contraposición entre el rock hecho en Estados Unidos (EE.UU.) y el producido en Gran Bretaña como si se tratara de dos escenas opuestas y contradictorias. Lo primero que tengo que recordar al respecto es que el rock and roll nació de la conjunción de dos géneros: El Country & Western y el Blues. Este acercamiento fue amistoso y fue lo que le dió al rock su característica de música incluyente y de fusión y es también lo que ha hecho que siga vigente y siempre joven y en movimiento: Su capacidad de incorporar elementos de otros géneros, sin perder su esencia, para seguir adelante. El rock es inclusivo, el rock no excluye ni minimiza, no separa, el rock une.

[El autor ha hablado] luego de los primeros padres del rock y dice que sus canciones “eran todas parecidas”. La verdad no sé qué le hace decir eso. ¿Cuál es la “Hound dog” de Chuck Berry? ¿O la “Tutti frutti” de Bill Haley? ¿O la “School days” de Elvis Presley? ¿O la “Rock around the clock” de Little Richard? ¿O la “Great balls of fire” de Buddy Holly & The Cricketts? ¿O la “Peggy Sue” de Jerry Lee Lewis? Porque si todas esas canciones son parecidas los cantantes deberían ser intercambiables. No se necesita ser un amante del rock and roll de los cincuentas, yo no lo soy precisamente, para poder reconocer que cada uno de esos cantantes, autores e interpretes poseía un estilo particular que lo definía. El mismo Elvis Presley tenía un amplio repertorio de canciones al que no se le puede calificar de indistinto: ¿Acaso “Heartbreak hotel” es como “Jailhouse rock” o ésta es como “Hound dog” o como “Love me tender” o “Hard headed woman”? Si aquella escena hubiera sido tan aburrida y con todas las canciones parecidas, ¿los Beatles se hubieran animado a hacer música o covers de esas canciones? Lo dudo. He mencionado a Jerry Lee Lewis y a Buddy Holly & The Crickets, dos de los muchos nombres que el [autor] ha omitido mencionar, así como [a] The Everly Brothers, Bo Diddley y muchos músicos que estuvieron antes de los Beatles. El caso de Holly con los Cricketts es interesante, basta oir su canción “Peggy Sue” y su sonido oscuro y minimalista para que cualquiera que lo quiera apreciar se dé cuenta del vanguardismo de su sonido que lo une al post punk que aparecería casi 20 años después . 

Buddy Holly y sus Crickets - Peggy Sue (1957)

La decadencia de ese movimiento llegó por razones externas: Un mal manejo de la carrera de Presley, el arresto de Chuck Berry, el escándalo de la boda de Lee Lewis con una menor de edad, la renuncia de Little Richard al rock a favor de la religión y la muerte de Buddy Holly en un accidente de aviación con Ritchie Valens, el de “La Bamba”, una gran pérdida sobre todo porque Holly estaba destinado a ser el gran músico de su tiempo.

A continuación, el [autor] ubica la aparición de los Beatles como la salvación del rock and roll. Los Beatles son mi grupo favorito pero me parece muy injusto que se les adjudique algo que ellos no hicieron solos. Mientras ellos estaban en Inglaterra, en América surgía la disquera Motown, con lo que se llamó “El sonido de la nueva América”, también el productor Phil Spector desarrollaba su legendaria técnica de producción conocida como “el muro de sonido” y el movimiento del folk norteamericano, que luchaba por la igualdad en los derechos civiles, y con Bob Dylan como principal autor, ganaba muchos adeptos. Quizás hubo otros sucesos paralelos, por ejemplo el grupo de compositores agrupados en el Brill Building, entre ellos el matrimonio Goffin-King, [...] pero los que menciono ocurrieron a la par de la aparición de los Beatles y, de hecho, los Beatles no fueron ajenos a ellos. Todos esas circunstancias influyeron en su música: Composiciones de uno de los creadores de Motown, Smokey Robinson, o de Gerry Goffin y Carole King estuvieron en los primeros dos discos del grupo y el estilo y las letras de Bob Dylan fueron una gran influencia en John Lennon principalmente. Por supuesto, la admiración fue mutua y el impacto de los Beatles repercutió en la aparición de nuevos grupos de EE.UU, como los Byrds, que mezclaban las canciones de Dylan con el sonido de los Beatles en “A hard day's night”. Lo de los Byrds no es anecdótico porque fueron el entronque de los Beatles con bandas influyentes en el futuro como Big Star o R.E.M, ambas de EE.UU.

Tomado de la p. 226 del primer volumen de la enciclopedia que dirigió Sierra i Fabra

Dice el [autor] que “el rock como filosofía urbana” es el aporte principal de la invasión británica de los años 60. Eso es muy discutible. La semana pasada estuvo en Lima el periodista y escritor español Jordi Sierra i Fabra, quien a principios de la década de 1980 dirigió la redacción de una monumental “Historia de la música rock” en 100 fascículos. A principios de la década de los 90 se podían conseguir en el Cercado de Lima al precio de un nuevo sol (S/.1.00) y de hecho en alguna tienda en Quilca todavía se pueden encontrar algunos en venta al mismo precio. Para Sierra i Fabra fue muy importante el aporte de la “Beat Generation” de la década de 1950, con escritores como Jack Kerouac, que hablaba de la búsqueda de la identidad propia a través de los movimientos migratorios individuales por los caminos de Norteamérica. Es decir, hablaba de personas, especialmente jóvenes, que abandonaban el hogar paterno para buscarse a sí mismos “tirando dedo” por las carreteras de EE.UU. Sierra i Fabra conecta este movimiento muy influyente con el hippismo, otro movimiento nacido en EE.UU y quizás el más importante de la década de 1960 a nivel juvenil, obviando el movimiento de la lucha por los derechos civiles, por supuesto. La invasión británica fue importante, claro, pero de no haber llegado a EE.UU. y mezclado con todo lo que ocurría allí ¿Qué hubiera sido de ella?

Steve Reich - It's gonna rain pt. 2 (1965)

También dice el [autor] que “el género norteamericano se basa en el espectáculo” y “el británico, en la búsqueda musical” y cita los nombres de Bob Dylan, Janis Joplin, Beach Boys y Jimi Hendrix, como excepciones a esa regla. Esa mirada es muy superficial y no toma en cuenta muchos factores que no necesariamente están relacionados directamente con el rock como género pero influyeron en él. Por ejemplo, mientras se vivía la beatlemanía, en Estados Unidos aparecían los primeros compositores de la corriente académica conocida como Minimalismo que empezaron a experimentar con muestras de sonidos pregrabados, más conocidos como “samples”, y con la música electrónica, que ya había aparecido antes, para repetirlos a distintas velocidades y así crear un estilo que aunque aún hoy puede parecer desconcertante a la vez resulta fascinante para cualquiera que quiera saber hasta dónde es capaz de ir el ingenio de la mente humana al trabajar con materiales reducidos. Compositores como Steve Reich, Terry Riley o, posteriormente, Philip Glass, todos nacidos en EE.UU. son los más importantes de esta corriente que no es ajena al rock por su sonido innovador. Otros, como La Monte Young, con su música repetitiva e hipnótica, influyeron en quizás la banda de rock más extrema de la década, The Velvet Underground. Lo de esta banda es un caso muy interesante: Tres de sus cuatro miembros nacieron en EE.UU. y el cuarto, John Cale, era un galés que fue a Norteamérica becado para estudiar música académica pero se quedó con los minimalistas. La baterista de la banda, Maureen Tucker, era mujer y el compositor principal del grupo, Lou Reed, alguien que podía hablar de lo que sea en sus canciones, desde su supuesta adicción a la heroína, a la espera por su “dealer” de droga, o sobre la vida frustrante de una mujer atrapada en el cuerpo de un hombre, o la esperanza de un hombre en la religión, no había límite en sus textos ni en su música. El aporte de Cale para ello fue de gran importancia pues traía todo lo aprendido de los minimalistas en base a la repetición y el provechoso uso del ruido. The Velvet Underground es la prueba de que no hay contraposición entre las escenas británica y norteamericana pues el encuentro de los estadounidenses con el galés fue totalmente explosivo, dicho esto metafóricamente. En su primer disco participaba además una cantante que no era norteamericana ni inglesa, sino alemana, Nico, una mujer de una voz muy extraña pero envolvente y maravillosa, uno la ama o la odia. El primer disco de Velvet tiene una mixtura de canciones dulces y duras y va desde la ensoñación de un día domingo al terrible estruendo de un cristal roto. Su segundo disco se inclina más por esto último y es en éste donde rompen con todo, no hay en la década de 1960 una canción más ruidosa y con una guitarra tan rabiosa, pero libre, como “I heard her call my name”, ni siquiera “Helter skelter”. Velvet es una de esas contadas bandas que pueden jactarse de cubrir la mayor cantidad de emociones en su repertorio de canciones incluidas en los cuatro discos publicados durante sus tres años de trayectoria. Ya he dicho que mi grupo favorito son los Beatles, pero me es inevitable reconocer el tremendo poder de The Velvet Underground.

The Velvet Underground - I heard her call my name (1968)

Otra banda que no tuvo popularidad pero si un culto, como la Velvet, fueron los Mothers of Invention de Frank Zappa. Zappa unió la influencia del músico vanguardista Edgar Varese, con su peculiar humor y su aprecio y desprecio por la cultura de masas norteamericana, para crear una música que, como la de Velvet Underground, estaba a medio camino entre lo agradable y lo que no lo es, aunque fue por una vía distinta. Se dice que el Sgt Pepper de los Beatles surgió, en parte, por la influencia del muy bello “Pet Sounds” de los Beach Boys y también, por otro lado, del primer disco de los Mothers of Invention, el retorcido “Freak out!”. Zappa, por el contrario, en una muestra de que, para un sector del público, la imagen de rebeldía de los Beatles no se reflejaba necesariamente en su música, elaboró en el tercer disco de los Mothers una parodia del “Sgt Pepper” con todo y portada que se llamó “Estamos en esto solamente por el dinero”. El disco combinaba muchos estilos en una grabación de vanguardia que parecía salida de un dibujo animado loco y juguetón.

The Mothers of Invention - Flower punk (1968)

Descendientes directos de Velvet Underground aunque más agresivos fueron los Stooges de Iggy Pop. Iggy era y es un cantante que es puro salvajismo, capaz de cortarse el pecho con un vidrio en plena actuación, o de vomitar en el escenario; llevó su labor de cantante al extremo de lo “más real” y supo transmitir eso en su música, con sus gritos guturales, mientras su banda no se quedaba atrás en su brutalidad sonora. Tanto él como Lou Reed fueron los héroes de David Bowie, quien se encargó de producir algunos de sus principales discos en la década de 1970. Compañeros de ruta de los Stooges y también precursores del punk estadounidense, el género que devolvió la urgencia al rock, fueron los MC5. Tras ellos surgieron grupos tan explosivos, como divertidos, como los magníficos New York Dolls, Dictators, Patti Smith Group, Television, Ramones, Richard Hell & The Voidoids y muchos más que sólo menciono para no hacer una enciclopedia de esto. Todos ellos influyeron en la escena punk inglesa en un momento de mucha retroalimentación. De allí apareció la New Wave que en Estados Unidos tuvo como máximos representantes a Blondie y los inmensos Talking Heads (otro buen ejemplo de cooperación internacional puesto que el cantante, David Byrne, había nacido en Escocia y su productor principal, el también enorme Brian Eno, era inglés) y como respuesta a ese movimiento surgió la No Wave, otra vez con el aporte del inglés Eno, también en Norteamérica.

James Chance & The Contortions - Contort yourself (1979)

Durante todo ese tiempo, o antes, aparecieron artistas en Estados Unidos que muestran que la búsqueda músical estuvo siempre presente en Norteamérica, como las bandas de garage cuya agresividad prefiguró a los músicos antes mencionados; o los serios, perfeccionistas y estetas Simon & Garfunkel; o los genios y grandes voces del Soul como Marvin Gaye, Stevie Wonder o Aretha Franklin; o los precursores electrónicos The United States of America; o Crosby, Stills Nash & Young con su música madura y de bellas voces que es otra muestra de la cooperación internacional puesto que Nash es inglés y Young, canadiense o los cultores del funk como James Brown o George Clinton, o músicos de jazz de gran influencia en el rock como Miles Davis en discos como “Bitches brew” y “On the corner” o idiosincráticos como Scott Walker con y sin su Walker Brothers y muchísimos más.

Scott Walker - Jesse (2006)

Y no sólo en EE.UU. o Gran Bretaña nacían movimientos de influencia en el rock; en otras zonas del planeta surgían escenas que tarde o temprano encontrarían un público internacional que acoja y asimile sus propuestas: El reggae jamaicano con The Wailers; la canción francesa con Serge Gainsbourg o cantantes como Francoise Hardy, sólo por mencionar dos; el profundo intimismo de Leonard Cohen, que es canadiense, como el salvaje, duro y también conmovedor Nick Cave; o el tropicalismo brasileño con músicos tan eclécticos como Caetano Veloso, Os Mutantes o Gilberto Gil; o el krautrock de Alemania con bandas de gran influencia como Can, Neu! o el primer grupo de música electrónica reconocido como tal, Kraftwerk; el productor italiano Giorgio Moroder también cumplió un papel importante en la difusión de la música electrónica en el rock y muchos otros más en las escenas de sus respectivos países [como el nigeriano Fela Kuti y su afrobeat].

Fela Kuti y Africa 70 - Water get no enemy (1975)

La búsqueda musical y de nuevas formas de expresión llega hasta nuestros días a través de diversos géneros que nos gusten o no son influyentes, como el hip hop, el noise, el hardcore, el grunge y etc.

Dinosaur Jr. - Don't (1988)

El [autor] dice que “algunos sostienen que vivir al límite otorga las verdaderas revelaciones creativas” y da como ejemplo hechos de la vida privada de los Beatles. Mi pregunta sería si esas situaciones “al límite” se vieron reflejadas en la música de los Beatles. ¿Acaso se transpiran en su música? Esa es la cuestión. No creo que a nadie le importe si Bruce Springsteen iba en su juventud a gran velocidad en su automóbil [si es que eso no se ve] reflejado en su música y por supuesto que es lo que pasa, por eso es tan importante en Estados Unidos y artistas como David Bowie o Lou Reed han mostrado su admiración por él. Que un artista mienta en su vida privada no interesa, creo yo, como que no mienta en sus canciones. La verdad de un músico está en ellas. La verdad que se transpira en la música de los Beatles es su cotidianidad, no que ellos vivían al límite, por eso es que gustan a tanta gente, en el fondo son gente como uno. Otras bandas, como Velvet Underground o The Stooges sí han transmitido el límite o, como diría el catalán Albert Pla, parafraseando a Lou Reed “el lado más bestia de la vida” y por eso no son tan populares, porque la gente le teme a esa verdad. Otros músicos, como Frank Zappa, hablaron de otros límites, como la crítica del status quo, “a veces me hubiera gustado no ser blanco” dice Zappa en una canción, en el primer disco de los Mothers, que habla a favor de las protestas afroamericanas y no necesitó de drogas para eso puesto que siempre se manifestó en contra de su uso.

The Mothers of Invention - Trouble every day (1966)

Antes he dicho que el rock es inclusivo y que no separa pero debo agregar que el rock es transgresivo y es rebelde, el rock no es algo cómodo. Es innovador, busca el cambio positivo, a través de la creación, por eso atrae a los jóvenes de espíritu, a quienes están a la búsqueda de algo nuevo. El rock no separa pero no es para viejos de espíritu, para quienes todo está bien tal como está y todo tiempo pasado fue mejor. A pesar de ser innovador, si el rock no gusta a académicos o a amantes de lo perfecto es porque el rock es urgente, es ya, es ahora.

Aún es estremecedora

Nadie en casa

Tengo un pequeño libro negro con mis poemas en él
Tengo una maleta con un cepillo de dientes y un peine dentro
cuando soy buen perro ellos, algunas veces, me arrojan un hueso en ella,
tengo ligas sujetándome los zapatos,
tengo esas manos azules hinchadas.
Tengo trece canales de mierda para elegir en la tele,

Tengo luz eléctrica,

tengo una segunda visión,
tengo sorprendentes
poderes
de observación,
y así es como sé
cuando trato de llegar a ti
a través del teléfono,
que no habrá nadie en casa.

Tengo la obligatoria permanente de Hendrix,
y el inevitable pinchazo ardiendo,
delante de mi camisa favorita de satén,
tengo manchas de nicotina en los dedos,
tengo una cuchara de plata en una cadena,
tengo un gran piano para sostener mis restos mortales,

Tengo salvajes ojos penetrantes,
y una fuerte urgencia de volar,
pero no tengo adónde ir
(ir, ir, ir, ir, ir...)

oooohhhh, cariño, cuando levanto el teléfono,
aún no hay nadie en casa.

Tengo un par de botas Gohills,
y las raíces marchitas



Esta es mi versión de la letra hecha con ayuda de 2 fuentes distintas: Una más fiel al traductor de google (sobre todo por lo de la permanente de Hendrix) y otra más atenta a los detalles. Ambas versiones se complementan.

Bailarina fuera de control

Desde ayer en la noche casi no he podido dejar de escuchar esa canción de The Ocean Blue, "Ballerina Out of Control", me gustaría poner su video, que en su sencillez expresa muy bien lo que pienso es esta canción, pero los de warner bros. no dejan; los ventanales, la calidez que los traspasa, la banda tocando en una sala de ensayos de baile donde no hay más que ellos, sus instrumentos y la bailarina del título que se mueve entre todos como parte de esa calidez que llega desde los ventanales y acaricia... ah, y los espejos y la barra de baile; pero también hay vulgaridad allí: La banda haciendo como que toca, como que canta, los movimientos en cámara lenta, el tecladista bailando, la canción que en el fondo no es la gran cosa, hay muchas mejores que ella ¿Qué es esto? La vida, sí, hay mejores, no todos los días se escala el Everest o algunos de los 8 miles, quizás nunca, pero es lo que tengo y está bien; hay allí buenos momentos, mejores momentos que nunca pasaron pero allí están, una reunión con amigos, una caminata nocturna, un patio enorme vacío, un momento que podría ser éste, que tal vez es éste, que es éste porque no hay nada más que este momento.

Y la esperanza.

"Ballerina Out of Control" forma parte del segundo disco de The Ocean Blue, Cerulean; he escuchado el disco hoy pero no me ha gustado; tampoco el siguiente "Beneath the Rhythm and Sound", cortesía éste de un post inexistente de este blog; sé que The Ocean Blue estuvo en Lima, los videos al respecto se encuentran en Youtube.

Música de supermercado 4

Esto fue la semana pasada, he debido poner otras entradas como éstas pero hay canciones de los ochentas que mi desorejera me hace relacionar con XTC, Oingo Bongo o The Korgis en sus momentos más movidos (perdonaran este tacu tacu musical); sin embargo, la setentera "I'd love to change to world" de Ten Years After por supuesto que la reconocí.

Música de supermercado 3

Al principio pensé que iba a escuchar "Where the streets have no name" de U2 pero era el comienzo de "While you see a chance" de Steve Winwood; luego vino "Heart of glass" de Blondie, lo que no tiene nada de extraño, y, finalmente, "Raspberry beret" de Prince... y qué bueno porque es una de las cuantitas que me gustan del "geniecillo de Minneapolis", más precisamente, fue la primera que me hizo pensar, años ha, que la música de Prince podía ser interesante... todo esto mientras escogía panes, buscaba una bolsa de arroz de 5 kg y seleccionaba una papaya pequeña que mi mamá me había pedido.

Hace bastante tiempo: The Beatles 1963-1964

Please, Please Me, (1963): El primer disco

Ya había comentado aquí sobre lo que me parecía el "Please please me": La primera canción ("I saw her standing there") y la última ("Twist and shout") son dos de mis canciones favoritas y picos en la carrera de los Beatles. Hasta el Revolver (1966) no encuentro un comienzo y un final que me guste tanto como el de este album. El medio del disco está muy bien también: La canción que da título al album, que en su momento me gustó muchísimo, y "P.S. I love you", cantada muy "caballerosamente" por Paul, muy bonita ("Love me do" pasa piola). Con eso ya sería suficiente y aunque hay canciones de las que paso de largo ("Boys" y "Baby it's you" sobre todo) siempre ocurre que a esas les siguen canciones que me gustan: "Ask my why" y "Do you want to know a secret". El principio del disco no sólo lo disfruto mucho por "I saw her standing there" sino también por la corta "Misery" y especialmente por la repetitiva "Anna (go to him)" donde se nota lo paradójico de la voz del primer John Lennon, que sufre por la perdida y a la vez espeta a quien debería escucharlo que se largue (te entiendo, John Lennon); en conjunto, las tres últimas me gustan muchísimo menos que las tres del inicio pero "Twist and shout" es una de las interpretaciones de Lennon que más me fascinan. Me encanta la mezcla de fuerza y debilidad en la voz de John, que por ese entonces podía ser al mismo tiempo llorona, dolorosa, y gritona, molesta, y que en esta canción se muestra plenamente. Cuando Lennon canta eso de: "You know you twist, little girl, You know you twist so fine, Come on and twist a little closer, now, And let me know that you're mine" me parece que se produce eso que yo he denominado, cretinamente, uno de los grandes momentos de la música, "un instante único e irrepetible" (aunque allí ocurre dos veces, je), la voz de John Lennon que casi se quiebra, está al borde del abismo, pero no, sigue allí, incólume.

Por la época del "Please Please Me" salieron tres singles, dos de ellos con canciones ya incluídas en el album (aunque con una pequeña diferencia en el caso de "Love me do", no sólo por el baterista cambiado sino por la mezcla de las voces que suenan más fuerte en el single, especialmente la voz de John Lennon). El tercero incluía a las muy simpáticas "From me to you" y "Thank you girl", ésta última una de mis primeras canciones favoritas de los Beatles. Este fue el primer gran single de canciones sueltas del grupo, quiero decir, el primero de los que más me gustaron.

With The Beatles, (1963): El segundo primer disco

En su momento llegué a detestar este disco, fuera de su extraordinaria carátula; es que ninguna de las canciones de éste se puede comparar a las del disco anterior: "It won't be long" no es "I saw her standing there" (más bien es otro juego de palabras como "Please please me": "I won't be long 'til i belong to you") y a "Money", aunque parece más amenazadora y trabajada que "Twist and shout", la encuentro fría en comparación, controlada, a pesar de algún grito por lo bajo de John Lennon clamando que quiere ser libre. Mi canción favorita del disco está justo al lado de la que supongo es la más considerada en general: "All my loving" (mi favorita es "All i've got to do" de John Lennon, otro de los buenos momentos sensibles de John), nunca me ha gustado esa canción de Paul. Los covers en su mayoría están simpáticos (el único que no me gusta es o era una de las canciones favoritas de mi amigo Cocochoa: "Till there was you", un bolero más ortodoxo que "P.S. I love you"). Simpática también es para mí la primera composición de George Harrison, "Don't bother me", una canción que da la apariencia de haber salido sin querer queriendo y que después de las canciones que están muy bien es el tipo de canciones de George que disfruto más. La gracia de este disco creo está en que al final ninguna canción destaca demasiado sobre las demás, no hay picos como en el primer disco o acaso no son tan pronunciados, así que, quizás porque aquí empezaron las "experimentaciones", tengo la sensación de que cada canción forma parte de un todo: El disco en conjunto. Es lo que yo llamo (no sé si sólo yo, en realidad) un álbum sobrio, sin estridencias, en el que las partes forman un bloque compacto. Los discos de los Beatles o tienen la estructura del Please Please Me (un conjunto de grandes canciones puestas en sitios estratégicos) o la de éste. De hecho, la mayoría siguen el modelo del primer disco, los que se parecen a éste son pocos pero son los discos que cierran las dos etapas más notorias en la carrera de los Beatles; éste es muchísimo menor respecto a esos dos, sin embargo, vistas las cosas así, es un gran paso en su discografía.

Probablemente, la causa por la que las canciones de este disco no sean tan espectaculares como las del primero sea que esas canciones fueron dejadas para los singles: "She loves you" y "I want to hold your hand", canciones símbolo del nacimiento de la beatlemanía. Le tengo más cariño a "She loves you" ("con un amor como ese sabes que seguro deberías estar feliz", hay algo cínico en esa frase, me parece) pero estoy saturado de ambas, me quedo con sus muy bonitas caras B: "I'll get you" y "This boy", aunque esto es decir poco, "I'll get you" tiene un ritmo que la hace para mí una de mis preferidas de la primera parte de la carrera de The Beatles y "This boy" es otra emotiva interpretación de John Lennon al estilo de "Anna (go to him)".

A hard day's night (1964): La consagración

No sé bien por qué nunca me ha gustado mucho este album, tal vez porque comienza mucho mejor de lo que acaba. "I'll be back" tiene un muy buen principio, suena algo misteriosa, incluso podría decir "madura" pero las estrofas (la canción, tal como "She loves you" empieza por el coro) la desinflan. Quizás sea la primera de las grandes canciones defectuosas de los Beatles. Otra defectuosa, por la subida de tono, pero más grande que sus problemas es la madurísima "And I love her", una de esas canciones que al principio odiaba, por su seriedad, y que ahora me encantan. Me fascina la indiferencia con la que Paul canta, eso de "Y la amo", McCartney lo suelta como quien dice "Hoy no hace ni calor ni frío". Es un bolero indiferente; inusual. La música y lo cantado por Paul suenan como esculpidas en piedra: Pueden ser frías, incluso vacías, pero estarán allí para siempre ("Un amor como el nuestro podría no morir nunca, siempre y cuando te tenga cerca de mí"... uhmmm, eso me suena conocido). Del resto del disco rescato las simpatiquísimas "I Should Have Known Better", esta vez con la voz alegre y llorona de John Lennon (y su armónica) e "If I fell", canciones que en su momento he querido mucho y que si me alejo un poco de ellas vuelvo a quererlas en el reencuentro; también rescato a las tres primeras de la antigua cara B: la enérgica y sinuosa "Anytime at all"; la rápida y otra vez con la especial voz de John,"I'll cry instead"; y la madura, otra vez de Paul, "Things we said today", aunque algo en ésta no termina de cuajar, creo que el coro, que no está mal, no está a la altura, gran altura, de las estrofas. Tanto en la antigua Cara A como en la antigua Cara B las canciones número 4 respectivas son un bajón respecto a la anterior: De "When I get home" no tengo nada que decir pero "I'm happy just to dance with you" está en algo, es una hija de "All my loving" que me gusta más que la madre. Respecto a las dos canciones más populares de este disco, "Can't buy my love" nunca me ha gustado (si hay algo más aparte de la rítmica interpretación vocal de Paul, avísenme), aunque me interesa como respuesta temática a "Money", así que soy yo, y "A hard day's night", con el tiempo me ha dejado de interesar, ah sí, el riff inicial, perfecto, y el riff final, sin sarcasmos e ironías, debe ser uno de los grandes momentos del rock, digo, seguro que cuando Jim McGuinn escuchó eso por primera vez encontró el sonido que buscaba para su banda "The Byrds". Y sí, "A hard day's night" es el único disco en la discografía de The Beatles en que todas las canciones son de Lennon/McCartney

Al contrario de lo que sucedió con el disco anterior las canciones que fueron lanzadas como single y no incluídas en este disco no tienen la fuerza de las principales de "A hard day's night"; no me refiero a fuerza vocal porque "Long tall Sally" es una muestra de que Paul también podía gritar, si bien sus gritos son más de euforia que de dolor o de molestia como en el caso de John; del extended play (¿Maxi single?) de aquel mismo nombre, mi preferida con el tiempo ha terminado por ser "I call your name", aunque no tiene la energía de "Anytime at all" si cuenta con la sinuosidad que me gusta de ésta canción.

Hace bastante tiempo

Hace bastante tiempo que quería escribir un texto aquí donde comentase mis impresiones sobre los discos de los Beatles, en textos que no fuesen demasiado largos, pero como no me gusta hacer las cosas por obligación y lo que en principio fue un gusto empezaba a ser aquello pues lo dejé de lado. He decidido hacerlo ¿ahora? porque explicar mis ideas a grandes rasgos sobre esos discos me permitirá exponer aquellas sobre otros discos de los que quisiera hablar ahora pero que no lo hago porque me siento obligado a hacerlo. Uhmmm... (psicopatologías mías).

Antes de hablar de los Beatles debo decir esto: El primer disco que quise escuchar fue el primero de los Hombres G porque allí estaba "Venezia" y me encantaba (todavía me gusta), pensaba que el resto de canciones del disco me gustaría de la misma manera; no obstante, mi primer artista favorito fue Phil Collins; yo tenía 7 u 8 años, era la época de "No Jacket Required", veo en wikipedia que es de 1985 así que debía tener 9 años; había escuchado "Don't lose my number", "You can't hurry love" e "Ilegal Alien" (no sabía que era de Genesis y tampoco que tenía una letra muy idiota) y quizás pensaba "qué bueno que es este Phil Collins". Nunca, sin embargo, llegué a escuchar el primer disco de Hombres G ni ningún disco de Phil Collins, salvo recopilatorios.

Por supuesto, el primer disco que escuché fue el "Thriller" de Michael Jackson, ¿cómo casi todo el mundo?, en una edición pirata que mi mamá adquirió, en su primera y única vez que se compró un casette o un disco (no sé si antes, en la época del vinilo, lo hacía pero después nunca); yo, bastante inocente, no tenía idea de que era un casette pirata, de esos que venían con el cartoncito de Sony donde uno podía anotar los títulos de las canciones y en los que esos casettes tenían impresos los títulos de las canciones en letras de color azul, lo recuerdo bien, al punto que cuando vi un casette original creía que el que había en mi casa era el "verdadero", mismo Paco Yunque cuando dice que su mamá tiene plata sólo porque alguna vez vió monedas en sus manos; y eso a pesar de que el casette tenía canciones de otra gente, la única que recuerdo ahora es "Give me back my man" de B'52's, que en ese entonces odiaba (nunca tanto) y ahora escucho con aprecio, de hecho me trae un poco de vuelta lo feliz de esa época.

Continúo: Unos años después descubrí el primer disco que consideré mi favorito (y había escuchado): El primero de Soda Stereo. Lo escuché algunos años después de su lanzamiento, en la época del disco "Signos", y si bien me gustaban varias canciones de este último y de "Nada personal", de esos tres el primero era el que me gustaba más, el único que entendía, por así decirlo. La cosa iba más o menos así hasta que escuché a los Beatles.

Ya conocía a los Beatles por esa serie de dibujos animados que transmitía por aquí Panamericana TV en la década de 1980; los dibujos me parecían entretenidos pero detestaba cada vez que había un momento musical; es que, no sé si hasta hoy pero le tengo alergia a los musicales, es decir, esas películas donde la acción transcurre hablada sin música hasta que te zampan una canción. Así que más o menos hacia fines de esa década parecía claro que no me atraía la música de los Beatles. Recuerdo que una noche en uno de esos sábados feísimos de mi primera adolescencia yo estaba con mis hermanos en una de las habitaciones de la casa, quizás era en el segundo piso, de pronto desde el primero llegó esa música: No recuerdo si fue "Please, Please me" o "Twist and shout" pero hizo por un instante que mi sábado hasta ese momento lo viera como feísimo para así diferenciarlo de lo maravilloso que me pareció lo que estaba escuchando, una especie de príncipe azul, una especie de amor, no lo sé, yo era pobre y de pronto no más... el gran y maravilloso sueño. Me fascinó. Un tío mío tenía una copia gastadísima del "Please, please me" y, no sé por qué, lo estaba escuchando con mi papá en ese momento. No estoy seguro pero con el tiempo he creído que así empezó todo. Los discos de los Beatles los escuché en orden porque, como he dicho antes, un amigo de mi hermano mayor le prestó quincenalmente y en orden las reediciones en casete de los discos oficiales que habían sido reeditadas junto con las primeras ediciones en cd, así que no voy a decir "éste es el primer disco o el segundo que escuché" cuando hable de cada uno. Lo último que voy a decir aquí es que, si bien los discos los escuché en orden, el "desorden" ocurrió cuando mi papá nos fue regalando (un regalo suyo y de mi mamá, aunque mi papá los traía) los casettes a mí y mis hermanos. Mi papá trabajaba dibujando planos de construcción y los casettes nos lo traía envueltos en el papel de los planos. Era emocionante abrir esos paquetes de a veces dos, tres o cuatros casettes juntos; el primero, que me regalaron una navidad, sólo a mí, fue el primer volumen de los Past Masters, sin embargo, tengo más presente el "Beatles for sale" como el primer casette de los Beatles que nos trajo mi papá, algo que siempre tengo y voy a tener que agradecer. Gracias mamá, gracias papá.

Pregunta acerca del sentido de la vida

¿Por qué "Elegantly wasted" (1997) no aparece en "The best of INXS" (2002)?

Más música de supermercado

Hoy fue el turno de "White light/White heat" en la versión de Lou Reed en Rock'n'roll Animal. Parece que a alguien le gusta el Lou.
Y ayer mientras caminaba por la calle ví bajar de un micro a alguien con un polo gastadazo con la portada de "One size fits all" de Frank Zappa y The Mothers of the invention.

Este es un texto y ésta de abajo, una foto

Estaba buscando otra cosa y de casualidad me encontré con la letra de esta canción ("Signed curtain") de Bob Wayito (conocido fuera de mi cabeza como Robert Wyatt). La canción ya me gustaba pero sin saber que era aquella leí la primera línea y me fascinó/me fascina porque tiene la clase de humor que me gusta. Es decir, áquel de las cosas obvias que, sin embargo, necesitan de una mirada profunda para ser descubiertas. Para qué tanto palabreo, me parece una canción extraordinaria, así sin hacer muchos aspavientos se ha convertido en mi canción favorita, es grandísima, contiene su propia historia (Wyatt y su voz pequeñita y los ojos cerrados ofreciendo esta canción a alguien como quien está a centimetros años luz del sujeto de su afecto y le alcanza arrastra algo lentamente, como quien parece no querer la cosa pero que sí, sí, la quiere, la desea, más que a nada en ese momento) e inclusive esta historia, la de este instante. Me he tomado el trabajo/libertad de traducir la letra e incluso le he hecho algunas correcciones a la transcripción de la letra en inglés que también incluyo. Parece que Bob Wayito estaba leyendo a Jorge Eduardo Eielson en sus días en Matching Mole (1972).

Cortina firmada/señalada Esta es la primera estrofa Esta es la primera estrofa Esta es la primera estrofa la primera la primera Y esta es la primera estrofa la primera primera primera Y esta es la primera estrofa la primera Esta es la primera estrofa Y este es el coro O quizas sea un puente O solo otra parte de la cancion que estoy cantando Y esta es la segunda estrofa O podria ser la ultima estrofa Y esta es la segunda estrofa segunda estrofa segunda estrofa O podria ser la ultima estrofa ultima estrofa Y esta es la segunda estrofa Es probablemente la ultima Y este es el coro O quizas sea un puente O solo otro cambio de tono, No importa No hace daño Solo significa que yo he perdido la fe en esta canción porque no me ayuda a alcanzarte

Signed Curtain This is the first verse This is the first verse This is the first verse the first the first And this is the first verse the first first first And this is the first verse the first This is the first verse And this is the chorus Or perhaps it's a bridge Or just another part of the song that I'm singing And this is the second verse Or it could be the last verse And this is the second verse second verse second verse Or it could be the last verse last verse And this is the second verse Or it's probably the last one And this is the chorus Or perhaps it's a bridge Or just an other key change Never mind It doesn't hurt It only means that I lost faith in this song 'Cause it won't help me reach you...

Caja de Metal

Ayer tuve en mis manos por un momento la primera edición en vinilo de "Metal Box" de PIL (Public Image Ltd.). La estaban vendiendo en una tienda de discos usados en Miraflores; no recuerdo el precio ahora, si pienso que es mucho pues es mucho, si no, pues tanto no es pero no sé (como es usual). Parecía una de esas cajas que se usan para guardar cintas de cine, el metal se veía algo opaco y estaba oxidado en algunas partes. Si tuviera tocadiscos seguro pensaría más en serio en adquirirlo, así que sólo me interesa como curiosidad. Por supuesto, me refiero a eso que vi en la tienda porque el disco en sí (digo "disco" porque el tiempo total de duración de los discos originales - 3 maxi singles - por poco excede los 60 minutos así que fácil entra en un solo disco compacto), el disco en sí es uno de los pocos que considero de mis favoritos, quizás de los 4 o 5 que tengo en un pedestal (alguna característica en común deben tener esos discos de la que ahora no tengo ganas de hablar).

La imagen la tome de este sitio, era la más parecida a la caja que vi en la tienda aunque la de la foto algún brillo parece tener. Por cierto, buscando información sobre "Metal Box" me enteré que el año pasado salió una versión remasterizada que reproduce en tamaño CD, creo, la edición original (hasta ahora en disco compacto sólo había salido en la versión de la segunda edición del disco llamada muy convenientemente "Second Edition", ja), lo gracioso, por decir algo, es que también, al igual que la edición original, se han dispuesto las canciones en tres discos... compactos y, claro, se vende al precio de tres (o más) discos compactos, cosas de la Imagen Pública Ltda.

Indochine / Indochina

Le había perdido el rastro a Indochine (o Indochina) hace años; era uno de esos grupos o artistas de los que me había olvidado más que nada porque me distraje con otras cosas. Sin embargo, un día hace algunos años estaba viendo una serie por el cable y cuando pasaron a la publicidad, como era un canal que acostumbraba a programar videos de música durante los comerciales, pusieron el video de una canción algo pegajosa e interesante. De pronto apareció el nombre de Indochine y el título de la canción: "Alice et June". Casi inmediatamente busqué el disco del mismo nombre en la web y así fui recordando mi viejo gusto por albumes como "Au Zenith" y el "7000 danses" que fueron los discos de la época del furor de Indochine en el Perú. Busque también estos discos, sin embargo, si bien encontré el "Alice et June" rápidamente, no fue sencillo ubicar esos álbumes, de hecho recién he encontrado una versión de "7000 danses" con una calidad más que aceptable de mp3.

No creo estar en la capacidad de recomendar alguno de los discos de Indochine porque cada vez que pongo un disco que contiene los albumes mencionados y otros, como el favorito de los fans "Paradize", pues lo escucho de manera aleatoria. Lo que puedo decir es que me doy cuenta que la banda sigue produciendo buenas melodías new wave como las que están en "Au Zenith" ("Canary Bay", "Tercer Sexo" y su versión de "L'opportuniste", originalmente cantada por Jacques Dutronc en la década de 1960, son mis favoritas de ese album ) y "7000 danses" (como mi favorita de siempre "La Chevauchée Des Champs de Blé" o "La cabalgata por los campos de trigo"). Por ejemplo, "Alice et June", que sí he escuchado completo, aunque es un album desigual tiene muy buenas canciones como la que da título al disco o "Starlight" o "Pink Water" cantada a duo con el cantante de Placebo, Brian Molko. Todas están a la altura de aquellas canciones que me gustaron y me gustan tanto, aunque pueden ser diferentes y eso es porque Indochine o Nicola Sirkis, el único que queda de los miembros originales, ha sabido captar las nuevas tendencias y así darle a su música un sonido contemporáneo (en sus peores casos saturado). El año pasado publicaron "La Republique des Meteors" y también iban por ese camino.

A diferencia de otras bandas, Indochine no ha publicado un compilado definitivo, tal vez los llamados "Birthday Album", así que lo mejor es ir directamente por los álbumes mencionados. Sin embargo, un disco como "Unita" puede suplir la ausencia de archivos mp3 de calidad aceptable de los primeros discos de la banda. También es útil para dar cuenta de lo buenas que son las versiones aparecidas en el disco del Zenith (quizás la única que prefiero en su versión original es la de "Tes Yeux Noirs" porque la que que está en "Au Zenith" no es muy diferente). Además incluye una versión distinta, por ser algo más rápida y corta (no incluye las frases iniciales de la original esas que dicen "A 4 mains on les retient, A 4 mains prends mon chemin, A 4 mains on les retient, à 4 mains"), y que tengo la impresión de que es más conocida, de "La Chevauchée Des Champs de Blé". Y también sirve para encontrar canciones de discos que no se encuentran como "Le Baiser" o de discos que se encuentran en archivos de calidad de mp3 menor como el algo célebre por aquí "Un jour dans notre vie".

Ese disco merece una mención especial no sólo por tener un tema muy divertido como "Savour le rouge" sino también por una canción como "Bienvenue Chez Les Nus" que muestra un genuino aprecio por el Perú, a pesar de su título que puede generar confusión (algo así como "Bienvenida de los desnudos") y que tiene un coro muy pegajoso con frases como "Hola Hola Lima" o "Viva el Perú", aunque las partes habladas parecen haber sido sacadas de alguna otra parte de Sudamérica diferente del Perú. Igual, ojalá que esta banda regrese pronto.

Aquí una interesante crónica sobre la visita de Indochine al Perú. Y aquí las portadas de "Unita", a quien le interese.

El golpe de Peter Gabo

Este post debi escribirlo el año pasado pero no puedo (¿podía?) con mi dejadez. Después de lo de Miike Snow me provocó escuchar, nuevamente, lo de Peter Gabriel. "Lo de Peter Gabriel" lo conocí también gracias a "elvillano", aunque ese "curso" nunca lo terminé ya que me quedé en el primer y tercer discos de su carrera. A Gabriel, un poco por confianzudo, un poco por joder (a no sé quién, en realidad) se me dió por llamarlo Peter Gabo (si Gabriel García Márquez es Gabo para sus fans enamorados, pues...). Antes de copiarme esos discos de Peter Gabo, "elvillano" ya me había grabado los dos últimos discos de Genesis con áquel de cantante. Ahora escucho estos últimos, mejor dicho, algunas de sus canciones, con algo de aprecio, digo, en su momento no me entusiasmaron mucho. Recuerdo que solía decir que Genesis era un grupo blandengue en comparación a otros grupos de la época relacionados a ese cajón de-sastre que se conoce como rock progresivo (por decir los grupos más o menos conocidos: King Crimson, Yes, Pink Floyd y Van der Graaf Generator y, en menor medida, Emerson, Lake & Palmer). Eso ha cambiado hace algún tiempo, como ya he dicho, aunque, igual, el Genesis con Phil Collins de cantante no me parece despreciable respecto al otro, no obstante debo reconocer que, primero, mis canciones favoritas son de la etapa de Gabriel y, segundo, mi gusto por las canciones de Collins no ha llegado tan lejos como para provocarme escuchar un disco completo de esta etapa del grupo.

Por todo lo que he dicho no debe ser una sorpresa que agregue que Peter Gabo es uno de esos artistas a los que, si bien creo que tiene algunas grandes canciones, pondría en el grupo de músicos que no me parecen la gran cosa. Su trabajo, por ejemplo, en la banda sonora de "La última tentación de Cristo" aunque le encuentro momentos buenísimos (por ejemplo, "With this love"), no me termina de cuadrar del todo. Quizás sea mi estolidez musical o quizás deba escuchar nuevamente ese disco, no lo sé, lo he escuchado varias veces y siempre me parece un disco muy largo. Es posible que algunos de esos temas funcionen mejor separados que juntos, aunque creo que ese no es el asunto, no estoy seguro del todo de cuál sea ese "asunto".

También tengo mis reticencias respecto a su tercer disco, el más alabado de los suyos en Allmusic.com, allí están algunas de mis canciones favoritas (como la extraordinaria "Biko" o "Games without frontiers", que no me canso de escuchar, o la innovadora en ese entonces "Intruder") pero a la vez lo escucho como un producto de su época, lo que en inglés se diría "dated". En cuanto a otro disco aclamado, "So", pues fuera de un par de temas ("In your eyes" y "Red rain") pues el resto no me interesa mucho (sí, "Sledgehammer" y especialmente "Don't give up" con la voz odiosa de Kate Bush).

Respecto al tema visual que tanto le interesa a Mr. Gabo pues yo lo veo más como un lastre que como cualquier otra cosa. Y si no es un lastre pues es algo extramusical. Sus, entonces, innovadores videos para "Sledgehammer" o "Steam" lucen ahora como piezas de museo de la misma manera que sus presentaciones "teatrales" con Genesis. Sus conciertos como artista solista quizás sean espectáculos dignos de verse pero precisamente la gracia de ellos es ésa: Verlos, estar allí. Fuera de ese contexto no hay mucho que pueda decir.

Con este panorama, un compilado como "Hit" es una buena opción para mí. Allí están varios de los temas mencionados (incluso los que no me gustan). Sin embargo, hay un pequeño asunto con este recopilatorio, un par de pequeños asuntos en realidad: Existen dos versiones del disco, una para Estados Unidos y otra para el resto del mundo (en wikipedia le llaman "UK version" pero es la que he visto a la venta aquí en el Perú); en la reseña de Allmusic (repetida para todas las versiones del disco) se quejan de la ausencia de algunas canciones, entre ellas "D.I.Y" del segundo disco de Peter Gabo; hace tiempo que no escucho este disco pero recuerdo que la última vez que lo escuché me gustó, creo que es el disco que más me ha gustado de Mr. Gabo porque lo encontré muy cohesionado, ninguna canción destaca sobre otra (en el buen sentido) y tiene un sonido que no ha envejecido; no es una colección de éxitos, por eso encuentro comprensible que esas canciones no aparezcan en los "greatest hits" o "very best" pues nacieron para estar en ese disco y no en otro.

PERO, resulta que "D.I.Y." sí está en la versión para el resto del mundo de "Hit", el problema es ¿A qué precio? Pues, es uno demasiado grande: ¡La ausencia de una imprescindible (en el caso de la obra de un solo artista si puedo usar esa palabra sin problemas) en la obra de Peter Gabo como "In your eyes"! ¡Uuuyyy! Que "D.I.Y." no esté es subsanable pero que falte "In your eyes" en un disco llamado "Hit" es casi una estafa; la razón es que esta última canción no fue lanzada como single en el Reino Unido pero, yo digo, cualquiera esperaría que "In your eyes" esté de todas maneras en un concierto de Peter Gabriel, no importa en qué parte del mundo sea el concierto; por lo mismo, me parece totalmente comprensible que alguien espere que esa canción esté en el disco, no importa en que parte del mundo lo compre. Lo peor es que el listado de los temas en la parte posterior del disco está dispuesto de tal forma que a simple vista no se puede detectar cuál versión es la que se está comprando... a menos que se conozca cuál es la última canción de cada una: La versión para Estados Unidos termina con "Cloudless" y la del resto del mundo, con la calmada "Washing of the water" que es otro tema exclusivo para esta edición.

Al final si hubieran hecho una versión única con los temas de las dos versiones les hubiera quedado un disco redondo que yo compraría con gusto (allí están la inocente "Solsbury Hill", la vibrante "The rhythm of the heat" o la hermosa "Blood of Eden"... sí, cuántos adjetivos vacíos). A favor de la versión inglesa/resto del mundo debo decir que tiene variedad (casi toda la discografía de Peter Gabo está representada, incluyendo "Passion" la banda sonora de "La última tentación de Cristo") y eso la pone casi por encima de la versión para Estados Unidos, salvo por esa gran ausencia. Es como me decía mi hermano Leonardo respecto a un compilado de Oscar d'León: Un "pirata" lo hubiera hecho mejor.

Peter Gabo ya levantaba el puño en ese entonces

p.s. Creo que no he dado a entender plenamente en este texto lo mucho que me gustan la mayoría de canciones mencionadas y que son la razón por la que le encuentro interés a la obra de Peter Gabriel. "Solsbury hill" me parece una canción precisa para romper lazos con el pasado e iniciar nuevas aventuras, lo que no es poco; en "Intruder" (que no está en ninguna de las versiones de "Hit"), aunque no estoy del todo al tanto de la letra, puedo sentir que Gabriel se mete con convicción tanto en el papel del intruso como en el de aquel que es invadido; "Games without frontiers" con su ritmo ¿funky? es una de mis canciones favoritas y es una sentencia sutil a todos los que hacen la guerra; "Biko", en cambio, contiene una sentencia nada sutil contra aquellos que privan de sus derechos a los demás y es ese momento de los que, con soberbia y engreimiento, llamo uno de los grandes momentos de la música, un instante "único e irrepetible" que sucede cuando Gabriel dice la última frase en inglés de la canción: "And the eyes of the world are watching now... watching now" ("Y los ojos del mundo están mirando ahora... mirando ahora")... ese instante, Gabriel repetiendo "watching now", es una luz en la oscuridad, una señal única de esperanza y es el que hace que no sea ridículo que a continuación, en sus presentaciones en vivo, Gabriel levante el puño para, de esa manera convertir, en algo físico lo que está diciendo (esa imagen, para los distraídos, es la de la portada del compilado), "Biko" es "importante" también porque debido a las características mencionadas y a su incorporación de elementos de la música africana además de la forma en la que es cantada, a la manera de quien se expresa ante una multitud para comunicar algo grave, es una forma diferente de "stadium rock" hasta entonces conocido (en realidad, el tercer disco de Gabriel tiene esta peculiaridad, es un nuevo "rock de estadio", con mensajes y música para grandes masas sin que esto lo haga una cosa grosera o de mal gusto... como versiones anteriores y posteriores del "stadium rock", eso se veía ya desde "Solsbury hill"); "The rhythm of the heat" es la respuesta a la pregunta de si Peter Gabriel podría superar lo hecho en "Biko", ¡por supuesto! es una canción extraordinariamente vibrante, que tiene todas las virtudes de las canciones mencionadas anteriormente, mezcladas y mejoradas: El misterio de "Intruder", el juego y la atemporalidad de "Games without frontiers" y el cuerpo de "Biko" aunque sin la carga emocional de ésta, por lo que la puedo escuchar varias veces seguidas sin cansarme, la idea de la canción es expresar el temor de Carl Jung ante los bailes que vió en su estancia en Africa de los que tenía miedo de participar porque temía "perderse", al final la canción es precisamente una invitación que no se puede rechazar a dejarse llevar, a "perderse" en el ritmo; de canciones como "In your eyes", "The Blood of Eden" o "Washing of the water" tengo que decir que mezclan brillantemente lo íntimo con lo grupal, el confesionario con el sermón en la montaña.

P.S.2 Acabo de ver, vía enlace en wikipedia en el artículo sobre el último disco de Peter Gabo, "Scratch my back", el video en la web de CNN de su versión de "Heroes" del David... lo único que podría decir al respecto es, simplemente, que el tío todavía jala... ja.

I talk to the wind

Said the straight man to the late man where have you been i've been here and i've been there and i've been in between. I talk to the wind my words are all carried away i talk to the wind the wind does not hear the wind cannot hear. I'm on the outside looking inside what do i see much confusion, disillusion all around me. You don't possess me don't impress me just upset my mind can't instruct me or conduct me just use up my time I talk to the wind my words are all carried away i talk to the wind the wind does not hear the wind cannot hear

El año de "aquí no pasa nada"

Hoy ha sido un día no importante. El clima me invitó a hacer cosas sin importancia. De hecho eso es lo que hago usualmente pero hoy era el día el que me animaba/desanimaba, el que me movía/inmovilizaba a poner mi atención en aquello que no requiere atención o no la pide.

Cuando no lo tengo claro, lo llamo "mood" y no sé si mi versión de la palabra sea la correcta. No es estar mal, tampoco es estar bien, la esperanza igual está (el hoy es de viernes, si fuera domingo sería diferente). Es cierta consciencia de que cualquier cosa puede pasar pero también la inconsciencia del no saber. Traiciono al sentimiento al intentar hacerlo "corpóreo" con las palabras.

Así que hoy tenía ganas de escuchar la música no importante de gente "importante". Las canciones que quizás estuvieron alguna vez en las listas, que de hecho alguien ama pero que no están en los grandes éxitos o los "very best". Pero tenía que ser tan grande como para que el odio lo alcance, así que nada "cool" por hoy (porque eso siempre es "importante").

Otra traición (esto me suena conocido): La verdad no lo pensé mucho, lo que me sucedió es pensar que el día era perfecto para escuchar "Time waits for no one" de los Stones. No hago nada, no me muevo, pero el tiempo no me espera. No ocurre nada pero sucede mucho. Mi cuerpo está inmóvil pero mi mente está lejos. Soy feliz en este momento en alguna parte, en un recuerdo que está sucediendo ahora, lo estoy viendo: Un departamento, una reunión con algunos amigos, los ojos grandes de alguien que no significa nada para mí y, sin embargo, a través de ellos conecta lugares, personas, sensaciones. Y también estoy caminando en la parte de arriba de la Vía Expresa y escucho los autos pasar por abajo y puedo pensar y sentir que en realidad son las olas del mar las que se suceden.

Dicho de manera cotidiana: Me puse a escuchar el disco que compilé con canciones de los albumes no importantes de los Rolling Stones en la década 1973-1983. Ya había hablado de eso aquí. Hubiera querido subir las versiones remasterizadas a goear pero mi conexión, o no sé qué, no tiene la fuerza suficiente, así que busqué allí las canciones y armé un listado. Los álbumes incluidos son "Goats Head Soup", "It's only Rock'n'Roll", "Black and Blue", "Emotional Rescue" y "Undercover". Repasaré cronológicamente las canciones incluídas (Goear las puso en el orden que se le ocurrió):



De "Goats Head Soup" (1973):

Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker)
Es una hijita de "Sympathy for the Devil" (también tiene coros con "uhuhu"). Es una canción fuerte que debería ser más conocida. Su parte fuerte, además de la voz de Jagger, son los instrumentos de viento de metal (es decir, cosas que suenan trompetas y que no estoy seguro si lo son). Esta la conocí gracias a Doble 9.

Star Star
Otra que debería ser más conocida. Una canción movida y polémica (su título original era "Starfucker" y de hecho eso es lo que dice en el coro, ver wikipedia). Hablando del coro, encuentro un problema allí, creo que lo cortan muy rápido para volverlo a empezar. Les pudo haber quedado mejor. Igual, está muy bien.

(Del Goats Head Soup también estaba en el listado "Angie", que no me canso de escuchar, pero es demasiado conocida, otro día)

Del "It's Only Rock 'n' Roll" (1974):

Till the Next Goodbye
Alguna vez leí en una de esas "Rock de Lux" viejas que tengo que las típicas baladas stone iban por la onda de "Wild horses". No lo decían así pero era algo como "esas canciones tipo "Wild Horses" que también les sale". Tampoco era así creo. Lo que quiero decir es que esta canción forma parte de ese selecto grupo. ¿"Hasta el siguiente adiós"? Adiós es una palabra muy importante, no hay que malgastarla. Mejor es decir nada.

Time Waits for No One
Esta es la estrella de esta selección, o al menos la del día de hoy. Es una canción atípica de los Stones, parece que hubiera sido obra de Mick Taylor porque tiene una cosa como muy preciosa. Tiene un fuerte sentimiento setentero, pero setentero en onda "mood". Yo lo veo así: Un día feriado como éste, caminando por una gran avenida donde hay muchas tiendas y casas comerciales grandes y pequeñas. Todo está cerrado, quizás uno está caminando solo, los barrenderos están de descanso así que los papeles flotan sobre el suelo, entre sus piernas. Hay bastante viento pero a la vez algo de calor. De pronto uno tiene la sensación o la iluminación de que está en el futuro, de que está caminando entre la decadencia del presente que está viendo y viviendo. No es pues el gran momento que parece ser.

En wikipedia le atribuyen un sabor latino al muy bonito solo de guitarra de Mick Taylor, a mí me recuerda por momentos a "Transylvania Boogie" de Frank Zappa. Claro que Taylor resulta ser un Zappa hermoso y "limpio". Por otro lado, la audición de "Dark side of the moon" influyó tanto en el grupo que la canción empieza y termina con los golpes de la batería como contando el tiempo (¿Qué sería, no?).

Dance little sister
Hermanita de "Star Star", como es menor supongo que no tiene las majaderías de su mayor.

(De este disco también está en mi CD la canción que da título al album pero no la pongo aquí por las mismas razones por las que no está Angie)

De "Black and Blue" (1976):

"Memory Motel"
Es una canción larga como una torre de fichas de dominó que en cualquier momento se puede caer y si no lo hace es porque llega Keith Richards a decir eso de "She got a mind of her own, And she use it well...", más hermoso que nunca (bueno, como nunca), las palabras y sus silencios salen como fragancias de su cuerpo, es la belleza de la sinceridad.
No importa que tan mal o que tan no suficientemente mal esté uno , siempre habrá una habitación en el "Memory Motel" esperando. Eso sí, no sé si aguante terremotos.
(Por supuesto, esta canción se hizo algo conocida con la versión que aparece en el disco en vivo "No security" con el sentido acompañamiento de Dave Matthews)

De "Emotional Rescue" (1980):

"Dance, Pt. 1"
Qué canción más divertida. Recontra disco pero mucho más "sucia" que hermanas suyas más populares como "Miss You" o "Emotional Rescue". Esta es la canción que la banda toca cuando ya no da más (la banda no son los stones, sino la banda imaginaria que toca en todas las fiestas de año nuevo donde no se puede pagar por una conocida sino por una cuyo nombre no es algo que se recuerde). Es 1980, el disco está muriendo pero igual hay que seguir bailando. Qué cosa más irresistible. Tiene su cosa de samba también (y de rico funk) y descubro ahora que eso es gracias a la cuíca, instrumento de percusión característico de ese género. La banda ya no puede más, la canción acaba pronto, hasta allí nomás dieron. Seguro la decadencia latente en este tema inspiró a The Kinks para su "Come dancing" donde si es algo que se llega a "tocar".
Me encantaría hacer una canción así.

(en mi compilado incluí la que da título que excluí de este listado ya se sabe por qué, también "She's so cold" que me parece que es más conocida que cualquiera de las mencionadas aquí y "Send it to me" que es más un placer culposo, aunque no últimamente, es por esto último que la dejé de lado).

De "Tattoo You" (1981):

No Use in Crying
¿Qué, "Tattoo You"? Es que no podía dejar de lado a "No Use in Crying" que tiene el espíritu de lo que quise hacer con esta cosa. Lo que otros llamarían adecuadamente "pequeñas gemas" desconocidas. No es que sean mis canciones favoritas de los Stones (aquí hay al menos un par de rellenos) pero me han levantado hoy más de lo que una canción muy importante podría haber hecho, quizás, y no me exigen nada por eso.

("Waiting on a friend" también tiene el espíritu, lo del saxofón es una delicia, pero, ya sabemos que es demasiado conocida para el día de hoy que es viernes)

De "Undercover" (1983):

Too Much Blood
Creo que ha quedado horrible como primera de la lista pero Goear no deja editar nada. Pienso que habrá quien piense que lo horrible es la canción misma. Posiblemente no tiene nada que hacer con el resto de canciones mencionadas; de hecho no la he escuchado como las otras hoy (hoy que es viernes) pero ya, la puse. En otras ocasiones me gusta mucho, mucho más que las canciones a las que les he dedicado menos líneas. Esta va dedicada a quienes amanecieron en la playa esperando el sol y se pelaron (pero no por el sol sino por el día gris). Para este día artificial, esta canción artificial. Me encanta el sonido de la guitarra después de que Jagger dice eso de "Dance Too Much Blood!", tiene una cosa muy acuática y veraniega, artificialmente por supuesto (como todo en esta canción).
El video es para mí un clásico, uno de los primeros videos que recuerdo ¿Acaso el primer video considerado "el más sangriento de la historia"? JA. El realizador se tomó muy en serio el título de la canción (Demasiada sangre). Igual, si la idea era hacer algo inolvidable, lo logró.
Ahora que lo pienso creo que esta canción es perfecta para empezar este artificial cambio de temporada.



Tanto el primer y el último videos son parte de la película "The Room" (2003) de Tommy Wiseau. Un verdadero caso de estudio. Muy inspirador (o, al menos, muy divertido). Mas aquí

Miigue Nieve

En las últimas semanas estuve metido en este juego que me parece una manera interesante de conocer música nueva para mí: Cada persona escoge una canción de un grupo o cantante de cualquier época; el primer requisito es que la persona que envía la canción piense que los demás no conozcan la canción ni el grupo o cantante; otro requisito es que la canción haya sido editada comercial u oficialmente, el propósito de este requisito es impedir que cualquiera envíe lo que sea que no haya pasado por un filtro que no sea el personal o del grupo de gente que se "arriesgó", si fuera el caso, a editar tal material; hay algún requisito más pero de ése hablaré después. En realidad, no es una canción sino tres; luego de encontrarlas se las envía a una persona que certifica que, al menos ella, no las conoce y las junta con las que los otros participantes han enviado. Una vez que tiene todas les elimina los datos que las identifiquen y las remite por grupos a todos los participantes para que en una semana escojan y asignen puntajes a cada canción según una puntuación basada en la que se usa en el Festival de Eurovisión (la "sede" del juego es el foro del Drink Team, que es principalmente español). Después de eso se clasifican las que tienen mayor puntaje y al final se reune a todas las clasificadas para que en una última votación salga la "ganadora", es decir, la que ha gustado más (que no es lo mismo que decir "la que le gustó a todos" que a veces no es posible).

Lo interesante del concurso, aparte de conocer canciones nuevas, que es lo principal, es que sólo me concentro en la canción y no en tonterías adicionales que preocupan a "lisiados mentales" como yo (en una película argentina un personaje encarnado por uno de los miembros de "Les Luthiers", Marcos Mundstock, creo, dijo que aquellos a los que no les (nos) gusta el jazz son (somos) unos "lisiados mentales", aquí estoy extendiendo el uso del término), por ejemplo, que tal persona que no me cae opina algo de tal canción o si usan demasiado los calificativos "más" o "mejor" para opinar sobre ella o si... etc. En ese juego casi podría decir que no ocurre eso, si me gusta la canción es porque me gusta, nada más.

La canción que más me entusiasmó al principio fue la de un grupo sueco llamado "Miike Snow" llamada Animal, copio y edito lo que comenté en su momento sobre ella:

"El principio más feo, creo; la primera vez cuando lo escuché pensé "otra canción idiota actual que los chicos de los blogs nos urgen a escuchar" pero cuando sonó la voz del clon de Phil Collins (es decir, de Peter Gabriel) la cosa fue mucho mejor; además de eso tiene algo de Men at Work (es decir, The Police) y de Talking Heads (es decir, je, más precisamente "Road to nowhere"), sin embargo, me parece muy original, no obstante que el cantante ha copiado todos los rasgos vocales de Gabriel; me parece irresistible, es Peter Gabriel más divertido y fresco que nunca. El interludio instrumental es lo más bajo de la canción y sólo se salva por esa batería afrobeat (creo) y por el bajo (supongo); el final minimalista me fascina, lo que me hace dudar de si a pesar de todos sus elementos es de la década de 1980 porque finales así no creo que se hicieran en esa década o será mi ignorancia. Me encanta, es mi favorita de lejos, aunque entumezca e insensibilice mis orejas escuchándola otra vez..."

No llegó a clasificar en su grupo y por eso me puse a escuchar la letra y así, al darme cuenta de algunas frases, pude buscar en internet y averiguar cómo se llamaba y quién era su intérprete; ya para ese entonces el chicle empezaba a perder su sabor pero igual lo masticaba. De todas maneras, busqué en la web el disco del que forma parte para ver si encontraba otras gomas de mascar igual de irresistibles... Hallé el disco pero nada como su primera canción. La primera vez que lo escuché me decepcionó; la segunda vez no lo senti tan malo, la canción número dos es un bajón, eso sí; la tercera ha sido la última. Lástima.

Igual, mi opinión es mía así que allí está el enlace para que cada quien se haga la suya.

Música de supermercado

La semana pasada fui con mi mamá a comprar comida en el supermercado que está cerca a mi casa, mientras estábamos dando vuelta por los estantes escuché que la música de fondo para nuestro paseo por la estantería y el de los demás era "How do you think it feels" del Lou (Reed) y luego "Eight miles high" de The Byrds (Hubiera querido ponerlas en orden diferente pero si debo ser honesto, no sé para qué en realidad, así fue como las pusieron) y no eran versiones muzak sino las que están en los discos "Berlin" y "Fifth dimension" respectivamente.

Hoy volvimos allá con mi mamá. Está vez fue "New York telephone conversation" del mismo Lou. Vaya, ya es bastante que no pongan de fondo villancicos cantados por niños en estas fiestas, pero lo que cuento sí que es una bendición (y rarísimo, ¿no?)

Brian Eno y John Cale, lado equivocado arriba

La memoria me está fallando (ja, y tengo 33 años) por lo que no recuerdo si mi primera experiencia con Cale "solista" fue como digo en el post anterior o fue la audición del album que hizo con Brian Eno en 1990 llamado "Wrong way up".

"El villano" era un buen tipo que me grabó varios discos de Brian Eno en casette primero y luego en CD; le debo más que las gracias por haberme hecho conocer gran parte de la obra de Eno que es para mí uno de los grandes amores musicales de mi vida (mi primer amor musical fue la música de los Beatles, mi segundo gran amor fue la de Brian Eno). Uno de los últimos casettes que me grabó cuando aparentemente no quedaban ya discos interesantes fue "Wrong way up", un album que no les gusta a algunos (en el artículo que cité de "Rock de Lux" en el post anterior decían que debía tomarse como una "pequeña fiesta" y que en riesgo y atrevimiento "no abunda sino redunda", algo parecido pero dicho de una manera menos memorable lo leí en un artículo sobre Eno en la revista "Caleta") y a otros sí (en Allmusic le ponen 4 estrellitas y media).



No veo mucha TV pero este video es lo único que he visto tanto de Eno como de Cale en MTV, parece un video "made in youtube" pero es el video oficial del single "One love", tiene algo de la ondita de la que fue la portada del disco pero no la horripilancia de ésta (parece que Eno no aguantó la vergüenza e hizo cambiar la portada por la que aparece en el blog citado)

A mí al principio ni me gustó mucho ni me desagradó totalmente, es que tiene canciones agradables que tampoco es que sean la gran cosa ("Lay my love", "One word", "Empty frame" y "Footsteps"), también canciones que están sobre el promedio y que son bien sencillas aunque no sé si esto en el fondo quiere decir que sean simples, pero bonitas bonitas son ("Spinning away" y "The river") y de las otras (Ok, "Cordoba" le gusta a alguna gente, a mí no). Mención especial para ese numerito llamado "Been there, done that" que cuando lo escuchaba al principio imaginaba a Eno y a Cale ensayando pasitos cronometrados de baile a la manera de los Back Street Boys o N'Sync y eso es porque la canción encajaría muy bien entre cualquier canción de esos grupos o de bandas parecidas. ¿Qué quiero decir? No sé bien, quizás de que tiene cierto tipo de diversión y cierto tipo de caracter bailable; es simpática.

Yo ya conocía lo de Eno en ese entonces pero lo de Cale, fuera de The Velvet Underground, casi podría decir que no así que luego de escuchar esa canción pues me quedó la idea de que podía escuchar cualquier cosa de Cale y no me importaría mucho. Digo, mi antiguo amigo César me comentó cuando me prestó el "Paris 1919" que se decepcionó cuando escuchó este disco después de los delirios (digo, es un decir) de The Velvet Underground, como que se había suavizado el Cale; en ese entonces yo ya había escuchado "Been there, done that" y no había pasado nada, así que no tendría problemas con eso, ¿qué hubiera pasado para César si lo siguiente de Cale después de escuchar lo de Velvet hubiera sido esta canción? Nunca lo sabremos, pero para algo tenemos la imaginación... pero no voy a decir nada al respecto que no quiero hacerla larga.

Tanto esta foto como la anterior la "escaneé" de un par de fascículos de "La historia de la música rock" que redactó Jordi Sierra i Fabra a principios de la década de 1980. Los créditos están incluídos en las fotos. La foto de Cale es la que mencioné en el post anterior. Ninguna de las dos tiene nada que ver con la época en que se grabó "Wrong Way Up" y es posible que en la época en que se tomó la foto de Eno, ambos ni se conocieran personalmente.

Ahora, después de ¿tanto? tiempo le tengo aprecio y cariño a este disco, me parece que hay una idea detrás de él y esa es que Cale y Eno seguro dijeron (sobre todo Eno que puede ser tan seriote, involuntariamente): Hagamos un disco sin complicaciones, nada de ideas importantísimas detrás (ja), que sea un album simple (no como mis discos, diría Eno) y que suene moderno y bonito. Y les salió este disco.

La prueba de lo que digo ya ha sido mencionada antes (pero no aquí): Las múltiples veces en que Eno dice la palabra "Yo" y la palabra "amor" en la primera canción "Lay my love", palabritas que el bueno de Eno se había abstenido de decir (por muy manidas creo que decía él) en sus letras sin sentido y también el estilo de "Been there, done that" (no hay video ni archivo en goear, así que hay que bajarse el disco para escucharla nomás). Ah, además, una portada feísima (en su primera edición).

El disco también me agrada porque está bien estructurado, empieza bien con "Lay my love" (una canción que algunos televidentes peruanos reconoceran porque fue usada durante algún tiempo en la publicidad del programa "Vano oficio") y "One word"; tiene sus temas quizás más memorables a la mitad, "Cordoba" que es la principal canción de Cale en el disco y "Spinning away" una canción muy bonita de arreglos muy sencillos, quizás simples, quizás minimalistas (que no es lo mismo) y acaba maravillosamente bien con "The river" mi canción favorita de los últimos años de Eno como principal cantante. Me gusta mucho, es como una canción para el fin del mundo, hasta se me ocurre un video perfecto para ella: Cuando empieza se ve unas bombas atómicas que van cayendo lentamente en el cielo en una imagen que haría referencia a la portada del disco "Yanqui U.X.O" de Godspeed You!, Black Emperor y digamos que esa sería la imagen principal que podría ser alternada por imágenes simpáticas (niños riendo, animalitos, etc.) que nos recordarían todo lo bueno que se iría a la mierda en ese momento. Al final del video las bombas atómicas estarían muy cerca del punto de explosión.

Lo de la "pequeña fiesta" que mencionaban en "Rock de Lux" está relacionado, quizás, al hecho de que Brian Eno no hacía discos de canciones con él como voz cantante y principal (es decir, sin complicaciones, que no cantaba) desde 1977 o 1978; este disco fue una especie de regreso, uno no muy rimbombante que digamos pero regreso al fin, para mí el más interesante de todos sus mentados retornos a la canción (tendría que volver a escuchar a los aburridos, para mí, "Nerve net" y "Another day on Earth" ambos considerados "regresos" en su respectivo momento). Es posible que la idea haya sido esa "ok, voy a cantar pero no hagamos la cosa complicada". Tal vez por eso se dice (¿Quién? ¿Dónde? dirían en wikipedia, pues lo dicen en "Rock de Lux") que es más un disco de Eno que de Cale; debe ser por lo electrónico y lo repetitivo (cosas de Eno); por el lado de Cale es difícil precisar cómo sería o no un disco. De cualquier manera, es otra buena introducción a lo de John Cale, al menos para mí lo fue, no el sentido de querer escuchar más sino en el de, como ya dije, la idea de que cualquier cosa puede venir.